La Peli de la Semana

Grease (1978)

2012-01-31T13:59:00.000-08:00

Siempre me ha impresionado la radicalidad de los años cincuenta, una década en la que la juventud norteamericana decidió romper con el conservadurismo motivado por las dos guerras mundiales de principios del siglo pasado, las cuales asolaron la capacidad de decisión de aquellos chicos que mataban nazis a pesar de no tener siquiera la edad legal para beber.

Toda esa frustración acumulada durante dos generaciones y escondida tras un desbordante patriotismo, generó un evidente rechazo de los adolescentes de los cincuenta al estilo de vida de sus suburbanos padres, desarrollando movimientos sociales directamente diseñados para negar los valores tradicionalistas estadounidenses y para hacer millonarios a los fabricantes de productos para el cabello.

Es en homenaje a esos tiempos de desenfreno y desprecio por la edad adulta que Randal Kleiser adapta Grease, el celebrado musical de 1972 creado por Jim Jacobs y Warren Casey, acerca del romance entre el chico malo más popular de una escuela llamada Rydell High y la más inocente y recatada de las alumnas que acuden al centro educativo.

Ñoñez es la primera palabra que inmediatamente podría asaltar nuestra mente al escuchar la sinopsis de este clásico del cine norteamericano, y en efecto, Grease es probablemente la ñoñez más divertida y mejor producida que he visto en mi vida.

Impregnada con la maravillosa estética de los años cincuenta, que junto con la forzada irreverencia adolescente de la época se convertiría en obsesión y musa inseparable de genios de la talla de John Waters, Grease es una fotografía invaluable tanto de la etapa histórica que parodia a lo largo de todo el metraje como de la industria fílmica de los años setenta, la cual, ignorante aún del poderío que implica manufacturar ídolos adolescentes, utilizó a actores que incluso llegaban a superar los treinta años de edad, disfrazándolos con cuidados peinados y toneladas de maquillaje.

Un veinteañero Travolta se enamora de la treintañera Olivia Newton John, en una fantasía adolescente plagada de canciones memorables que tomaron por sorpresa los top charts de música de la época y que aún hoy en día siguen implantadas en el cerebro de una juventud que poco tiene que ver con la que se refleja en pantalla, pero que alegremente corea todas y cada una de las canciones que aderezan las innumerables secuencias trascendentales de esta película, filmadas por uno de los genios del mainstream hollywoodense, Bill Butler.

¿Cómo olvidar esa brutal carrera a la Ben-Hur dentro de los canales de desagüe californianos, o ese interminable concurso de baile en el que Travolta exhibe una cadera que aparentemente tiene tres veces más articulaciones que las del humano común? Imposible, porque a pesar de su ligereza y su enorme simplicidad argumental, Grease es un hito innegable de la cinematografía norteamericana y uno de los filmes musicales más exitosos de todos los tiempos.

The Ides of March (2011)

2012-01-26T20:15:00.000-08:00

Cuando la juventud aún corre por nuestras venas prácticamente todo parece posible. Los cambios sociales más radicales se perciben completamente factibles en las mentes de aquellos que, ansiosos por dejar una huella indeleble en el mundo, no han experimentado en carne propia la decepción disfrazada de entendimiento que da el conocimiento de la Historia.

La política moderna, producto de miles de años de evolución intelectual y social, es sin duda una de las fuentes de desencanto más agresivas contra el ciudadano común, sin embargo, este proceso de ilusión infantil, seguido de abruptos golpes de realidad, es algo por lo que prácticamente todos los líderes contemporáneos han pasado al ver enfrentados los ideales de una sociedad justa contra la inevitable carga hedonista del hombre del siglo XXI.

Es ese abrupto despertar al mundo de la doble moral política el tema central de The Ides of March, el cuarto filme de George Clooney como director. Un breve capítulo en la historia de un publicista interpretado por Ryan "sensación juvenil" Gosling, cuyo talento lo lleva a ser uno de los hombres encargados de la imagen y discursos del personaje de Clooney, un gobernador en la contienda por convertirse en el representante del partido demócrata para las elecciones presidenciales.

El talentoso e idealista protagonista de la cinta (Gosling), que desempeña su trabajo bajo las órdenes de un experimentado creador de imagen interpretado por el siempre estupendo Philip Seymour Hoffman, pronto se verá inmiscuido en una serie de acontecimientos que terminarán por formarlo en el delicado arte de la manipulación, destruyendo en el camino todos sus fundamentos ideológicos para convertirse en un verdadero político.

La película, que desaprovecha en gran medida el interesante mundo de aquellas mentes que, utilizando las armas de mercadotecnia más avanzadas, construyen a esos personajes que luego hipnotizarán a las masas con discursos completamente prefabricados, funciona como una especie de cuento corto, como un mero anecdotario que termina por caer en fallos lógicos evidentes a pesar de su interesante construcción.

The Ides of March es una película de argumento francamente mediocre, y son precisamente las actuaciones de un elenco compuesto por actores de gran calibre las que consiguen elevar el nivel de esta adaptación de la obra de teatro escrita por Beau Willimon.

Filmada sin mayores pretensiones que las de un capítulo simplón de cualquier serie policiaca medianamente buena, la nueva incursión de Clooney en la dirección termina por ser una completa decepción, dejando al espectador con una sensación de vacío y con una única pregunta en la mente "OK, ya lo sabía ¿y?"

The Girl with the Dragon Tattoo (2011)

2012-01-23T19:05:00.000-08:00

Una historia puede contarse de mil maneras, y la habilidad para relatar o plasmar un hecho mediante el lenguaje o la imagen no es algo trivial, sino una de las cualidades más complejas que posee el ser humano, quien a lo largo de su evolución biológica ha sido capaz de desarrollar el maravilloso poder de la abstracción y la reinterpretación.

Es precisamente ése el meollo del asunto cuando se analiza la necesidad o necedad de tomar un filme estrenado apenas dos años antes (Män som hatar kvinnor), elaborado por un joven director danés con grandes aspiraciones, para reinterpretarlo con la monstruosa maquinaria de una industria voraz, orientada a construir un producto enteramente comercial con uno de los directores más venerados del momento.

Enojo es la primera reacción que me invade cuando escucho que algo así va a ocurrir, sin embargo ese enojo es provocado meramente por la falsa noción de plagio a la cinta original y al espíritu relativamente independiente que la construyó, en definitiva, un enojo estúpido.

Fincher se apropia completamente de la historia que el desafortunado Stieg Larsson construyó con su mente de filigrana antes de perecer ante las casualidades del destino, llevando el relato a una nueva dimensión que nunca llega a materializarse en el filme danés.

La esencia de la obra que ha vendido millones de páginas alrededor del mundo se mantiene intacta, y en las casi tres horas de metraje se imprima la pantalla con la perturbadora historia de Mikael Blomkvist, un reportero involucrado en la investigación del crimen cometido contra una joven hace más de cuatro décadas en una remota localidad sueca, la cual había sido fundada por una familia comulgante con las políticas y la filosofía del nacionalsocialismo alemán.

Es este misterio el que da pie para que haga su aparición uno de los personajes más atractivos que ha generado la cultura popular contemporánea, una mujer de nombre Lisbeth (bautizada por su creador en honor a una chica víctima de una violación múltiple que el propio Larsson no pudo salvar durante su juventud), poseedora de un asombroso intelecto, pero al mismo tiempo violenta y socialmente inadaptada, que vive en el anonimato y cuya única pasión es el espionaje cibernético.

Fincher se toma su tiempo en desdoblar las múltiples capas que componen la compleja historia del filme y, a diferencia de la cinta sueca que se basaba completamente en el talento histriónico de Noomi Rapace, el experimentado cineasta dibuja con pausadas pinceladas a todos y cada uno de los personajes que dan vida al misterio.

Para desgracia de Niels Arden Oplev, el director de la incursión sueca, se vuelve absolutamente imposible competir contra la desorbitada maquinaria de talentos escondida detrás de este remake, comenzando desde la brillante banda sonora con la que Trent Reznor y Atticus Ross aderezan la cuidada fotografía de Jeff Cronenweth, compañero inseparable de Fincher, hasta la estupenda actuación de Rooney Mara quien, de forma completamente inesperada, se adueña del papel de Lisbeth superando a Noomi Rapace.

Mi limitado manejo de las emociones me predispone siempre de forma negativa ante los remakes, sin embargo The Girl with the Dragon Tattoo es de los pocos casos en los que me es imposible negar el valor superior de la reinterpretación hollywoodense, mediante la que Fincher nos regala uno de los filmes más oscuros y al mismo tiempo más sexys del año, asumiendo la posición de rey Midas de la industria cinematográfica contemporánea.

Top filmes 2008

2012-01-20T06:21:00.000-08:00

Las reglas son simples. Cuando alguno de los años de estreno listados en este blog cuente con 25 o más reseñas, elaboraré un top de las diez películas más trascendentes del año en cuestión.

Sin más, he aquí los mejores filmes estrenados durante el 2008 (Den click en los nombres para acceder a las reseñas).

10. The Curious Case of Benjamin Button (Dirigida por David Fincher)

9.The Hurt Locker (Dirigida por Kathryn Bigelow)

8. Slumdog Millionaire (Dirigida por Danny Boyle)

7. Embodiment of Evil (Dirigida por José Mojica Marins)

6. Lake Tahoe (Dirigida por Fernando Eimbcke)

5. Entre les Murs (Dirigida por Laurent Cantet)

4. Gran Torino (Dirigida por Clint Eastwood)

3. Hunger (Dirigida por Steve McQueen)

2. The Wrestler (Dirigida por Darren Aronofsky)

1. Let the Right One In (Dirigida por Tomas Alfredson)

We Need to Talk About Kevin (2011)

2012-01-17T16:15:00.000-08:00

La maldad siempre ha sido un tema asociado de forma recurrente a la expresión social y artística del ser humano. Esa perversidad, que es en cierto modo inherente a nuestra naturaleza, nunca cesa de maravillarnos y ha sido objeto en incontables ocasiones de sesudas disecciones y tratados filosóficos, que intentan comprender esa inclinación que tenemos en mayor o menor medida a hacer el mal.

Es dentro de ese deseo de desenmarañar nuestra naturaleza que surge el arquetipo de la maldad absoluta, ese Mefistófeles humanamente imposible de alcanzar que nos aterra por su absoluto desprecio a los cánones de convivencia y civilidad que rigen a nuestras sociedades, desprecio que deviene en un desdén por la vida humana y en una obsesión por destruir, sin motivo aparente, todo atisbo de bondad construido a su alrededor.

Es precisamente esa maldad absoluta el punto central de We Need to Talk About Kevin, la celebrada novela escrita por Lionel Shriver y adaptada a la pantalla grande por la poco prolífica cineasta Lynne Ramsay, que centra su narrativa en la vida de un abominable adolescente, cuyo intenso narcisismo y odio por todos aquellos a su alrededor lo llevan a elaborar prácticamente desde su infancia un grotesco plan, basado en la destrucción gradual de su núcleo familiar y finalmente en la ejecución de un acto digno del más alto reconocimiento mediático.

El filme, que desde su secuencia inicial es una experiencia extremadamente visual gracias a la participación del director de fotografía Seamus McGarvey, a quien ya habíamos disfrutado en la maravillosa The Hours, recorre la vida del malévolo pequeño y la tormentosa relación con su devota madre, interpretada por la extraordinaria Tilda Swinton, quien en esta ocasión firma uno de sus papeles de mayor impacto dramático, transmitiéndole al espectador brutales impulsos de ira, desesperanza y terror ante la cruenta historia que debe afrontar una mujer cuyo único deseo era llevar una vida normal.

La salvaje misantropía que el personaje de Ezra Miller pone en evidencia con cada acción cuidadosamente premeditada, es tan extrema y tan carente de matices, que la película, a pesar de no utilizar los cánones clásicos del cine de terror, podría fácilmente clasificarse dentro de este género.

Me es imposible determinar si la adaptación fílmica de la novela es o no fiel, ya que no he leído el libro en cuestión, sin embargo, el acercamiento extremadamente visual que Ramsay hace a la historia, me lleva a pensar que muchos de los estupendos diálogos que John Waters llega a describir en su libro autobiográfico Role Models, en los que Kevin mantiene asombrosos duelos verbales con su madre, fueron penosamente sacrificados en pos de una narrativa mucho más intuitiva y experimental.

"There is no point, that's the point", declara con pasmosa tranquilidad el monstruo, mientras los ojos perplejos de su madre intentan comprender el motivo, buscando causas y patrones inexistentes, sin darse cuenta de que el chico tiene razón; no hay un por qué en la maldad, simplemente es nuestra naturaleza.

Top filmes 2009

2012-01-13T09:36:00.000-08:00

Las reglas son simples. Cuando alguno de los años de estreno listados en este blog cuente con 25 o más reseñas, elaboraré un top de las diez películas más trascendentes del año en cuestión.

Sin más, he aquí los mejores filmes estrenados durante el 2009 (Den click en los nombres para acceder a las reseñas).

10. Inglorious Basterds (Dirigida por Quentin Tarantino)

9. White Material (Dirigida por Claire Denis)

8. Thirst (Dirigida por Park Chan-Wook)

7. A Single Man (Dirigida por Tom Ford)

6. Mother (Dirigida por Bong Joon-Ho)

5. I Killed my Mother (Dirigida por Xavier Dolan)

4. A Prophet (Dirigida por Jacques Audiard)

3. Enter the Void (Dirigida por Gaspar Noé)

2. Antichrist (Dirigida por Lars von Trier)

1. The White Ribbon (Michael Haneke)

Top filmes 2010

2012-01-10T12:41:00.000-08:00

Las reglas son simples. Cuando alguno de los años de estreno listados en este blog cuente con 25 o más reseñas, elaboraré un top de las diez películas más trascendentes del año en cuestión.

Sin más, he aquí los mejores filmes estrenados durante el 2010 (Den click en los nombres para acceder a las reseñas).

10. A Serbian Film (Dirigida por Spasojevic Srdjan)

9. Winter's Bone (Dirigida por Debra Granik)

8. Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives (Dirigida por Apichatpong Weerasethakul)

7. The Illusionist (Dirigida por Sylvian Chomet)

6. Thirteen Assassins (Dirigida por Takashi Miike)

5. Copie Conforme (Dirigida por Abbas Kiarostami)

4. The Social Network (Dirigida por David Fincher)

3. Les Amours Imaginaires (Dirigida por Xavier Dolan)

2. Incendies (Dirigida por Denis Villeneuve)

1. Black Swan (Dirigida por Darren Aronofsky)

Top filmes 2011

2012-01-06T06:37:00.000-08:00

Las reglas son simples. Cuando alguno de los años de estreno listados en este blog cuente con 25 o más reseñas, elaboraré un top de las diez películas más trascendentes del año en cuestión.

Sin más, he aquí los mejores filmes estrenados durante el 2011 (Den click en los nombres para acceder a las reseñas).

10. The Human Centipede II (Full Sequence) (Dirigida por Tom Six)

9. Bellflower (Dirigida por Evan Glodell)

8. Martha Marcy Mae Marlene (Dirigida por Sean Durkin)

7. Melancholia (Dirigida por Lars Von Trier)

6. The Artist (Dirigida por Michel Hazanavicius)

5. The Tree of Life (Dirigida por Terrence Malick)

4. Drive (Dirigida por Nicolas Winding)

3. Pina (Dirigida por Wim Wenders)

2. A Separation (Dirigida por Asghar Farhadi)

1. The Turin Horse (Dirigida por Béla Tarr)

Hobo with a Shotgun (2011)

2012-01-05T07:13:00.000-08:00

La lluvia de ideas descabelladas que iniciaron Quentin Tarantino y Robert Rodriguez con el concurso de trailers falsos para su Grindhouse, sigue generando largometrajes interesantes basados en esos maravillosos despliegues de imaginación y humor gore que amenizaban los intervalos entre las proyecciones de Planet Terror y Death Proof.

Cuatro años después de ganar el concurso de trailers falsos realizado en el festival SXSW, Hobo with a Shotgun, la descabellada creación del joven Jason Eisener, consiguió los fondos suficientes para ir a la gran pantalla en forma de uno de los largometrajes más divertidos e irreverentes que han sido exhibidos durante el 2011. Convirtiéndose la cinta, más que en un homenaje al cine de serie B, en una película de serie B en sí misma, evitando esos elencos plagados de estrellas consagradas que utilizó la dupla Rodriguez / Tarantino y quintuplicando tanto la violencia como el mal gusto.

La historia, que permanece completamente fiel al trailer original, narra las vivencias de un vagabundo que llega a la peor ciudad del mundo, un basurero infecto controlado por una banda de sádicos maleantes, en el que la violencia extrema es cosa de todos los días y la población vive sometida a los deseos del capo mayor y de sus dos hijos, un par de jóvenes capaces de cometer las peores vilezas a cambio del rush de adrenalina que les generan.

El salvaje caos que impera en la ciudad, en donde armadas de punks ochenteros se dedican a desmembrar y destripar ciudadanos inocentes, afecta gradualmente la psique de un vagabundo interpretado por el eterno actor secundario Rutger Hauer, cuyo único deseo es juntar el dinero suficiente para comprar una cortadora de césped que le permita tener un trabajo y una vida normal.

El robo de la tienda en la que el pacífico vagabundo planeaba comprar sus instrumentos de jardinería lo empuja a asumir el papel de vigilante de la ciudad, al escoger una flamante escopeta en lugar de la cortadora de cesped y comenzar a llenar de agujeros a maleantes, ladrones, pedófilos y sádicos punks, desatando una guerra entre el inesperado héroe y el salvaje capo mayor de la ciudad.

Plagada de efectos especiales handmade que nos remiten al cine gore de mediados de los setenta, así como de diálogos incisivos y maravillosamente exagerados, la cinta de Eisener es un producto que evidentemente tiene un mercado bastante limitado, sin embargo posee todos los elementos para que los fanáticos del verdadero cine de serie B pasen un muy buen rato viendo secuencias que ni Tarantino ni Rodriguez pudieron realizar en sus respectivos homenajes al género.

You and me are goin' on a car-ride to hell... and you're riding shotgun!, grita con furia el vagabundo mientras empuña con mano temblorosa pero firme su escopeta, y después del ¡BANG! los espectadores no tenemos otra opción más que acompañarlo, gustosos, al infierno.

Martha Marcy Mae Marlene (2011)

2012-01-02T12:26:00.000-08:00

Este año el festival de Sundance ha sido el proveedor de algunas de las películas más interesantes del año, demostrando que el cine independiente sigue siendo uno de los principales bastiones en donde la inteligencia, que tanto se extraña en las producciones de mayor impacto mediático, se impone a las carencias presupuestales elaborando filmes que, al no depender de los intereses de las grandes compañías productoras, se fundamentan en una de las características más escasas del mundo del cine: la originalidad.

Martha Marcy Mae Marlene es uno de esos escasos filmes que exudan originalidad a lo largo de cada una de sus secuencias, armando gradualmente una experiencia completamente paranoide ideada por el brillante Sean Durkin, a quien el festival de Sundance otorgó el premio al mejor director del certamen, que consigue mantener incluso a los espectadores más experimentados al borde de sus asientos desde el primero hasta el último segundo.

Me es imposible dar una breve descripción de la historia inicial de esta cinta, ya que la mejor manera de enfrentarse a un filme como Martha Marcy Mae Marlene es desde la más completa ignorancia, esto debido a que cualquier sinopsis atentará inevitablemente contra el disfrute del brillante desarrollo con el que Durkin distribuye a cuentagotas la información detrás de sus complejos personajes, sus motivaciones, sus frustraciones y sus infinitos temores.

Impactante es el análisis crítico que este novel director hace de la vulnerabilidad que le supone a la psique humana el asumir a alguien como guía vital, extrapolándose dicho análisis a todos aquellos objetos y personas que dogmatizamos, en un intento por dar significado a nuestras vidas, a través de la complacencia y la búsqueda de aprobación de una figura a la que conferimos autoridad moral sobre nosotros.

Son precisamente las actuaciones de Elizabeth Olsen, como la increíblemente perturbada protagonista, y de John Hawkes, quien se ha convertido rápidamente en uno de mis actores favoritos, las que consiguen que el original guión se transforme en un violento golpe emocional orquestado por momentos histriónicos de espectacular belleza y sensibilidad, que se enfrentan contra el horror oculto bajo el opaco velo de tristeza que cubre a los personajes.

Una sobria y discreta banda sonora se une a la convencional pero efectiva dirección fotográfica de Jody Lee Lipes, consiguiendo capturar ese halo de paranoia y locura que se intuye durante todo el metraje y que torturará sin descanso los nervios del espectador, utilizando secuencias mayoritariamente de ritmo pausado que se contraponen a los frenéticos saltos temporales con los que se hila de manera magistral la historia.

Martha Marcy Mae Marlene es sin duda un filme sobresaliente, que coloca a Sean Durkin como un creador extremadamente interesante capaz de escribir y dirigir un filme nada sencillo de ejecutar, que en manos menos diestras podría fácilmente haberse convertido en una historia con cientos de errores de continuidad y lógica, pero que afortunadamente es una de las cartas más fuertes del 2011.

Carnage (2011)

2011-12-28T11:24:00.000-08:00

No cabe duda de que Roman Polanski es uno de los directores de cine más versátiles con los que contamos en la actualidad. Desde su perturbadora Knife in the Water, con la que se inauguró como consentido de la crítica, el cineasta polaco ha recorrido absolutamente todos los géneros clásicos del cine, consiguiendo, del mismo modo que su incansable contemporáneo Stanley Kubrick, que aquellos espectadores que deciden enfrentarse a un nuevo filme suyo nunca sepan a ciencia cierta con qué se encontrarán.

Minimal es uno de los adjetivos que mejor podrían describir a Carnage, la nueva producción filmica del director polaco, quien en esta ocasión decide adaptar la premiada Le Dieu du Carnage, una de las obras de teatro más celebradas de Yasmina Reza, involucrada también por Polanski en el desarrollo del guión del filme, que narra un hecho tan sencillo como el encuentro de dos parejas adultas que se reúnen para discutir, de forma "civilizada", las medidas a tomar en relación a una pelea ocurrida entre los hijos de ambas.

Adjudicando los méritos a quien los merece, inmediatamente salta a la vista que Carnage es una película con dos elementos primordiales: guión y actuación. El primero, magníficamente ejecutado por Yasmina Reza, es un fuerte ataque a los estándares morales del siglo XXI, una profunda reflexión sobre las relaciones de pareja actuales y un ensayo que desnuda, mediante un hecho aparentemente intrascendente, la incapacidad intelectual que tiene el ser humano para ser objetivo cuando se encuentra inmerso en un conflicto que le atañe.

Las actuaciones, que constituyen el segundo punto primordial del filme, son inmejorables. Irreconocible aparece Jodie Foster, quien no había tenido un reto histriónico de este calibre desde el siglo pasado, junto a John C. Reily para defender a capa y espada a su hijo "desfigurado" por el malévolo engendro educado por Kate Winslet, una corredora de bolsa, y el siempre hipnotizante Christoph Waltz, un litigante inmerso en una millonaria demanda a la industria farmacéutica.

Presas de una maldición que recuerda a El ángel exterminador de Buñuel, las dos parejas, incapaces de despedirse y abandonar la discusión, se enfrascan en cómicas discusiones alimentadas por el fuego del alcohol que fluye en un intento de los anfitriones por satisfacer a sus invitados, convirtiendo el encuentro en un caos extremadamente divertido.

Carnage es una prueba fehaciente de que Roman Polanski es capaz de conseguir financiamiento para lo que sea, ya que esta cinta no deja de ser un producto atípico dentro del mercado comercial, sin embargo, el viejo Roman ya está más allá del bien y del mal y es una garantía de calidad a la que los espectadores, dado el estado de la cartelera, se aferran como limaduras de hierro a un imán.

A pesar de que Carnage es un producto que yo atribuiría mucho más al talento de Yasmina Reza que al de Polanski, dado que es un montaje prácticamente teatral con un desarrollo estilístico muy parco, sin duda se recordará como otro triunfo de este controversial director que una vez más consigue cambiar el ritmo al que nos tenía acostumbrados con sus últimos filmes y hacer una breve pero estupenda joya cinematográfica.

Another Earth (2011)

2011-12-25T05:38:00.000-08:00

La ciencia ficción muchas veces resulta un campo difícil de abordar con éxito, tanto a nivel literario como fílmico, y a pesar de que durante toda nuestra vida hemos sido alimentados con historias de maestros como Asimov, Bradbury y demás genios, que nos dieron las pautas filosóficas de los viajes temporales, de la lógica robótica, o de la extrema no linealidad argumental, año con año seguimos sufriendo el peso de historias cuyo ínfimo respeto por la inteligencia del lector o espectador resulta enervante.

Si este año nos decepcionamos con el desafortunado regreso a la pantalla grande de Duncan Jones con su Source Code, imaginativo pero plagado de errores argumentales, lo que hace Mike Cahill con Another Earth resulta simplemente penoso.

Moralista hasta decir basta, la película con la que Cahill se estrena en el mundo de los largometrajes de ficción, cuenta la historia de una chica perfecta, guapa, inteligente y universitaria, que al conducir de vuelta a casa después de una noche de fiesta, por una distracción se estrella contra una familia, matando a un pequeño, a una mujer embarazada y dejando en coma al padre y esposo. Condenada por asesinato imprudencial, la chica es liberada después de unos años con unas expectativas de vida completamente distintas a las que tenía en un principio, lo que, aunado a la intensa culpa que experimenta, sume su vida en un estado intensamente depresivo.

La joven, que ha perdido el interés por vivir, consigue trabajo como conserje en una escuela y pasa los días con su compañero de limpieza que, "cansado de verse en todos lados", se ha dejado ciego al tirarse cloro en los ojos, desplazándose día tras día lentamente por la escuela entre frases filosóficas que bien podrían haber salido de uno de los nefastos libros de Paulo Coelho.

El círculo de ñoñez del guión se completa cuando la chica se entera de que el único sobreviviente del accidente que provocó ha salido del coma y vive, tan o más deprimido que ella, en un solitario trailer park. El descubrimiento la impulsa a pedir perdón para expiar sus culpas, sin embargo, por falta de coraje, acaba ofreciéndole un servicio de limpieza al decaído ex profesor universitario sin decirle quién es, propiciando el inicio de una relación entre ambos.

De forma paralela al sentimentaloide planteamiento narrativo principal, un planeta exactamente igual a la tierra, que se ocultaba detrás del sol (¿Melancholia?), ha perdido la sincronía de su órbita y aparece a la vista y al alcance de un viaje estelar terrestre. Como una reacción completamente "lógica", a la NASA se le ocurre la brillante idea de rifar un boleto para ir a la denominada Earth2, supuesto planeta espejo de la tierra, en donde no sólo los continentes son iguales sino que además viven exactamente las mismas personas.

Si ya los ingredientes de Another Earth resultan ridículos, el desarrollo y la conclusión de la historia lo son aún más, consiguiendo Cahill la realización del filme más meloso que he visto durante el 2011 y el que más me ha enfadado en cuanto al nivel de condescendencia que tiene para los espectadores y en cuanto a las risibles justificaciones científicas y lógicas con las que se arma el relato.

La cinta, que visualmente tiene todos los elementos del cine independiente contemporáneo, hará enfadar a todos aquellos que busquen un mínimo de lógica en la ciencia ficción y a los que odien las lecciones morales evidentes. Si ustedes no son de esos, que la disfruten.

The Artist (2011)

2011-12-22T12:34:00.000-08:00

La principal enfermedad del cinéfilo es dejarse llevar por las expectativas.

El fenómeno se inicia cuando una película relativamente esperada ve su estreno en algún festival y los comentarios comienzan a surgir. Poco a poco la avalancha de reseñas inicia su implacable descenso hasta las pantallas de nuestras casas, mientras que el beneplácito moderado de los críticos se convierte en desorbitada euforia a través de grandes campañas publicitarias: "Excelente", "Perfecta", "El mejor filme en diez años". Y ahí, sentados frente a nuestras computadoras, no podemos evitar sentir que la piel se nos eriza cuando vemos las grandilocuentes palabras impresas en blancas letras gigantes, vibrando sobre fondos negros y rodeadas de estrellas. El cinéfilo se transforma entonces en un zombie que está completamente convencido de que verá la mejor película del año o del siglo.

Dicho proceso publicitario, que es utilizado una y otra y otra y otra vez durante el año, fue manejado a la perfección por la campaña de The Artist, un filme que inicialmente iba a presentarse en el festival de Cannes fuera de la competición, pero que en un giro inesperado fue incluido en ella una semana antes del certamen, consiguiendo el premio a la mejor actuación masculina. Un filme que fue bien recibido por la crítica, que tenía la peculiaridad de ser una película silente en blanco y negro, en pleno siglo XXI, y que, descrita como un homenaje a la historia del cine, comenzó a generar interés hasta que el gran capo Harvey Weinstein compró su distribución y literalmente lo hizo estallar.

Esta lección del salvaje poderío de la industria cinematográfica no debe restarle méritos a una película que sin duda es entrañable y que se filmó con total desconocimiento de lo que posteriormente sucedería con ella. Innegable es el hecho de que el director Michel Hazanavicius se embarcó con The Artist en una apuesta muy compleja y arriesgada, fundamentándose para ello, según el autor, en un profundo estudio de la obra de los maestros del cine de la era silente, al grado de proclamar que la mayor influencia de la cinta eran los filmes de Murnau. Declaración sin duda desafortunada, porque si algo no se ve en The Artist es la mano del genio alemán, siendo ésta mucho más cercana al cine clásico norteamericano de los años veinte.

El guion, magistralmente escrito por el propio Hazanavicius, narra una tierna historia de amor entre un icónico actor de cine mudo, que se ve completamente relegado cuando el cine sonoro hace su aparición, y una chica que pasa de actriz secundaria en la época muda a diva de la sonora. La pareja, compuesta por Bérénice Bejo, esposa de Hazanavicius, y el increíblemente encantador Jean Dujardin, que probablemente interpreta en The Artist el papel de su vida, son capaces de conducir, mediante su extraordinaria habilidad expresiva, una historia que no deja de ser un reto de tolerancia para los espectadores que nunca han visto cine mudo.

El dramatismo de la celebridad que cae y que sufre aún más al ver a su amor triunfar mientras él se sume en el abismo, se intensifica a través de las brillantes tomas que Guillaume Schiffman elabora y que desde el primer segundo conquistan el ojo del espectador, el cual se sumergirá instantáneamente en secuencias verdaderamente brillantes, de gran dinamismo y de extrema sensibilidad compositiva, destacando la bellísima escena de un peculiar baile que resulta inolvidable.

La banda sonora compuesta por Ludovic Bource, que sin duda es otro de los grandes protagonistas de la cinta, pocas veces cae en el tedio y está repleta de momentos de gran brillantez, indispensables para mantener la atención del hiperactivo espectador del siglo XXI.

Cargada de nostalgia por los tiempos pasados, The Artist cuenta con una fórmula idónea para arrasar con los premios de la academia cinematográfica norteamericana, que siempre ha estado sumida en la nostalgia, y para complacer a una gran cantidad de espectadores que, presas o no de la publicidad, saldrán con una gran sonrisa en la cara.

Es cierto, The Artist no es el mejor filme del año, pero es una gran película.

Jodaeiye Nader az Simin (A Separation) (2011)

2011-12-18T05:10:00.000-08:00

Resulta irónico que un país como Irán, tan satanizado por la falsa superioridad moral del primer mundo, en donde las garantías individuales de los ciudadanos están completamente coartadas y la censura se ha convertido en una bestia insaciable, presente movimientos artísticos de una complejidad y riqueza muchas veces superiores a los que acontecen en países con una libertad social infinitamente mayor.

Independientemente de las justificaciones que puedan darse al cada vez más importante movimiento de autores que surgen día con día en Irán, los hechos hablan por sí mismos, y este año la película que debería arrasar con todos los premios fílmicos medianamente respetables, se escribió, gestó y produjo en ese país tan radicalizado, en el que se puede contextualizar la realidad social a través de, por ejemplo, los discursos de su líder supremo en los que declara que en su país no existe la homosexualidad.

Es precisamente Asghar Farhadi, el cineasta que en 2009 se llevó el Oso de plata al mejor director en el festival de Berlín por About Elly, quien ahora regresa para maravillarnos con A Separation, un filme que narra el proceso de divorcio de una pareja iraní, en donde el hombre es posteriormente acusado de asesinato involuntario, al empujar y provocar un aborto a una mujer que, por la ausencia de su esposa, lo ayudaba a cuidar a su padre enfermo de Alzheimer.

La dramática historia, que contada a grandes rasgos puede sonar demasiado melodramática, se construye a partir de un maravilloso guión escrito por el propio Farhadi, en el que la clave de su éxito es el asombroso equilibrio con el que maneja a esos personajes que, dotados de una pasmosa naturalidad, intentan librarse de los problemas que van surgiendo a lo largo de los múltiples juicios doblando la verdad de cualquier forma imaginable, sin embargo, a diferencia de los personajes que normalmente vemos retratados en la pantalla grande, éstos repudian completamente los arquetipos de bondad y maldad clásicos, siendo todos una brillante mezcla en la que ambas características se funden, hasta crear esa esencia humana que nos conforma y que es siempre tan difícil de representar.

Con un grupo de espectaculares actuaciones que monopolizaron todos los premios en el festival de Berlín, A Separation pinta un elaborado retrato, mucho más positivo de lo que cabría esperar, del sistema judicial iraní, mientras que al mismo tiempo disecciona la situación de las clases sociales y de las relaciones de pareja en un país cuyas costumbres nos son completamente ajenas, pero evitando siempre caer en los indeseables extremos que normalmente se utilizan, por desgracia, cuando el arte intenta describir situaciones sociales que son ajenas o contradicen los conceptos establecidos por la mayoría.

Impecable resulta también la producción del filme y en ningún momento se palpan carencias de postproducción, de mezcla de sonido, o de edición de imagen, humillando con esto, y con su ridículo presupuesto de 300 000 dólares, a aquellos dramas que aspirarán a recibir los elogios de los grandes mafiosos de la industria del cine este año.

El desarrollo de la historia y la delicadeza con la que los dramáticos acontecimientos se suceden en A Separation, nos dejan en claro que no estamos ante un filme ordinario y que esta grandísima joya será de las pocas películas del año que indudablemente superarán la prueba del tiempo, validando el hecho de que los mensajes que el verdadero arte trata de transmitir son siempre atemporales.

Crazy, Stupid, Love (2011)

2011-12-14T11:44:00.000-08:00

Siempre he imaginado como una tarea extremadamente difícil construir una comedia romántica medianamente interesante en Hollywood, comenzando por el hecho indiscutible de que una película con tales características de trama y origen está pensada casi exclusivamente para recaudar la mayor cantidad de dinero posible. El target audience resulta entonces orientado, de forma inevitable, a hombres especialmente sensibles ante el amor y mujeres que buscan pasar un buen domingo, acompañadas por hombres no tan sensibles, viendo la misma fantasía de amor que les han inculcado los estándares occidentales durante toda su vida.

Es por lo anterior que siempre que me enfrento a una comedia romántica no puedo evitar hacerlo con recelo, imaginando un desagradable encuentro de hora y media en un cuarto oscuro, escuchando suspiros y risotadas fáciles.

Como todo en esta vida, incluso los dogmas más arraigados pueden destruirse en un abrir y cerrar de ojos si se miran desde otro punto de vista, situación que se hace evidente en la nueva cinta del dúo de directores responsable de la celebrada I Love You Phillip Morris, Glenn Ficarra y John Requa, que en un despliegue de inteligencia consiguen complacer tanto a aquellos que buscan la comedia romántica sencilla, como a los que desean ver ese desarrollo medianamente interesante.

Crazy, Stupid, Love comienza su camino triunfal a partir del impecable dúo protagónico compuesto por el muchas veces brillante Steve Carrel, siempre capaz de generar sonrisas a pesar de las carencias de los guiones en los que suele participar y por Ryan Gosling, que ha visto en 2011 el año más importante de su carrera al interpretar al nuevo rey del cool en Drive. La desigual pareja se une gracias a la pericia del guionista Dan Fogelman que narra la historia de un hombre sencillo que, sumido en una gran depresión producto del engaño de su mujer y de su posterior separación, conoce a un seductor profesional que tratará de ayudarlo a superar sus problemas de autoestima. Ya se imaginarán quién interpreta a quién.

El hilarante proceso de cambio que sufre el protagonista es potenciado por un cúmulo de excelentes personajes, como la también insegura esposa (Julian Moore), su amante (Kevin Bacon), una hipersexualizada maestra de primaria (Marisa Tomei), la "inocente" hija de la extinta familia (Emma Stone) que quiere desposar a un abogado simplón y el hijo puberto que dedica sus poluciones nocturnas a su niñera.

La inteligencia de Crazy Stupid Love radica precisamente en que ese grupo de personajes no sólo están ahí para generar secuencias de humor simplón (que también las generan), sino que sus caminos y acciones se hilan de forma verdaderamente imperceptible, entre escenas cómicas y emotivas, para generar un meticuloso entramado de relaciones que termina por asombrar y sorprender completamente al espectador. Todo lo anterior se consigue sin eliminar ni una pizca de las dosis de romanticismo necesarias para hacer una comedia romántica clásica, pero transformando las vomitivas secuencias acarameladas y melosas en momentos verdaderamente sexys o genuinamente tiernos, que al adornarse con música de The Flaming Lips o Goldfrapp generan una combinación ganadora.

Crazy Stupid Love es una de las sorpresas más agradables que he recibido este año. No ganará nada en la temporada de premios y en veinte años nadie la recordará, pero me hizo reír como hacía mucho no lo hacía y no puedo pedir más.

Tyrannosaur (2011)

2011-12-11T05:33:00.001-08:00

Miseria sobre la miseria. Todos los años hay una película que tiene la habilidad de destruirme emocionalmente. Del mismo modo que el año pasado Thomas Vinterberg me hundió durante días con su Submarino, ahora Paddy Considine, a quien tal vez recuerden como el actor principal de una de las obras cumbre de Shane Meadows, Dead Man's Shoes, consigue elaborar y dirigir un relato devastador acerca de la eterna batalla entre racionalidad e instinto y las víctimas que surgen de tan cruenta lucha.

Terrorífica y deprimente a partes iguales, Tyrannosaur, la ópera prima de Considine, consigue abordar con una lucidez asombrosa el tema de la violencia de género, asunto que muchas veces tiende a representarse mediante repetitivos y simplistas clichés, que terminan por trivializar el acto y se alejan de cualquier intención por dilucidar aquellos mecanismos que activan, de forma muchas veces inexplicable, el que hasta nuestros tiempos sigue siendo un fenómeno social mucho más recurrente de lo que estamos dispuestos a aceptar.

La historia, que durante hora y media se posa como una lápida sobre los hombros de los brillantes actores Olivia Colman y Peter Mullan, analiza la relación de un pobre diablo solitario de más de cincuenta años, morador de barrios bajos, alcohólico, con severos problemas en el manejo de la ira y una mujer de un barrio acaudalado, propietaria de una tienda de caridad, con una gran fe religiosa y víctima de las constantes vejaciones de su exitoso y asqueroso marido.

A pesar de que la historia se centra en la destrucción psicológica sistemática que sufre la mujer ante los abusos de su pareja, Considine decide meter mano en una gran cantidad de temas (todos increíblemente deprimentes), entre los que se encuentran: la imposible batalla contra los instintos, la soledad, el alcoholismo, el racismo, la desigualdad social y finalmente el vacío experimentado ante la pérdida del amor.

El retrato de una sociedad que utiliza la ira como terapia, y que la orienta de forma descontrolada hacia lo primero que encuentra, se plasma en Tyrannosaur a través de imágenes muy poderosas capturadas por Erik Wilson, fotógrafo al que ya habíamos tenido la oportunidad de apreciar el año pasado en Submarine (no confundir con Submarino), y que en combinación con la excelente mezcla de sonido genera momentos brutales de insoportable tensión para el espectador.

Tyrannosaur es un filme completamente oscuro y sin tonalidades, convirtiéndose esto en su principal desventaja, ya que la negación de cualquier matiz de esperanza, con la excepción de una extraordinaria secuencia cerca de la mitad del filme, termina alienando al espectador, el cual muy probablemente acabe viendo la cinta desde un completo desapego a la realidad de los personajes, como si estos fueran animales dentro de un grotesco zoológico.

A pesar de lo anterior, el esfuerzo fílmico que inaugura la carrera de Considine como director es sin duda sobresaliente y las extraordinarias actuaciones del elenco (de las mejores del año) son capaces de helar la sangre y llevar al espectador a lugares que difícilmente olvidará.

Meek's Cutoff (2010)

2011-12-08T11:52:00.001-08:00

El rol de la mujer en la sociedad occidental ha estado siempre inmerso en una gran gama de claroscuros. Ya fuera como trabajadora incansable, como centro alrededor del cual giraba el núcleo familiar, como tótem sexual o como mártir y esclava de su hombre, la figura de la mujer ha experimentado una evolución brutal a lo largo del último siglo, en cuanto a los paradigmas clásicos que definieron la identidad de su género durante milenios.

Es precisamente esa lucha por reestablecer los cánones del poder femenino la que ocupa el planteamiento central de Meek's Cutoff, la más reciente cinta de Kelly Reichardt, quien en esta ocasión se aleja de la escritura del guión, trabajo que deja a su fiel colaborador Jonathan Raymond, para concentrarse totalmente en la dirección de la película.

La noticia de que en algún punto de norteamérica pueden encontrarse tierras listas para ser tomadas por el primero que decida poblarlas, es el motivo por el que tres familias de mediados del siglo XIX se embarcan en una odisea a través del desierto. El futuro de dicho colectivo de caravanas depende enteramente de las habilidades de orientación de Stephen Meek, el rudo y experimentado guía al que interpreta un inspirado Bruce Greenwood, cuya valía comienza a ponerse en duda al intuir que están completamente perdidos.

La inevitabilidad de una muerte segura en medio del desierto, que se hace cada vez más palpable con la diaria disminución de provisiones y agua, y la aparición de un indígena que puede llevar a las caravanas al río más cercano, pero al que es imposible entender debido a una impenetrable barrera de lenguaje, son los ingredientes que detonan el cuestionamiento de las autoridades y la proeza, no intencionada, conseguida por una de las mujeres (Michelle Williams) de instaurar un nuevo orden social.

El brillante relato que Reichardt elabora, valiéndose de un guión que a primera vista brilla por su simplicidad, pero que está compuesto de una infinidad de capas que al desdoblarse plantean interminables cuestionamientos trascendentales, incrementa su impacto con el estupendo tratamiento visual mediante el que Chris Blauvelt aprovecha la proporción de imagen de 1:1.33, formato escogido por Reichardt en un afán por homenajear a los westerns clásicos, probándole al espectador que las proporciones del widescreen no son las únicas que permiten generar un producto de gran belleza.

Después del éxito obtenido en Wendy and Lucy, nuevamente Reichardt se apoya en Michelle Williams para desarrollar su historia, sin embargo la elección del resto del elenco es francamente estupenda y tanto Bruce Greenwod, en su papel de Meek, como el joven, pero desde mi punto de vista muy prometedor Paul Dano, a quien ya habíamos visto en There Will Be Blood y que ahora es el tímido líder de una de las caravanas, dan excelentes interpretaciones, sobresaliendo también el trabajo del hasta ahora desconocido Rod Rondeaux, como el indígena que puede mostrarles el camino a la salvación, .

Con cuadros costumbristas que nos hacen imaginar lo que Jean-François Millet hubiera podido pintar de haber nacido en Norteamérica, intercalados con la desesperanza de una historia estupenda, Meek's Cutoff se convierte en otro éxito del cine independiente norteamericano, que últimamente no cesa de maravillarnos.

Bellflower (2011)

2011-11-30T07:34:00.001-08:00

Sundance es uno de los pocos festivales que al día de hoy conservan su esencia y reputación prácticamente intactas. Un lugar en el que el núcleo de cineastas norteamericanos verdaderamente independiente, etiqueta que cada vez se utiliza de forma más inapropiada, presenta sus últimos esfuerzos ante un mercado despiadado que disfruta de descuartizar todo aquello que no lleve el símbolo de dólares impreso en cada fotograma.

Bellflower es la joya povera de la última edición de Sundance, un filme hecho por un grupo de amigos comandado por el hasta ahora anónimo Evan Glodell, quien con un presupuesto aproximado de 17,000 dólares fue capaz de crear una vibrante cinta de acción y romance, valiéndose de una historia inteligente y de desarrollos tecnológicos propios, que disimulan de forma ejemplar la falta de presupuesto.

La desesperanza, el descontrol y el vacío emocional de la juventud en la clase media norteamericana son el objeto de estudio de esta película, que toma al amor como el funesto detonante de la debacle psíquica de un joven que, interpretado por el propio Evan Glodell, representa un eslabón más en la cadena de chicos sin futuro que ha engendrado el sistema social occidental. Hombres presas de una adolescencia perene, que viven sus vidas como autómatas y que al ser conscientes de su intrascendencia social, simplemente ven pasar el tiempo cerveza en mano.

Resulta indudable que la cinta está especialmente diseñada para incendiar los sentimientos de la juventud visual, clasificación dentro de la que me incluyo, la cual se verá atraída desde el primer segundo por los fantásticos experimentos cinemáticos del fotógrafo Joel Hodge, quien utilizando la cámara diseñada y construida por el propio Glodell (una combinación de partes de cámaras antiguas y un grupo de viejos lentes rusos empotrados sobre una cámara digital), consigue texturas y efectos que terminan por crear una ambientación espectacular.

El festín visual que Glodell y Hodge arman durante poco más de hora y media de metraje, en el que el espectador ve cumplirse los más tristes augurios para la pareja de amigos que protagoniza el filme, se graba con fuego en la retina y en los oídos, ya que la película cuenta con una espectacular banda sonora que, además de mezclar a artistas consagrados como Lykke Li o Ratatat, presenta un soundtrack original compuesto por Jonathan Keevil, un desolador músico y poeta que es el responsable de elevar el tono melancólico de ciertas secuencias a niveles prácticamente intolerables para el corazón.

Imposible no sentir escalofríos y meterse instantáneamente en la cinta con esa secuencia inicial de créditos, que sin duda es la mejor que he visto este año, y con la historia de ese par de inocentes amigos, cuyo fanatismo por la mítica serie de películas de ciencia ficción Mad Max centra, de forma increíblemente patética, todas las metas de su vida en construir un lanzallamas y un auto dignos de garantizarles la popularidad en caso de que ocurra el apocalipsis. Imposible también no sentir admiración por ese grupo de jóvenes comandado por Glodell, cuyo valor y talento muestran las grandísimas posibilidades que tiene el cine independiente en los tiempos que corren.

Al final todos vivimos en un mundo de fantasía creado a partir de nuestros deseos, nuestros anhelos y nuestros fracasos, pero lo único que queda claro es que, si un día despierto en medio del apocalipsis, rezo al cielo para que junto a mí esté el negro y llameante MEDUSA con las llaves puestas y el motor encendido.

Tercer aniversario de La peli de la semana.

2011-11-27T05:18:00.001-08:00

Oh, el tiempo...

Tres años han pasado ya y La peli de la semana me sigue acompañando como un gran amigo silencioso que no cesa de darme alegrías.

No puedo negar que me congratulo del hecho de que el número de visitas año con año se multiplica, pero lo que más felicidad me da es poder combatir mi miedo a la pérdida de la memoria con este proyecto personal que espero mantener muchísimos años más.

Como siempre les agradezco a todos aquellos que por azares del destino han caído en este blog, leyendo alguna de las 88 críticas que pude escribir durante el 2011 y brindo con ustedes para que dentro de poco estemos celebrando el cuarto año de La peli de la semana.

Salud.

Podcast: Top 20 cine de vampiros

2011-11-27T03:50:00.001-08:00

El día de ayer, Sábado 27 de Noviembre, fui invitado nuevamente a la estación tapatía de radio por Internet, Radiocalaña. En esta ocasión Oscar Chavira, conductor del segmento semanal de cine Corte y queda, me extendió la invitación para hablar de las veinte películas más importantes del cine de vampiros.

A continuación les comparto el resultado de dicho encuentro radiofónico, con el desglose de las cintas analizadas, para que puedan escoger aquellas que les interesen.

20. Martin (00:05:28)
19. The Hunger (00:06:17)
18. From Dusk Till Dawn (00:07:14)
17. Fright Night (00:08:13)
16. Trouble Everyday (00:09:06)
15. Near Dark (00:11:08)
14. Cronos (00:12:29)
13. The Horror of Dracula (00:17:45)
12. Vampyr – Der Traum Des Allan Grey (00:18:58)
11. Shadow of the Vampire (00:20:57)
10. The Lost Boys (00:28:10)
-- La saga Twilight (00:31:23)
9. La Maschera del Demonio (Black Sunday) (00:35:30)
8. Bram Stoker’s Dracula (00:47:46)
7. Dracula: Pages from a Virgin’s Diary (00:53:06)
6. Interview with the Vampire (00:58:08)
5. The Fearless Vampire Killers (01:08:21)
4. Nosferatu: Phantom der Nacht (01:15:45)
3. Thirst (01:27:26)
2. Dracula (01:31:20)
1. Nosferatu, eine Symphonie des Grauens (01:43:03)
1. Let the Right One In (01:51:35)

Begotten (1990)

2011-11-22T04:04:00.001-08:00

Mucho valor y un compromiso artístico inquebrantable, es lo que se requiere para comenzar una carrera fílmica de la forma en la que Edmund Elias Merhige lo hizo con Begotten. Un trabajo al que el calificativo de experimental le queda pequeño y que constituye una de las experiencias más viscerales que se han visto en la pantalla grande.

Creado a partir de una experiencia grupal del Theatreofmaterial, colectivo artístico fundado por Merhige durante sus años de estudiante, Begotten es un filme que narra el mito de la creación del hombre, su trágico andar por un mundo hostil que es incapaz de comprender y su interacción con la madre naturaleza desde un punto de vista completamente tremendista. Sin embargo, la esencia de la cinta no radica en su historia, la cual se dilucida gracias a los créditos finales en los que se pueden observar nombres de personajes tales como: God Killing Himself, Mother Earth o Son of Earth-Flesh and Bone; sino en la salvaje experiencia sensorial que se desarrolla a lo largo de los setenta minutos de metraje.

Filmada mediante reversal film, técnica que produce una imagen en positivo sobre una base transparente y que se utiliza normalmente para producir transparencias, y sometida a un exhaustivo trabajo de post proceso visual, que de acuerdo a los datos proporcionados por Merhige tomó hasta diez horas por minuto de filme terminado, la película es un ataque directo a los sentidos desde los primeros instantes.

Sin dar ni un segundo de tregua al espectador, que al inicio de la cinta apenas comienza a acostumbrarse al peculiar estilo visual de ésta, Merhige abre su ópera prima con la extraordinaria secuencia del suicidio de Dios, que sin duda alguna constituye un hito en el acercamiento a los códigos más básicos del horror y en la sugestión del espectador que, presa de los intensos contrastes del filme en blanco y negro, deberá rellenar con su torcida mente lo que ocurre de forma velada en la pantalla.

La película, que funciona como un crescendo constante a pesar de sus ligeros cambios de ritmo, se desarrolla como una especie de performance en el que el espectador sigue los pasos del hijo de la madre tierra, inválido, desorientado y acosado siempre por toda clase de engendros, inmerso en un terrible camino que funge como metáfora de los ciclos vitales, tanto del hombre como de la tierra.

Al combinar una banda sonora compuesta únicamente de sonidos percibidos en la naturaleza, una completa carencia de diálogos y una fuerte cantidad de violencia, el predecible resultado fue un fracaso rotundo en taquilla, pero un inmediato aprecio del filme como obra de culto, lo cual puso a Merhige en el mapa y le permitió conseguir la financiación para Shadow of the Vampire, su trabajo más conocido.

Primera parte de una trilogía, inconclusa aún, que tiene su segundo capítulo en el todavía más críptico cortometraje Din of Celestial Birds, Begotten es una fantástica experiencia visual que lleva al espectador a lugares completamente inexplorados y que merece su lugar como una película de culto imprescindible.

Terra em Transe (Entranced Earth) (1967)

2011-11-20T03:09:00.001-08:00

La relación entre obra de arte y contexto histórico siempre ha sido conflictiva. Conocer la situación sociopolítica en la que una obra se construye o la historia del artista que la conceptualiza, influye de forma inevitable en la apreciación final que el espectador hará de lo que ve en el lienzo, en la galería o en la pantalla.

Partidario incansable de la apreciación pura de la obra de arte como paso previo a la documentación del contexto histórico que la envuelve, decidí aprovechar mi completa ignorancia sobre la obra de Glauber Rocha, con excepción de algunos elogios aislados, para sumergirme en el tremendo goce que me provoca atacar un filme sabiendo absolutamente nada de él.

Curiosamente Terra em Transe, película que escogí por azares del destino para iniciarme en la obra de Rocha, es una obra de arte cuya apreciación depende absolutamente del contexto histórico en el que fue creada. Un relato filmado a través de los enloquecidos ojos de un periodista y poeta, conectado con las más altas esferas políticas de un lugar ficticio denominado El dorado, que como la mítica ciudad dorada que motivaba los esfuerzos colonizadores europeos, es el objeto del deseo de dos grupos políticos latinoamericanos, que jamás se han alejado de ese espíritu colonizador milenario, vigente aún en los días de presunta modernidad que vivimos.

La figura del poeta, interpretada magistralmente por Jardel Filho, quien en su indescriptible potencia recuerda en más de una ocasión al Klaus Kinski que dio vida a Aguirre, colabora con su "humilde pluma" a decidir la guerra entre los dos personajes políticos predominantes, hombres que resumen los ideales corrompidos y megalómanos que han marcado el camino de la América Latina durante siglos.

Las antagónicas visiones de los dos partidos, cuya única confluencia es en el caos y la locura, se construyen a través de un frenetismo narrativo y visual, cuyo pavor al desarrollo lineal de la historia desemboca en un juego no sólo con los tiempos, sino con los cambios de formato, en los que se mezclan las visiones del poeta, con piezas documentales que éste elabora para desprestigiar o encumbrar a los partidos, y con una realidad desaforada en la que todo exuda un dramatismo brutal.

La innovadora puesta en escena que Rocha hace de un relato que llega a ser entrañable, se ve perjudicada en muchas ocasiones por el nivel dramático que Glauber exige de sus personajes, los cuales muchas veces, en su afán por satirizar, sobre actúan conceptos que terminan forzándose hasta el extremo, en un mensaje claro que denota el deseo del guionista y director por provocar, enardecer y epatar.

Los momentos estéticos impactantes y los diálogos poéticos extraordinarios, conviven con otros de manufactura penosa y burda en esta cinta, cuyo magnífico título es la definición perfecta de la experiencia a la que Rocha quiere someter a su audiencia, un relato hipnótico y valiente, filmado en un momento oscuro de la historia de Brasil, en el que la dictadura militar controlaba en gran medida las actividades artísticas del país, que refleja ese espíritu combativo de su creador, el cual terminó llevándolo al exilio voluntario en 1971.

Terra em Transe es una obra que definitivamente vale mucho más por lo que representa, y por el contexto en el que fue creada, que por su inherente valor artístico.

The Adventures of Tintin (2011)

2011-11-16T03:53:00.001-08:00

Una profunda crisis conceptual se está apoderando gradualmente del cine de aventuras hollywoodense. Me tacharán de radical y melancólico aquellos que saquen a colación a directores como Tarantino, Nolan, Cuarón o a la productora Pixar, capaces todos de manufacturar cintas tan trepidantes como inteligentes (casi siempre), pero en el fondo saben que lo que digo es cierto. El núcleo del Hollywood millonario está agotando sus ideas y ocho de cada diez filmes de acción se dedican a romper récords de explosiones por minuto, o simplemente a constituir indignos remakes con efectos desaforados.

Esta crisis, que sin duda es motivada en parte por el público que asiste encantado a los tremendos bodrios que se hacen año con año, y que es capaz de sentarse una y otra vez ante ridículos apocalipsis causados por volcanes, tornados, tsunamis, aliens malvados y supervillanos descerebrados, ha generado en mí una reticencia inmediata a todo lo que huela remotamente a cine comercial de aventuras o acción.

Por más que desprecie a Steven Spielberg como personaje mediático y titiritero del núcleo del Hollywood primigenio, no puedo negarle la inteligencia que tiene para crear, asumir y dirigir proyectos, sobre todo después de haber sido el artífice de la perfecta The Color Purple o haber revolucionado el género de acción/aventura con la trilogía de Indiana Jones (olvidemos la nefasta cuarta parte). Es por esto que las intenciones de Spielberg por adaptar una de las aventuras del legendario personaje de Hergé, Tintín, a la pantalla grande, sonaban como un proyecto que podía ser interesante, pero que corría el riesgo de acabar en un fiasco como el regreso de Indiana.

Las dudas que tenía, acrecentadas en gran medida por el trailer, afortunadamente se disiparon durante la proyección de The Adventures of Tintin, un filme que a pesar de contar con las técnicas más avanzadas de animación tridimensional, se convierte en una obra cargada del ritmo y el fondo del cine de aventuras de los años setenta y ochenta con el que creció mi generación.

A diferencia del fallido experimento de J. J. Abrams por revivir el espíritu de The Goonies en Super 8, el Tintín de Spielberg remite con éxito al espectador a la saga del arqueólogo más famoso de la historia del cine, con estupendas secuencias que combinan la acción más frenética con un humor infantil que nunca resulta bobo, y que consigue divertir a espectadores de todas las edades.

Es tal vez la frialdad de los personajes tridimensionales la que limita la conexión emocional de éstos con el público, situación que no necesariamente ocurre con todos los filmes animados en 3D (Pixar), pero que en este caso resulta perceptible a pesar del excelente trabajo vocal de Jamie Bell y Daniel Craig.

Más que digno es el homenaje que Spielberg le rinde al joven reportero e investigador Tintín, creado en 1929 por Hergé y que en esta cinta se enfrenta al misterio del Unicornio, un barco naufragado en algún remoto y desconocido lugar, que encierra el tesoro más grande de la historia y que evidentemente está custodiado por acertijos infranqueables y villanos desalmados.

La saga apenas comienza, Spielberg se reencuentra con la calidad que había extraviado y yo por lo pronto ya espero la segunda parte.

Sleeping Beauty (2011)

2011-11-13T08:14:00.001-08:00

Hasta el día de hoy recuerdo con horror el fallido experimento que Gabriel García Márquez tituló Memoria de mis putas tristes. La burda adaptación/plagio que Gabo, en su faceta de santón de la literatura latinoamericana, hizo a la igualmente breve pero perfecta La casa de las bellas durmientes, del extraordinario Yasunari Kawabata, me sigue provocando una rabia especial cada vez que alguien o algo me la recuerda. Y sí, justo ahora la tengo en la mente.

Mi interés por la ópera prima de Julia Leigh apareció gracias a su trailer, el cual desde su publicación fue abriéndose paso por la red y colocándose en gran cantidad de medios electrónicos. El ambiente reminiscente de la magna Salò o le 120 giornate di Sodoma, impreso en el minuto y medio de adelanto fílmico, inmediatamente me enganchó al que aparentemente sería, cuando menos, un interesante esfuerzo cinematográfico.

Si algo consigue Julia Leigh con Sleeping Beauty es transmitir frialdad, una frialdad tan extrema y tan milimétricamente calculada, que el desarrollo de empatía por los personajes retratados en el filme puede resultar una tarea prácticamente imposible para el espectador, que penetrará en un mundo concebido a partir del erotismo masculino, un erotismo que se cimienta en el poder sobre el otro, la dominación de voluntades e irónicamente en el deseo por ser comprendido y acompañado.

El brillante desarrollo compositivo de la imagen, ejercido por Leigh en compañía del experimentado director de fotografía Geoffrey Simpson, es sin duda alguna el punto más fuerte de una película que falla en hilar con coherencia la historia de una joven estudiante que, incapaz de pagar la renta y sus estudios, responde al anuncio de trabajo de una agencia que, aislada del público general, recluta a chicas físicamente perfectas para satisfacer las necesidades sexuales poco ortodoxas de sus acaudalados clientes.

Palpables son los homenajes que Leigh hace a la obra cumbre de Pier Paolo Pasolini y al libro de Kawabata, del que intenta calcar la segunda parte de la cinta. Sin embargo son los pequeños detalles narrativos, en los que el guión de Leigh intenta innovar la conocida temática de las bellas durmientes, los que no terminan por funcionar y actúan en detrimento del filme.

En Sleeping Beauty el drama cae en la exageración, viéndose la protagonista inmiscuida en una trama principal que involucra sus servicios en el peculiar burdel y una subtrama en la que se analiza su extraña relación con un alcohólico, conocido como birdman, quien trata de dar un toque aún más intenso al vacío emocional de la película, pero que termina por convertirse en un un relleno pobre y mal desarrollado.

A pesar de la indudable valía de ciertas escenas del filme, dentro de las que destacan sin duda los visualmente fantásticos encuentros de la bella durmiente con sus clientes, y a pesar de la estupenda actuación de Emily Browning como el vacuo y desenfrenado personaje principal, Sleeping Beauty deja un sabor amargo a decepción, debido al desaprovechamiento de una historia que tenía todos los elementos para convertirse en una cinta muy interesante.

Melancholia (2011)

2011-11-09T12:21:00.000-08:00

La tesis es simple: Estamos solos. Completa e irremediablemente solos en un universo que lejos de molestarse con el antropocentrismo sobre el que cimentamos nuestras civilizaciones, simplemente nos ignora, dejando que nos desplacemos dentro de ese barco interestelar al que llamamos Tierra, inmersos en nuestros diminutos cerebros cuyos gritos de genialidad se pierden en la nada.

El fatalismo de von Trier siempre ha sido salvaje, y salvo sus breves escarceos con la comedia, todos los personajes que brotan de su brillante mente están inevitablemente destinados a sufrir. Un sufrimiento que es siempre el vínculo para ahondar en conceptos mucho más grandes que los insignificantes hombres y mujeres que, bajo la mira de Trier, caen víctimas de sí mismos o del mundo que los rodea.

"No más finales felices" declaraba el director danés hace unos meses, cuando el guión de Melancholia se encontraba prácticamente terminado. En efecto, la felicidad es un sentimiento ausente en esta delicada oda al nihilismo, que destruye mentalmente al espectador con un fondo similar al hermoso caballo de Turín de Béla Tarr, pero con una forma diametralmente opuesta.

Es ese nefando final el que precisamente abre la cinta a través de un conjunto de impactantes imágenes en cámara super lenta, que nos remiten al hermoso prólogo de Antichrist y cuya función es resumir las más de dos horas a las que el espectador se someterá, de forma tortuosa, hasta llegar al ansiado momento en que el planeta Tierra sea devorado por el monstruoso planeta Melancolía. Como siempre, el final no importa, lo que importa es el camino.

El guión, que había sido expresamente escrito por von Trier para Penélope Cruz, se apoya completamente en la potencia interpretativa de una inmejorable Kirsten Dunst, ganadora del premio a la mejor actriz en Cannes, quien encarna a una mujer bipolar, cuya brillantez intelectual, causa o efecto de su enfermedad, la condena a ser el centro del odio de aquellos que la rodean.

Como en la icónica Breaking the Waves, von Trier retoma su gusto por explorar a las bodas como eventos límite, en las que los sentimientos, tanto de los invitados como de los celebrados, se encuentran a flor de piel y listos para estallar. Sin embargo esta exploración se aleja de la vibrante felicidad de la ceremonia de Bess y se convierte en una especie de Festen, en donde el cúmulo de grandes actores que fungen como concurrencia, y la falsa felicidad de la novia, serán los ingredientes del desastre.

Dividiendo la cinta en dos capítulos, que bien podrían haberse titulado "la boda" y "la espera", Von Trier, que ha vivido en carne propia la depresión crónica que exorcizó con Antichrist y que ahora analiza en Melancholia, nos deja entrar poco más de dos horas en su visión del mundo, en ese extraordinario cosmos enfermo y destinado a morir que habita en las paredes de su mente, y que acompañado por un reparto excelente dentro del que brillan tanto Dunst como la siempre impactante Charlotte Gainsbourg, le otorga al espectador una experiencia tan visceral como reflexiva.

Sólo Wagner es digno de musicalizar el fin del mundo, y es por eso que su preludio de Tristán e Isolda suena una y otra vez hasta que el planeta y los espectadores acaban fundiéndose en la melancolía. No hay redención. No hace falta.

The Human Centipede II (Full Sequence) (2011)

2011-11-05T14:57:00.000-07:00

Puedo imaginar perfectamente a Tom Six, sentado en su estudio tras haber estrenado la primera parte de The Human Centipede, leyendo crítica tras crítica de fanáticos desilusionados con lo poco que dicho filme muestra al espectador del tan ridículo como genial ciempiés humano. Me lo imagino de noche, con el rostro iluminado por la luz de la computadora y con una mueca burlona pensando "¿Quieren mierda?, yo les daré mierda."

The Human Centipede II (Full Sequence) es un gigantesco FUCK YOU en letras mayúsculas a todos los que denostamos la primera cinta llamándola blanda, simplona y deficiente, ya que en esta ocasión Tom Six mete toda la carne al asador y le da al público un viaje que pocos podrán olvidar con facilidad, creando el shocker del año y casi equiparando su obra a la mítica A Serbian Film, que tantos estragos generó en su paso por los festivales internacionales.

Es mediante un giro inteligente que Six retoma la historia del ciempiés humano, ubicando a esta segunda parte en un "mundo real" en blanco y negro, en el que un cuidador de estacionamiento con fuertes deficiencias mentales pasa los días viendo una y otra vez el filme de The Human Centipede. Es precisamente la devoción de ese grotesco personaje hacia la película la que genera su deseo por recrear el nauseabundo ciempiés, pero utilizando en esta ocasión a doce desafortunadas personas, entre las que se encuentra la actriz principal de la primera cinta, a la que contacta a través de su representante diciéndole que Tarantino la quiere para su siguiente filme.

La interesante propuesta del guión para continuar la saga pronto se transforma en una auténtica pesadilla cuando el villano, interpretado con aterradora maestría por Laurence R. Harvey, comienza a enrolar gente para su descabellada fantasía, asaltándolos por las noches en el solitario estacionamiento con ayuda de su inseparable barra de acero.

La unidimensionalidad de la primera cinta queda completamente de lado en esta entrega, en la que Six se enamora tanto de su historia como de su perverso villano y finalmente los explota hasta llevarlos al extremo, con fabulosos detalles como la descripción de la infernal vida familiar del protagonista, de donde se desprenden grandísimas secuencias de terror psicológico y físico.

La brillante crítica que Six hace de sus propios seguidores al pintar a su más grande fanático como un pobre retrasado, sádico y bueno para nada, que vive con su madre, es al mismo tiempo un relato que consigue apelar a la repugnancia más primaria del espectador, sometiéndolo a una serie de secuencias absolutamente aterradoras, que aprovechan al máximo los fundamentos del cine gore y que en combinación con el hiperestilizado estilo fotográfico en blanco y negro de David Meadows, dan como resultado un filme que satisfará el depravado apetito de aquellos fanáticos de lo extremo que repudiaron la primera cinta.

Six prepara ahora la conclusión de su trilogía. Según sus propias declaraciones la tercera parte hará ver a la segunda como un filme de Disney. Ignoro cómo pueda lograr algo mucho más extremo que esta segunda entrega, pero sin duda estaré esperándolo.

A Torinói ló (The Turin Horse) (2011)

2011-11-01T05:25:00.000-07:00

Cuando el último atisbo de luz acaba por extinguirse en The Turin Horse y la percepción de los espectadores comienza a ajustarse lentamente a la realidad, la primera pregunta que flota en muchas de las cabezas presentes es ¿Qué acabo de ver?.

La película con la que Béla Tarr a sus cincuenta y seis años ha decidido retirarse de la creación fílmica es una completa anomalía, no sólo dentro del cine contemporáneo, sino en los más de cien años que éste joven arte lleva con vida. Anomalía que todavía no acabo de descifrar por completo y cuyo significado particular probablemente sea conocido a fondo únicamente por Tarr y su fiel colaborador, el escritor húngaro László Krasznahorkai.

Resulta imposible describir el impacto emocional que The Turin Horse provoca desde su primera y magistral secuencia, en la que una gravísima voz en off resume el contexto de toda la cinta con el siguiente relato breve: "In Turin on January 3rd, 1889, Friedrich Nietzsche steps out of the door of number six, Via Carlo Alberto. Not far from him, a cabman is having trouble with his stubborn horse. Despite all his urging, the horse refuses to move, whereupon the cabman loses his patience and takes his whip to it. Nietzsche comes up to the throng and puts an end to the brutal scene, throwing his arms around the horse's neck, sobbing. His neighbour takes him home, where he lies still and silent for two days on a divan until he mutters the obligatory last words: "Mutter, ich bin dumm" and lives for another ten years, gentle and demented, in the care of his mother and sisters. Of the horse... we know nothing". La narración, hecha en la más profunda oscuridad, termina para dar paso a una de las secuencias más maravillosas del filme, en la que el cochero y su caballo luchan por llegar a casa a través de una tormenta de viento, a lo largo de un camino desolado y polvoriento. El filme ha comenzado y no hay nada que pueda preparar al espectador para lo que verá.

Muchas veces comparado con Andrei Tarkovsky por su estilo narrativo contemplativo y pausado, Tarr se lleva a sí mismo al extremo con el relato de un cochero que, sumido en la pobreza, vive junto a su hija en una casa alejada de la ciudad que se ve súbitamente asolada por una brutal tormenta. El fenómeno natural, que dota a la película de un sentimiento intensamente apocalíptico, obliga a los dos ocupantes humanos de la casa a permanecer recluidos en ella y a vivir con una dieta extrema de una papa hervida al día, todo esto motivado porque el caballo, única fuente del sustento de la familia, se niega a abandonar su establo.

Es entonces que Tarr se embarca durante dos horas y media en un manifiesto filosófico contemplativo, en el que se narran seis días de la cruenta rutina que padre e hija deben sostener para sobrevivir, esperando día tras día a que la tormenta se detenga o a que el fin del mundo acabe con ellos.

Carente casi en su totalidad de diálogos, con la excepción de un simbólico y misterioso monólogo en el que pueden rastrearse algunos aspectos de la filosofía de Nietzsche, The Turin Horse es un viaje maravilloso que precisa sin embargo de la resistencia del espectador, quien sin duda es recompensado a través de la maestría que Fred Kelemen muestra detrás de la cámara, a lo largo de las treinta tomas de larga duración que componen el metraje, y a través del brutalmente intenso desarrollo de la historia.

La rutina de los personajes se repite una y otra vez con desesperación al igual que el oscuro y desquiciante tema musical compuesto por Mihály Vig, mientras la tormenta silba incesante entre los maderos de la ventana que los protagonistas contemplan en silencio día tras día, inmóviles, sumidos en una espera sin sentido, que parece ridícula hasta que nos vemos llegar a casa y encender la televisión, hasta que nos vemos mirando la pantalla en silencio e inmóviles, simplemente esperando a que el fin del mundo acabe con nosotros.

Contagion (2011)

2011-10-30T03:49:00.000-07:00

Somos muy propensos a imaginar nuestra destrucción. Ya sea sentado en un automóvil que a toda velocidad abandona la carretera para precipitarse al vacío o víctima de algún cataclismo de proporciones bíblicas, el ser humano disfruta colocarse mentalmente en situaciones límite tan creíbles como descabelladas, simplemente para preguntarse ¿cómo reaccionaría ante ellas? Es ese goce inevitablemente morboso el que llena las arcas de las decenas de películas sobre catástrofes naturales, apocalipsis tecnológicos, invasiones alienígenas y epidemias incontrolables que se estrenan año tras año en los circuitos de cine comercial.

Steven Soderbergh, ese hombre capaz de dirigir blockbusters tan taquilleros como Ocean's Eleven, para luego invertir el dinero ganado en la producción de películas tan experimentales y de bajo perfil como The Girlfriend Experience, opta esta vez por elaborar una película que, lejos de ser una obra innovadora, busca dar un nuevo giro al tan explotado género de los filmes de epidemias incontrolables.

En su premisa Contagion podría catalogarse como el clásico filme en el que un maligno virus mortal se libera en alguna parte del mundo, causando una infección que obligará a un grupo de protagonistas a escapar con grandes dosis de acción de ciudades postapocalípticas, vacías, peligrosas y sin recursos para la más básica supervivencia. Pero Soderbergh es un poco más listo que eso y se aleja lo más posible de ese predecible desarrollo.

Armada con un elenco plagado de celebridades como Matt Damon, Gwyneth Paltrow, Jude Law, Laurence Fishburne, Marion Cotillard, Kate Winslet y muchos más, Soderbergh burla las expectativas de su público para armar un relato que tiene más de crítica y estudio social que de cinta de acción pura y dura.

Contagion relata la forma en la que un virus, que posee la capacidad de matar al humano promedio en tres o cuatro días, se esparce de manera incontrolable por la faz de la tierra gracias al paciente primigenio interpretado por Paltrow, quien en uno de sus papeles fílmicos más breves es la que encierra el secreto de la procedencia del letal virus.

El filme aborda con acierto la gran variedad de problemas logísticos que pueden presentarse en una epidemia, centrándose principalmente en la injerencia de los medios de comunicación como orientadores de la población y la forma en la que las nuevas tecnologías y redes sociales asumen la bandera de la objetividad, cuando finalmente el resultado muestra que están tan sesgadas como los medios oficiales.

Aunque la cinta explora a profundidad el esparcimiento de la información como un elemento viral, también aborda el dilema de la creación de una vacuna y la incapacidad de distribuirla de forma equitativa, situación que funciona como un factor evidenciador de las clases sociales y de la diferente importancia de los papeles que cada quien interpreta en el mundo.

El guión elaborado por Scott Z. Burns, recibe un excelente tratamiento por parte de Soderbergh, quien se coloca una vez más como director de fotografía, dotando a la cinta de un particular manejo de los colores y de las tomas fijas tan características de su filmografía "independiente", que acompañadas por el excelente soundtrack compuesto por Cliff Martinez, fiel colaborador de Soderbergh a lo largo de toda su carrera, terminan por generar un resultado fílmico altamente disfrutable.

Contagion es una cinta que, a pesar de presentar ciertas incongruencias narrativas, se disfruta en su totalidad y cumple con creces el objetivo de colocar al espectador en dilemas a los que no le será fácil idear una salida y que pueden ser catalizadores de interminables debates, cualidad de la que carecen la mayoría de las películas que ahora surcan la cartelera.

The Thing (1982)

2011-10-25T15:36:00.000-07:00

The Thing… La cosa. Imposible no tomar con humor simple el título de uno de los pilares de la filmografía de John Carpenter. Una re exploración de la novela Who Goes There? de John W. Campbell, que Howard Hawks y Christian Nyby ya habían llevado a la pantalla en The Thing from Outer Space a principios de los años cincuenta, que a pesar de su fracaso en taquilla por la directa competencia que tuvo que realizar ese año con el E.T. de Spielberg, colocó a Carpenter como uno de los exploradores más sesudos del terror sociológico.

Ubicada en la Antártida más profunda y montañosa, en un escenario que parecería directamente extraído de algún relato de terror lovecraftiano, The Thing homenajea a la película original de Hawks con su secuencia inicial, para apartarse inmediatamente después de ese tono Sci-Fi antiguo de bajo presupuesto y entrar de lleno en la narrativa de la cinta, la cual abre con una escena magistralmente filmada, donde Carpenter libera su inventiva visual, mediante un apabullante despliegue estético que funciona como un preámbulo para la terrorífica avalancha narrativa que se desatará durante el metraje.

Apoyándose plenamente en un joven Kurt Russel y en un elenco dentro del que destaca el siempre excelente Keith David, el guión narra la intensa batalla de un grupo de científicos radicados en una estación perdida en el polo sur, en contra de un extraño ser capaz de imitar la forma de cualquier especie con la que esté en contacto directo.

El experimento social de la cinta radica en la imposibilidad de los protagonistas para detectar cuál de los científicos es humano y cuál es una de las imitaciones realizadas por las células extraterrestres. Hecho que detona una gran cantidad de situaciones límite que ponen a prueba la convivencia de esos hombres que, inmersos en un aislamiento total, son incapaces de confiar mas que en sí mismos.

El festín de intrigas y sospechas que poco a poco se ensambla entre la nieve queda aderezado por magníficas secuencias de acción, en las que los científicos deben luchar contra las abominaciones que se generan durante el proceso de copiado hecho por las células alienígenas, lo que desemboca en auténticos festines de sangre, tripas y geniales momentos de desbordante imaginación gore.

Mientras la impecable banda sonora compuesta por el legendario Ennio Morricone hace vibrar la pantalla con sus graves ritmos de sintetizador, los desesperados humanos se debaten entre los métodos para combatir a una amenaza que de esparcirse en la tierra podría significar la destrucción del ser humano, a lo largo de una interminable cadena de sucesos que mantienen a cualquier espectador en la más absoluta tensión.

The Thing, primera parte de la Apocalypse Trilogy, es un filme magistral que me hace anhelar el genio del Carpenter más inspirado y que a pesar del paso de los años sigue tan fresca y original como siempre, convirtiéndose definitivamente en un verdadero clásico.

Nuit et brouillard (Night and Fog) (1955)

2011-10-16T00:12:00.000-07:00

Incluso un paisaje tranquilo, incluso un prado en tiempos de cosecha con cuervos acechando y montículos de pasto, incluso un camino por donde automóviles, campesinos y parejas deciden transitar, o incluso una villa vacacional con su pequeña feria de pueblo, pueden fácilmente transformarse en un campo de concentración.

Es con esas palabras, que incorporan la brutalidad del hombre al paisaje como una característica meramente naturalista, que Alain Resnais decide abrir su célebre documental Nuit et brouillard, una pieza extraordinaria de cine que lo catapultaría a la fama y que se convertiría en una referencia obligada para los adeptos de la narrativa documental.

¿Pero qué es lo que convierte a esta cinta de media hora en uno de los filmes más trascendentes de su época? La respuesta comienza a dibujarse desde los primeros segundos de metraje, en los que la voz del actor Michel Bouquet inicia este particular acercamiento a la historia del holocausto, narrando las influencias arquitectónicas de los campos de concentración. Con un tono que llega incluso a ser cómico se repasan mediante fotogramas las torres de vigilancia de estilo alpino, estilo garage o estilo japonés, en un preámbulo fantástico que establece la tónica de un filme cuya principal característica será la punzante ironía del narrador.

El monólogo escrito por Jean Cayrol y utilizado por Bouquet para relatar con pavoroso detalle las atrocidades vividas en los campos de concentración, se desplaza cómodamente de la narración de escenas descarnadas a la más elaborada poesía, que sin estar exenta del horror de la guerra, es capaz de llevar al espectador a un maravilloso estado de goce estético.

Resnais disecciona una innumerable cantidad de secuencias del archivo histórico de la segunda guerra mundial y las hila perfectamente con el discurso del narrador, al grado de ser capaz incluso de encontrar imágenes tan visualmente poéticas y devastadoras como la de una carta que, en la vana esperanza de que alguien la encuentre, es aventada desde un tren atestado de prisioneros judíos para perderse irremediablemente entre el balasto de las vías.

La corta duración del filme de Resnais no hace mas que acentuar el impacto de un hecho histórico que, a pesar de haberse interpretado de mil formas y ser ampliamente conocido, puede llegar a ser muy efectivo en manos de un artista inteligente, en este caso personificado por un Resnais joven, que en Nuit et brouillard encontraría el preámbulo para su magnífica Hiroshima mon amour.

El estupendo ejercicio de narrativa y síntesis que se desarrolla a lo largo de los treinta minutos de metraje constituye un hito en la historia de la cinematografía mundial, en el que una tras otra desfilan frente al espectador imágenes que, sin concesión alguna, nos obligan a recordar ese omnipresente instinto animal de supervivencia y crueldad del que nunca podremos escapar.

Pina (2011)

2011-10-10T12:00:00.000-07:00

La danza probablemente sea una de las bellas artes más desconocidas por el público contemporáneo. Esa ignorancia generalizada de la que vergonzosamente formo parte, motivada por la preconcepción absurda de la danza como un arte monótono cuya función es dotar de actividades extracurriculares a niñas prepúberes, queda completamente evidenciada en Pina, una brutal experiencia sensorial diseñada por Wim Wenders para añadir nuevos adeptos al mundo de la danza contemporánea y revivir el espíritu combativo de una de sus artistas más innovadoras.

La apuesta de Wenders por realizar un documental sobre la renombrada compañía de la coreógrafa y bailarina Pina Bausch, tiene su origen en la amistad que mantuvieron ambos artistas, quienes siempre habían soñado con una producción fílmica que pudiera capturar la esencia de la danza de Pina como arte complejo, simbólico y más visceral que narrativo. Sin embargo, a pesar del ferviente deseo de Wenders por concretar la elaboración de la película, éste no conseguía encontrar ni el medio ni la forma para desarrollarla. Es justo cuando Wenders acepta realizar el documental con vistas a filmarlo en 3D que Pina fallece, situación que cambia la tónica del filme, reorientándola hacia las costas de un maravilloso homenaje cargado de emotividad, en el que tanto director como bailarines se vuelcan en una fiesta catártica para Pina.

Uno a uno los viejos y nuevos integrantes de la compañía hablan de ese torbellino de fuerza física e intelectual que era Pina Bausch, recordándola más como una guía espiritual que trascendía su papel de líder del grupo para convertirse en una especie de ídolo místico, en el cual se depositaba la confianza ciega de sus bailarines y que utilizaba dicha conexión espiritual con cada uno de ellos para crear piezas absolutamente fantásticas.

Las coreografías de Pina son todo menos convencionales y mayoritariamente exploran sentimientos complejos como el dolor, la pérdida, el amor tempestuoso o la soledad, todo desde un punto de vista tremendista de gran impacto visual, que puja siempre por ir más allá y crear algo novedoso con la capacidad de evocar sentimientos de gran intensidad en la audiencia.

Cualquier director de poca monta con un mínimo de talento habría sido capaz de crear un filme entrañable con los ingredientes mencionados, sin embargo Wenders, no conforme con el desbordante talento del elenco que tiene a su disposición, decide subir todavía más el listón al crear el primer filme en 3D que finalmente justifica enteramente el uso de esta vieja/nueva tecnología, armando secuencias que deben verse imperativamente en dicho formato para poder percibirlas en su desorbitada magnificencia.

Cada una de las piezas interpretadas en la cinta están acompañadas por la excelente banda sonora de Thom Hanreich y por canciones de artistas como Jun Miyake o el mítico Simón Díaz, convirtiendo a la película en un viaje sonoro que se extiende desde los años veinte hasta nuestros días.

Pina es una experiencia fílmica fabulosa, una película arriesgada en su temática pero cuya perfecta ejecución la convierte en uno de los filmes más fuertes de este año, que sin duda cosechará todavía muchos galardones importantes a nivel internacional y que captura el legado artístico de Pina Bausch de forma inmejorable para el disfrute de las siguientes generaciones.

Drive (2011)

2011-10-03T12:22:00.000-07:00

Nicolas Winding Refn ha evolucionado mucho desde que hace más de quince años maravilló a propios y extraños con su descarnada Pusher, cinta que lo colocó en el mapa de todos los críticos y que posteriormente se transformaría en una exitosa trilogía sobre el oscuro mundo del narcotráfico en Dinamarca. Ya desde ese momento las irrefutables capacidades estilísticas y narrativas de Refn quedaban patentes, pero es en Drive, filme que lo hizo acreedor al galardón al mejor director en Cannes, que el palpable talento de Refn estalla por completo.

Influenciada por Bullit y planteada como un homenaje al existencialismo de Alejandro Jodorowsky, según palabras del propio Refn, Drive es una fantasía fílmica alucinante compuesta por dos elementos principales: la insuperable actuación de Ryan Gosling y la hiper estilizada atmósfera que satura cada segundo del metraje, la cual puede palparse desde la brillante secuencia inicial en la que un misterioso chofer ayuda a dos asaltantes a escapar de la escena del crimen con una habilidad pasmosa.

Mucho más deudora de Lynch que de Jodorowsky, Drive cuenta la historia de un hombre que trabaja en un taller mecánico, mientras que en su tiempo libre conduce automóviles como doble de cintas de acción y presta sus servicios de brillante conductor para proporcionar escape a los perpetradores de cualquier tipo de crimen.

Ryan Gosling da vida a una especie de Alain Delon moderno, cuyas pautas narrativas de solemnidad y frialdad las proporciona James Sallis en la novela de la que se deriva el guión de la cinta, pero cuya interpretación es sin lugar a dudas inspirada por ese inolvidable samurái de Jean Pierre Melville, cuya hipersensibilidad emocional se oculta siempre bajo un enigmático e inamovible rostro. Dichos ingredientes, al agruparse, dan como resultado un personaje inolvidable, que revive el olvidado concepto de lo que es un "tipo duro" y que estoy convencido de que se convertirá en un apasionado objeto de culto.

Una vez más el amor es el origen de todos los desaguisados del filme y la vida metódica y controlada del protagonista se verá trastornada por el romance que éste, contra su buen juicio, desarrolla con la rubia Carey Mulligan cuyo esposo presidiario pronto será liberado.

Drive se desliza en una atmósfera que funciona como un remix nostálgico de los oscuros ochentas, pero actualizada con todos los cánones del hype contemporáneo, creando una experiencia visual y auditiva absolutamente fantástica, que sacrifica sin miedo el realismo de algunas secuencias para sumergir al espectador en una especie de sueño denso, por el que a veces logran colarse algunos rayos de luz pero que mayormente se conduce en las tinieblas.

Por si fuera poco, el elenco secundario es espectacular y la triada compuesta por Ron Pearlman, Albert Brooks y Bryan Cranston termina por colocar el broche de oro a este triunfo cinematográfico que vibra con unos acordes que, independientemente de la polémica acerca de quién los compuso, exudan el maravilloso estilo del Angelo Badalamenti de Lost Highway.

Con Drive Refn firma la que hasta el momento es su mejor película. Una obra que además de involucrarme emocionalmente hasta el último segundo, consiguió que desarrollara un enfermizo deseo por adquirir una chamarra blanca con un alacrán amarillo bordado en la espalda.

Attack the Block (2011)

2011-10-01T05:53:00.000-07:00

El dubstep, con su sonido frenético, repetitivo y brutal, directamente salido de las alcantarillas del Bristol más avant-garde, taladra los oídos de los espectadores que asisten a la proyección de Attack the Block, la ópera prima de Joe Cornish, que ha logrado lo que nadie había conseguido este año: hacerme vibrar con una cinta de acción pura y dura.

Los extraterrestres han decidido aterrizar en un barrio del sur de Londres, donde grandes desarrollos inmobiliarios albergan a miles de jóvenes marginados, que poco o nada tienen que ver con el glamour de Notting Hill o el barrio hipster de Camden, y que pasan sus días entre la realización de actos vandálicos, la venta de sustancias ilegales, robos a mano armada y mucho dubstep, mientras sus padres, raíces de la clase media británica, atienden sus monótonos y mal remunerados trabajos.

Utilizando inicialmente la premisa planteada por Neil Bloomkamp en la célebre District 9, que ubicaba una invasión extraterrestre en una zona socialmente deprimida, precisamente para combinar elementos de acción con una fuerte crítica social, el director Joe Cornish decide minimizar el aspecto sociopolítico de su filme, para concentrarse en hacer una verdadera película de acción, con una historia simple pero sólida, con anti héroes creíbles perfectamente diseñados para conectar con el sector más "cool" de la juventud y con una de las mejores bandas sonoras que se escucharán en el 2011.

Un grupo de delincuentes juveniles se enfrentan durante una larga noche a la fulminante invasión alienígena que amenaza el barrio donde viven. Sin dar tregua, los salvajes extraterrestres de innovador aspecto descuartizarán a todo aquel que se interponga en su camino, ignorando la compasión por personajes secundarios o aquellos que creemos principales y que en un abrir y cerrar de ojos desaparecen bajo las luminiscentes fauces de los visitantes.

El vertiginoso ritmo de la cinta, al que contribuye de forma espectacular la banda sonora que los chicos de Basement Jaxx y Steven Price elaboran, está aderezado con las correctísimas actuaciones de un elenco extremadamente joven, compuesto por chicos mayoritariamente primerizos, que nunca se sienten forzados o fuera de lugar y entre los que evidentemente destaca el trabajo de John Boyega como el líder de los desvergonzados vándalos.

Attack the Block es una película plagada de momentos épicos de acción, que se ahorra las mojigaterías y clichés a los que nos tiene acostumbrado este tipo de cine y que retrata a la subcultura que habita en las cloacas del "cool" londinense desde un punto de vista pocas veces abordado. No se puede pedir más.

Podcast de cine transgresor

2011-09-28T01:46:00.000-07:00

El pasado sábado 24 de septiembre fui invitado a un programa en la estación tapatía de radio por Internet, Radiocalaña.La invitación de Oscar Chavira, conductor del segmento semanal de cine Corte y queda, dio como resultado un programa muy interesante en el que se analizaron algunos de los filmes más transgresores de la historia.

A continuación les comparto el resultado de dicho encuentro radiofónico con el desglose de las cintas analizadas, en caso de que no quieran escuchar el maratónico programa.

Birth of a Nation 00:08:09
Midnight Cowboy 00:21:20
A Clockwork Orange 00:34:35
Saló 00:53:25
The Last Temptation of Christ 01:11:28
Funny Games 01:29:35
Enter the Void 01:45:20
A Serbian Film 01:51:45
Fando y Lis 02:04:43
El Apando 02:10:14
La sombra del caudillo 02:15:45
La ley de Herodes 02:19:49

The Tree of Life (2011)

2011-09-26T11:41:00.000-07:00

Ya había olvidado cuanto odio leer críticas de cine. Normalmente tengo el buen juicio para únicamente escuchar a dos o tres críticos de confianza con los que comparto gustos y que me ayudan a decidir a qué filmes debo prestar atención, sin embargo, con motivo del estreno de The Tree of Life, quinta cinta del tan venerado como denostado Terrence Malick, y dado el nivel de polarización que generó en los espectadores, decidí sumergirme en el grotesco mundo de los críticos blogueros de cine, grupo del que penosamente formo parte y que cada día repudio más.

En mi dolorosa investigación descubrí que hay dos grupos principales de críticos que escriben sobre la nueva cinta de Malick, los amantes y los asesinos, grupos que a pesar de esgrimir ideas totalmente contrapuestas se ganaron mi aversión por igual, al bombardearme con una cantidad ingente de adjetivos que describían al “mejor director de la historia” (a la mierda Eisenstein, Tarkovsky, Fellini, etc.) o que intentaban humillar a la “película más lenta y mala de la historia”, comparando a Malick con un moderno “Ed Wood intelectualoide” y al filme con un “documental de Discovery Channel”. El horror.

Finalmente, después de retrasar mi visita al cine por el hastío que me generó la sobredosis de sandeces leídas, decidí enfrentarme a la película que después de seis años de reclusión nos devolvía a un director que, a pesar de su breve filmografía, se ha convertido en uno de los creadores que más expectativas generan dentro del mundo del cine. Situación que me obligó a escribir mis propias sandeces.

The Tree of Life es la cinta más ambiciosa de Terrence Malick, lo que considerando sus previas incursiones fílmicas no es poca cosa, y que resulta en una experiencia cinemática extremadamente innovadora y difícilmente comparable con los productos del cine contemporáneo clásico.

Durante más de dos horas el espectador se enfrenta a una tarea difícil, a un examen de conciencia en el que Malick plantea un sinfín de preguntas trascendentales, motivadas por la muerte de uno de los hijos de una familia clasemediera norteamericana. Es esta situación límite la que genera un replanteamiento de la fe de todos los integrantes del núcleo familiar, que comienzan a cuestionar la bondad de un Dios que arroja desgracias sobre los más débiles y que "planta moscas en las heridas que debería sanar".

Es entonces cuando Malick comienza literalmente a desbordarse y con una autoconfianza insultante se introduce en territorios filosóficos a los que prácticamente nadie se había enfrentado, retratando con la mano en la cintura el origen del universo en una secuencia visual y auditivamente gloriosa, e incluso el aspecto físico de un Dios lumínico y amorfo que escuchará impávido los cuestionamientos de sus creaciones.

El guión, que resulta parco en cantidad de diálogos, es sin embargo extremadamente complejo, siendo ese nivel de complejidad y amplitud conceptual el que poco a poco acorrala a Malick en su propio juego, hasta superar completamente la capacidad de resolución del director, que cuando se ve obligado a dar respuestas al brillante camino filosófico planteado fracasa rotundamente.

El camino de profunda reflexión y los conceptos escrutados en las intensas dos horas iniciales del filme, que sin duda compensan los risibles quince minutos finales, basan su narrativa en las actuaciones de Brad Pitt, Jessica Chastain, un fantasmagórico Sean Penn y el asombroso elenco infantil, que mediante improvisación y talento interpretativo son capaces de generar un nivel de naturalidad e intensidad pocas veces visto en la gran pantalla.

Ni qué decir de la banda sonora que Alexander Desplat, en la faceta más épica que le he escuchado, compone para aderezar las imágenes que el (ese sí) genial Emmanuel Lubezki idea con una maestría absoluta, permitiéndose composiciones complejísimas de gran belleza que lo ratifican como uno de los mejores fotógrafos de cine del mundo.

The Tree of Life es una cinta complicada, cuya grandilocuencia y ambición han empujado ligeramente las fronteras de los alcances temáticos y visuales cinematográficos, pero que precisamente por esto ha alienado a una cantidad importante de espectadores que, desconcertados ante el inesperado espectáculo, no han dudado en abandonar las salas que proyectan a la ganadora de la Palme d'Or. Me parece que el tiempo colocará a The Tree of Life como un filme importante en la historia del cine. O tal vez esté rotundamente equivocado.

Hesher (2010)

2011-09-24T04:24:00.000-07:00

Cuando llegamos a cierta edad nuestra percepción del mundo muta radicalmente. Por la cañería comienzan a escurrirse nuestros sueños de juventud, nuestras noches de sueño ininterrumpido y nuestra invulnerabilidad a la resaca del día después, mientras las responsabilidades se apilan una tras otra en forma de pequeños sobrecitos blancos rellenos de cuentas, hipotecas y demás engendros. Un día aparece tu primera cana, al otro te sorprendes leyendo la sección de finanzas del periódico. Unos lo llaman madurar, pero lo único cierto es que has cambiado y que a partir de ese momento siempre mirarás con anhelo tus años de juventud.

Es ese deseo latente por permanecer en un estado de juventud perpetua el tema principal de la ópera prima de Spencer Susser, quien adapta junto a David Michôd, director de la tremenda Animal Kingdom, una historia de Brian Charles Frank sobre la colisión entre una familia destruida por la muerte de la figura materna y un personaje completamente atípico.

Su nombre es Hesher, un metalero treintañero interpretado por el cada vez más respetable Joseph Gordon-Levitt que vive en una fábrica abandonada, hasta que un encuentro fortuito lo lleva a instalarse sin previo aviso en la casa del personaje de Rainn Wilson, un hombre que pasa sus días sumido en una intensa depresión por el reciente fallecimiento de su esposa y que es padre de un pequeño niño con el que Hesher establecerá una extraña amistad.

La negativa de Hesher por aceptar cualquier tipo de responsabilidad y su comportamiento salvaje e infantil funcionan como punto de desequilibrio de todo el ambiente que lo rodea, modificando la percepción de aquellos que llegan a tener contacto con él, mediante el uso de los lineamientos que ya había planteado Pier Paolo Pasolini de forma mucho más compleja con el célebre protagonista de su Teorema.

Natalie Portman, además de participar en la producción del filme, interpreta a uno de los personajes más tímidos de toda su carrera al dar vida a una cajera de supermercado que, sorpresa inesperada, también está intensamente deprimida y todo le sale mal, pero que por fortuna se topa con el delgado metalero y sus homemade tattoos.

Hesher, a pesar de ser una película que intenta transmitir un mensaje moral, evita caer en los insufribles discursos simplistas y empalagosos a los que son tan propensos este tipo de cintas, creando una experiencia sumamente divertida para el espectador, que al mismo tiempo se equilibra con momentos de auténtica reflexión aderezados por la excelente banda sonora, cuyo protagonista es el siempre fantástico Kill 'Em All de Metallica.

Entre incendios provocados, vandalismo y alcohol, Hesher, en su estupendo papel de anti héroe, se convierte en un chamán del caos que nos recuerda ese gusto por las cosas simples tan propio de la juventud y que comanda esta excelente tragicomedia independiente que desafortunadamente no tuvo el impacto mediático que merecía.

Hiroshima Mon Amour (1959)

2011-09-17T05:43:00.000-07:00

Somos nuestra memoria. Somos interminables catálogos de experiencias buscando volcarnos en los oídos de alguien que esté dispuesto a escuchar. Es ese deseo por transmitir nuestras vivencias, muchas veces obsesivo y tormentoso, el que motiva desesperados intentos por conectar intelectualmente con otros seres humanos. Es precisamente esa conexión, que resulta en la mayoría de los casos mucho más escasa de lo que nos obligamos a creer y que se construye a partir de una desproporcionada montaña de recuerdos, el tema central de Hiroshima Mon Amour.

Dos cuerpos hacen el amor entre las cenizas del apocalipsis nuclear que se desató sobre la ciudad de Hiroshima en 1945, mientras sus voces recorren la ciudad devastada y posteriormente reconstruida como un gran monumento a la paz. Es esa realidad irónica la que Alain Resnais, quien originalmente tenía la encomienda de hacer un documental sobre la bomba atómica, retrata de la mano del soberbio guión de Marguerite Durás, el cual dibuja con maestría el dolor de aquellos personajes anónimos destruidos por la llegada de la paz.

Hiroshima Mon Amour cuenta una historia de amor en su faceta más grotesca, más intensa y más destructiva, pero sobre todo es un brillante retrato de esa conexión intelectual, que se mueve siempre en terrenos de lo inexplicable, mediante la que dos seres pueden finalmente abrirse completamente las entrañas frente al otro y volcar todas sus experiencias sin reparos.

Los personajes protagónicos, una actriz francesa (Emmanuelle Riva) a punto de concluir la filmación de una película sobre la paz en Hiroshima y un arquitecto japonés (Eiji Okada) marcado por la pérdida de su familia bajo el poder nuclear años atrás, se permiten, gracias a la inminente caducidad de su romance, abrirse completamente y exorcizar los demonios de un pasado marcado por la cuota de horrores que significó el proceso de paz de la segunda guerra mundial.

Resnais, el director más importante de la "Rive Gauche", movimiento que siempre estuvo ligeramente separado de la "Nouvelle Vague", crea un filme visualmente impactante, recurriendo a la ayuda de dos grandes directores de fotografía; el entonces primerizo Sacha Vierny y el ya experimentado Michio Takahashi, los cuales vuelcan todo su ingenio en el filme y componen secuencias de apabullante belleza y gran dominio técnico, haciendo siempre énfasis en la profundidad de los planos, en la fluidez del movimiento de la cámara y en los puntos de fuga de las imágenes.

Todo esto se suma al innegable talento de Marguerite Duras, que desarrolla una narrativa extremadamente compleja para reproducir las cadenas de pensamientos erráticos que componen los recuerdos humanos, generando, mediante auténtica poesía en prosa, un argumento en el que cualquier oración aparentemente dicha al azar adquiere sentido con el paso de la cinta.

Hiroshima Mon Amour es una película absolutamente innovadora en el campo visual, mientras que al mismo tiempo es capaz de vagar en los terrenos narrativos más delicados y en los más descarnados, definiéndose como un filme absolutamente contestatario e intensamente crítico, situación que le impidió participar en la competición oficial del festival de Cannes, pero que la hizo acreedora al premio de la crítica internacional.

Todavía me es imposible olvidar el diálogo entre esos cuerpos cubiertos de ceniza, que se aman una y otra vez en un intento por revivir su pasado, por no olvidar: "Tenía calor en la plaza de la paz, 10 000 grados en la plaza de la paz, la temperatura del sol en la plaza de la paz..."

La piel que habito (2011)

2011-09-12T12:55:00.000-07:00

La piel que habito termina con una risotada inevitable, una risa en la que el público se mofa amistosamente de la evidente complejidad del guión con el que Pedro Almodóvar, el director español más popular de los últimos veinte años, supuestamente incursiona en el género de terror. Esas risas, ya sean buscadas o involuntarias, que algunas veces se transforman en carcajadas, llegan a repetirse en incontables ocasiones a lo largo de todo el metraje, en el que cada fotograma pareciera llevar la firma de Almodóvar en enormes letras rojas.

Pedrito es presa de su estilo, de su autodefinición, de su deseo por ser un "autor" de peso (que sin duda lo es) y se esfuerza demasiado al intentar compatibilizar su comedia Almodovariana con los códigos de terror inspirados (calcados) por la extraordinaria Les Yeux Sans Visage, película con la que Georges Franju inscribió su nombre en la historia del cine.

El esfuerzo sobrehumano de Almodóvar lo descoloca, lo saca de balance y lo impulsa a filmar una primera parte de la cinta en la que busca, mediante una falsa solemnidad, generar tensión a través del Almodóvar más tedioso e insoportablemente pretencioso que he tenido la oportunidad de ver. En esta ocasión, la historia versa alrededor de un eminente cirujano plástico (Antonio Banderas) que ha conseguido, mediante la mutación de células de cerdo, generar una piel extremadamente resistente para trasplantar a víctimas de accidentes. El hombre, que vive recluido en el laboratorio que tiene en una finca de Toledo, mantiene cautiva a una misteriosa paciente (Elena Anaya) con la que aparentemente realiza experimentos y que es el eje de la compleja maraña de historias que poco a poco se desenvuelve en pantalla.

Si algo queda claro después de ver La piel que habito es que la picaresca del director manchego es más fuerte que él, evidenciándose esto en el asesinato de la solemnidad con la que da inicio la cinta, a manos de uno de los personajes más torpes y burdamente manufacturados que ha escrito Pedrito en su larga carrera. Es a partir de este momento que el filme toma un carácter humorístico, que todavía ignoro si es intencionado o no, el cual destruye cualquier atisbo de horror o dramatismo que pudiera generarse en la audiencia, que es capaz de soportar sin pestañear horrores y situaciones supuestamente devastadoras, gracias al halo de ligereza que envuelve todo el relato.

La piel que habito centra sus esfuerzos narrativos en un giro de tuerca altamente imaginativo pero carente por completo de sentido emocional y lógico, que toma por sorpresa a la audiencia y que mejora considerablemente el ritmo de la cinta una vez que se revela, sin embargo, ese relato con capacidad para convertirse en un auténtico tour de force, desaprovecha su complicadísima esencia para perderse en detalles miserablemente simplones.

El filme cuenta con un elenco de gran profesionalidad, dentro del que Banderas recupera el papel de secuestrador con el que Almodóvar lo catapultó a la fama en la célebre ¡Atame!, pero interpretado con una tonalidad completamente oscura que por desgracia nunca logra conectar con el espectador, fenómeno que sufre incluso la siempre excelente Elena Anaya, cuyo papel de cautiva nunca llega a brillar.

Almodóvar recurre nuevamente a Alberto Iglesias para crear una banda sonora memorable, en la que la música juega un papel crucial a lo largo del metraje, elemento que junto con la fotografía de José Luis Alcaine se convierte en lo más satisfactorio de la cinta.

La piel que habito es una película que resulta finalmente divertida, pero que se aleja diametralmente de la promesa de un filme de terror y que queda muy por debajo de las obras clave de la filmografía del que alguna vez nos regaló esa entrañable Hable con ella. En fin, no se puede ser bueno todo el tiempo.

The Human Centipede (First Sequence) (2009)

2011-09-09T05:38:00.000-07:00

Rodeado de amigos y unos cuantos borrachos, Tom Six, pintor incomprendido y vapuleado invariablemente por la crítica en todas sus incursiones fílmicas, bebe un whisky tras otro en un bar de Amsterdam. La testosterona acumulada en la sucia barra alimenta los temas soeces de la conversación del peculiar grupo de artistas malditos, hasta que un cruento chiste pedófilo sale de la boca de uno de los presentes. Todas las bocas se abren en sonoras carcajadas, todas menos la de Tom Six, que con falsa seriedad replica "Siempre he creído que para castigar a los pedófilos deberían atarlos y coserles la boca contra el ano de un obeso camionero". La imagen que surge en la mente de cada uno de los presentes motiva un silencio que Six vuelve a interrumpir con un "Joder, creo que ese será mi nuevo filme".

The Human Centipede es una película creada a partir del deseo de presentar una imagen impactante al público. Dicha imagen, poseedora de un innegable poderío visual, es el punto desde el que Tom Six parte para idear una historia que pueda justificarla, dejando de lado el tema de la pedofilia y optando por la clásica trama del científico alemán misántropo que, sin más objeto que el probarse a sí mismo que puede hacer una salvajada, decide conseguir a tres humanos para armar un único organismo vivo mediante la conexión ano-bucal de los desdichados integrantes.

El enorme problema de The Human Centipede es que su fama viene de la publicidad oral generada por los fanáticos de la obra, de forma que todos los que están dispuestos a verla conocen ya la trama y han imaginado previamente la imagen de los tres cuerpos unidos entre sí, cuadro que sin duda podía haber sido mucho más descarnado que el que Six presenta, auto censurándose ligeramente y negándose a meter toda la carne al asador. Si ya vas a hacer una guarrada de este calibre más vale que no te quedes a medio camino y conviertas la película en una verdadera asquerosidad, sin embargo ese paso radical nunca aparece en The Human Centipede.

Filmada en un estilo que muchas veces recuerda a las secuencias de persecución retratadas por Dario Argento, el filme se divide claramente en tres partes (pre, durante y post ciempiés), pero el guión, que sin duda podría haberse elaborado con algo más de cabeza, carece completamente de retruécano alguno y responde a una historia construida instintivamente mediante una simple compilación de clichés.

El ejercicio es simple, anoten los ingredientes que conocemos sin haber visto la cinta: una historia que mezcla a dos chicas turistas, una casa perdida en medio del bosque y un científico loco que desea hacer un ciempiés humano; ahora imaginen el desarrollo más sencillo que puedan y les aseguro que ese es el resultado del filme. Felicidades, ya vieron la película.

De las actuaciones no podía esperarse mucho más y todas son invariablemente mediocres, sin embargo algunas de las secuencias consiguen generar un buen nivel de tensión a la vieja usanza, con el malo acechando perversamente o arrastrándose en persecución del pobre ciempiés.

Unos días atrás tuve la oportunidad de ver el trailer de la segunda parte de esta nueva franquicia de culto del cine de terror. Casi al mismo tiempo se dio a conocer la noticia de que la British Board of Film Classification rechazó el filme debido a que era "riesgoso para la salud de los espectadores". ¿Será esto una señal de que Tom Six finalmente logrará impactarnos, o sólo otro ardid publicitario? Pronto lo sabremos.

Rundskop (Bullhead) (2011)

2011-09-05T13:12:00.000-07:00

El ser humano disfruta contemplar sus miserias, regodeándose en ellas y proclamando su sufrimiento a la menor provocación, en el ejercicio de un dramatismo que se encuentra de forma innata en mayor o menor medida dentro de nuestra especie. Es este deseo por mostrar las vilezas de la sociedad lo que impulsa a muchos artistas a encontrarse con el proceso creativo y triunfar o fracasar en su intento por transmitir una emoción impactante a su audiencia.

Es precisamente esa la motivación de Rundskop, primer filme del director belga Michael R. Roskam, que ha acaparado muchas miradas de asombro y elogios de una audiencia que demanda año con año emociones viscerales cada vez más fuertes, pero que rechaza aquellas que no sean justificadas por una historia medianamente interesante e innovadora.

El filme analiza de forma extremadamente ácida el negocio de la carne mediante el personaje de un granjero belga, cuya forma de incrementar ganancias es utilizar hormonas para mejorar físicamente a su ganado, sustancias que son proporcionadas por una intrincada red de mafiosos que controlan la producción ganadera de todo el país.

El ganadero, interpretado por el poco conocido pero excelente Matthias Schoenaerts que modificó su cuerpo para transformarse en la bestia musculada que protagoniza el filme, se ve inmiscuido por casualidades del destino en el asesinato de un policía que investigaba el contrabando de las hormonas ilegales. Utilizando este hecho como excusa, Roskam, quien también elaboró el guión, desarrolla magistralmente el contexto social e histórico del personaje, revelando una serie de eventos de extraordinaria crueldad que condicionan el futuro del protagonista.

La crítica social que emite el filme contra la industria de la carne, poco a poco se transforma en un análisis de las causalidades y casualidades que determinan el camino que finalmente recorre el hombre durante su vida, al mismo tiempo que retrata la impotencia que generan aquellos sucesos que por su gravedad no pueden olvidarse o revertir sus efectos.

La formación pictórica de Roskam es palpable en cada fotograma de la cinta, percibiéndose una necesidad casi obsesiva por acompañar a la narrativa mediante un cuidado tratamiento visual, que da como resultado secuencias de gran belleza en las que el director de fotografía Nicolas Karakatsanis ejercita su versatilidad y crea cuadros para el recuerdo.

La banda sonora que acompaña a la película fue compuesta por el relativamente joven compositor Raf Keunen, quien hasta el momento solamente había musicalizado cortometrajes y que hace un trabajo verdaderamente extraordinario a lo largo de toda la cinta.

Rundskop es definitivamente una "feel bad movie", la experiencia que retrata es deprimente, oscura y finalmente devastadora, sin embargo está construida de forma impecable erigiéndose como la primera gran película del 2011.

Twentynine Palms (2003)

2011-09-03T08:21:00.000-07:00

La memoria siempre es caprichosa y limitada. Es precisamente por esto que cada vez que entramos en contacto con una obra de arte, ya sea literaria, pictórica, escénica, etc., nuestro cerebro absorbe tan solo un pequeño porcentaje de ésta, almacenándolo en su gigantesca base de datos mental para luego desechar el resto.

Es mediante este proceso azaroso de selección individual inconsciente que se construye nuestra afinidad por determinado tipo de obras y artistas, sin embargo, en algunas ocasiones aparecen creaciones cuya intensidad obliga a nuestra mente a ceder un espacio permanente para las imágenes, palabras o sonidos que estas nos transmiten.

Twenty Nine Palms definitivamente se ha ganado un lugar en la zona más oscura de mis recuerdos. Su extrañísimo concepto narrativo, que la convierte en una cinta prácticamente inclasificable, se pasea con naturalidad por un sinfín de géneros, para salirse finalmente con la suya e inesperadamente autodefinirse como un filme de terror en los últimos diez minutos de metraje.

Dirigida por Bruno Dumont, la cinta funciona como un extraordinario manifiesto del equilibrio disfuncional que generan los roles asumidos de forma tácita en una pareja y del brutal shock que genera el acto de colocarse súbitamente en los zapatos del otro.

El guión, tan simple como el viaje injustificado de una pareja de enamorados por el desierto californiano hacia el poblado de Twenty Nine Palms, recuerda en su estructura a la maravillosa canción Popplagid de Sigur Rós, en donde toda la obra se convierte en un alargadísimo preámbulo in crescendo, que adquiere sentido únicamente mediante la atronadora y desgarradora conclusión, la cual transforma los suaves acordes iniciales en una gigantesca pared de sonido equiparable al horror que Dumont despliega con macabra sagacidad.

Enamorado de las tomas extremadamente amplias, del desierto y de un ritmo pausado que invita a la reflección de cada fotograma, Dumont, asistido por el fotógrafo Georges Lechaptois, crea una serie de secuencias que, a pesar de estar filmadas siempre con una crudeza buscada, llegan a sorprender muchas veces también por su belleza.

Las intensas actuaciones de Yekaterina Golubeva y David Wissak, únicos protagonistas del filme, se apilan en viñetas de convivencia que contextualizan a una pareja compuesta por un polo dominante y uno pasivo, cuyo equilibrio depende de una compleja relación de poderes que las circunstancias se encargarán de destruir.

Twenty Nine Palms no es una película perfecta, y su ritmo pausado puede resultar un fuerte obstáculo para algunos, sin embargo es una propuesta verdaderamente interesante, que juega hábilmente con las expectativas del espectador y que construye toda una experiencia audiovisual alrededor de un hecho cuyos palpables simbolismos pueden ser la semilla de un intenso debate, pero sobre todo el origen de muchas pesadillas.

Bring Me the Head of Alfredo Garcia (1974)

2011-08-20T10:32:00.000-07:00

En el albor del siglo 21 podría sonar ridícula la afirmación de que existe una fuerte censura a los contenidos y a la forma en la que éstos se presentan en el cine, sin embargo esto es completamente cierto. Dicha censura no se impone a través de un organismo de regulación fascista, sino a través de los propios realizadores, que inmersos en los cánones de la sociedad occidental moderna son incapaces de jugar con ciertos temas que continúan siendo tácitamente intratables.

Resulta interesante identificar que los actos de crueldad fílmica siempre son más impactantes cuando se ejecutan sobre un individuo que sobre un colectivo, justo como en la vida real. La sociedad asume como un mal inevitable la muerte por hambruna de los millones de habitantes de Somalia, mientras que no puede evitar sentirse directamente agredida por algún caso de violencia machista ocurrido en su vecindario. Es por esto que el espectador puede sentarse sin problemas durante horas a ver cómo una serie de robots asesinan y mutilan a miles de personajes anónimos, pero no pueden soportar quince segundos de la violación individual de un infante en pantalla. Así estamos programados.

Sam Peckinpah conocía perfectamente el impacto que esa violencia individual generaba en su público, y a lo largo de toda su carrera utilizó esto para jugar de forma extraordinaria con uno de los tabús más grandes de la sociedad occidental moderna, el machismo, ganando con esto una fuerte agrupación de detractores que lo atacarían hasta el final de sus días.

Después de ver algunas de las obras de Peckinpah resulta innegable el dominio cinematográfico y la potencia emocional que se destila en sus filmes más clásicos, dentro de los que Bring Me the Head of Alfredo Garcia ocupa uno de los lugares más importantes, tanto para los fanáticos del director norteamericano como para el propio Peckinpah, quien aseguraba que BMTHOAG era el único filme que había realizado y estrenado bajo su completo control.

La cinta comienza con una escena de soberbia brutalidad en la que el mítico Emilio "El Indio" Fernández, en su papel de cacique de un pueblo mexicano, interroga a su hija en busca del nombre del canalla que la embarazó, hasta que después de una violenta vejación pública consigue el nombre de Alfredo García. Es precisamente en ese momento que se organiza un escuadrón de la muerte comandado por dos sanguinarios asesinos "gringos", cuyo objetivo es encontrar al truhán que ofendió el honor de la familia del cacique y decapitarlo para cobrar la recompensa impuesta por "el jefe".

Un sinfín de complicaciones acontecerán en la carrera por encontrar la cabeza de Alfredo García, búsqueda a la que se añade el pianista de un bar de mala muerte, interpretado por el fabuloso Warren Oates, y su chica, una prostituta a la que da vida una joven y atractiva Isela Vega, quien será el foco de toda la misoginia del filme y cuyas desgracias transformarán al personaje de Oates en una máquina de matar sedienta de venganza.

El terrible alcoholismo que sufría Peckinpah durante el rodaje del filme se refleja en cada una de las secuencias de la cinta, dando como resultado una película sucia, decadente, perversa y absolutamente fantástica, que constituye una renovación del western de la segunda mitad del siglo pasado y retrata a un México que, como ahora, sobrevive entre las ruinas de una civilización paupérrima controlada por la violencia de unos cuantos líderes.

Todos los detalles que caracterizan al cine de Peckinpah están presentes en BMTHOAG, las secuencias de acción a cámara lenta, la casi palpable suciedad estética, la desaforada violencia, el inteligente desarrollo de secuencias extremadamente grotescas y la elaboración de personajes cuasi animales a los que se les perdonan sus crímenes del mismo modo que al tigre que mata para sobrevivir. Es esa jungla que se dibuja en el filme la que lo mantiene vigente, ya que en ningún momento se tiene algún tipo de condescendencia frente al espectador, el cual termina sometiéndose básicamente a un viaje sin escalas al infierno. Un viaje que muchos directores han intentado retratar, pero que muy pocos han sido capaces de ejecutar con tal maestría.

Midnight in Paris (2011)

2011-08-15T10:25:00.000-07:00

Año tras año llega ese momento en el que el mercado cinematográfico debe enfrentarse a un nuevo estreno de Woody Allen, ese personaje neoyorkino que, en una carrera contra la muerte y el olvido, ha decidido pasar lo que le resta de vida inmerso en un maremágnum creativo producto de un desorden obsesivo compulsivo. La consecuencia de esto es el inevitable estreno anual de una película que se añade a su extenso catálogo, el cual, más que un compendio de obras de arte, funciona como un mapa para las obsesiones de su creador.

Casi siempre arropado por una enorme base de fanáticos, que invariablemente terminan citando a Matchpoint como la prueba innegable de que su ídolo todavía conserva la chispa de talento que lo llevó al estrellato, Allen se ha convertido en una de las vacas sagradas más apreciadas de Hollywood y sus intentos anuales en uno de los eventos que generan más expectativas.

Con Midnight in Paris, Allen ha conseguido el que hasta ahora es su estreno más exitoso, generando un consenso prácticamente unánime entre los espectadores que la colocan como una de sus cintas más importantes, incluso llegando a catalogarla como la obra definitiva del director. Fueron precisamente esas credenciales las que me impulsaron a reencontrarme con el trabajo de un artista que ya había dado por perdido y que se había transformado en uno de mis menos predilectos. Prometo no volver a caer en el mismo error.

De la trama conocía lo indispensable, un guionista de Hollywood que intenta escribir su primera novela, interpretado por Owen Wilson, llega con su prometida y sus suegros a París, donde por las noches se encontrará un coche que lo llevará a través de un viaje temporal donde conocerá a Hemingway, Dalí, Picasso y muchos otros de sus ídolos artísticos, reviviendo la que bajo su consideración fue la mejor época de la ciudad luz y percatándose de que en verdad el anhelo de los tiempos pasados es un sentimiento inherente al ser humano.

El argumento, a primera vista rebosante de imaginación y nostalgia, aunado a la participación de Owen Wilson, quien sin duda puede ser un buen comediante cuando se lo propone, podrían haber significado un giro muy interesante a la carrera fílmica de Allen, pero por desgracia él era el director.

En su infinito narcisismo, Allen se vuelve a colocar como eje central de la historia, despojando a Wilson de su consabida capacidad para generar sonrisas al transformarlo en ese encantador obsesivo compulsivo tan celebrado por muchos. El problema principal radica en que ese hombre tímido, que a pesar de sus impedimentos sociales consigue rodearse de bellísimas mujeres gracias a su supuesta sensibilidad y desparpajo, irónicamente pasa casi la totalidad del metraje criticando la pedantería asociada al pseudointelectualismo, cuando queda claro que es precisamente ese adjetivo el que mejor describe la obra y personalidad de Allen.

El filme se debate entre secuencias completamente insufribles, en las que el querido Woody trata a su público con una condescendencia insoportable mediante la caricaturización de los genios que poblaron París en los años veinte, y algunos grandes e innegables aciertos protagonizados por Corey Stoll en su papel de Ernest Hemingway, quien es sin duda el personaje más entrañable de la película junto al de la siempre excelente Marion Cotillard. Por desgracia esto no es suficiente para salvar una película que desde mi particular punto de vista no merece en absoluto la avalancha de alabanzas que ha recibido.

Si algo queda claro de todo esto es que yo estoy mal y Allen ha acertado por completo, ya que los números simplemente no mienten, sin embargo no puedo apreciar a una película que pretenda empatizar con el espectador mediante el intento de hacerlo sentir inteligente al darle referencias fáciles de digerir sobre artistas que ya conoce y que además se mezcla con la misma historia de amor torpe que Allen nos ha vendido una y otra vez. No tengo nada más que decir del filme, salvo que en esas tretas no pienso volver a caer.

Super 8 (2011)

2011-08-09T09:09:00.001-07:00

Con una de las series de televisión más exitosas de la historia bajo el brazo, J. J. Abrams, la supuesta mente dorada de la televisión que se burló de todos nosotros con las aventuras del doctor Shephard y el misterioso archipiélago de Lost, decidió lanzarse a una nueva incursión cinematográfica, ya que, ¿para qué hacer decenas de capítulos de una serie si con una cinta de dos horas puedes cubrirte de oro?

Ni tardo ni perezoso el señor Abrams se puso manos a la obra y, apadrinado ni más ni menos que por el santón más grande de la industria cinematográfica contemporánea, Steven Spielberg, escribió y dirigió Super 8, una cinta que, dado su autor, al menos prometía una trama retruecanuda que jugaría con nuestras mentes hasta el último instante y que teóricamente se convertiría en el segundo evento cinematográfico más importante del verano, después de la conclusión de la saga de Harry Potter.

Abrams decide empezar por todo lo alto con una gran secuencia inicial que resume, no sin cierto halo de misterio, el conflicto interpersonal más grande de la cinta en unos cuantos segundos de gran cine. Poco a poco el filme presenta al grupo de niños protagónico que, motivados por un pequeño y rollizo cinéfilo, pasan sus tardes filmando un cortometraje gore de zombis del que el público podrá disfrutar algunas descabelladas pero hilarantes escenas. La vida de los infantes transcurre de forma tranquila hasta que por casualidades del destino son testigos de un impactante accidente de ferrocarril, que le entrega al espectador la mejor secuencia del filme y desata una subtrama que se apoderará de la historia hasta su conclusión.

Abrams conoce su oficio y una vez más explota esa construcción narrativa típica de las series televisivas, en la que poco a poco se le otorgan al espectador pequeñas piezas del rompecabezas que finalmente encajarán, o no, en el resultado final de la película. Esto contribuye a que el ritmo de la cinta sea muy ágil, manteniendo en todo momento la atención del espectador, que quedará intrigado hasta resolver el enigma de la historia.

Es precisamente ese enigma el principal punto débil de Super 8, ya que, acostumbrado a desentrañar los secretos del humo negro o la numerología de Lost, el espectador promedio esperará hasta el último momento el giro definitivo que lo hará suspirar de admiración, hasta darse cuenta finalmente que de igual forma que en la mentada serie televisiva, ese momento de revelación se resolverá de forma demasiado trivial, con la ventaja, o desventaja, de que Super 8 no cuenta con los descabellados giros a los que Abrams nos tenía acostumbrados y todo termina por encajar de forma simple, demasiado simple.

Una trama sentimentaloide con dos de los niños protagonistas intenta otorgar un aspecto humano al desarrollo narrativo, historia que va descubriéndose poco a poco también en base a pistas, pero que termina sin explorarse a profundidad y queda también en el aire como una anécdota que simplemente no trasciende en el metraje, pero que, junto con la ambientación de la cinta, imprime la palpable y casi siempre nefasta firma de Spielberg en muchas de las secuencias del metraje.

Como cabía esperar, la manufactura de Super 8 es excelente, Michael Giaccino, músico con el que había trabajado Abrams en Lost vuelve a colaborar con una banda sonora modesta pero efectiva, mientras que Larry Fong, fotógrafo estrella de Zack Snyder, se mesura un poco para darle al filme ese toque vintage melancólico que sin duda conquistará muchas pupilas.

Genial fue también la elección del elenco infantil, que comandado por la gran promesa Elle Fanning y el sorprendente Joel Courtney da una buena lección de actuación en la que en ningún momento se abandona la asombrosa naturalidad con la que los pequeños interpretan sus papeles.

Super 8 no es una película para ver más de una vez, ya que basa su desarrollo en una obsesión por revelar poco a poco la información esencial de la trama, al grado de que el espectador tarda siglos en apenas poder visualizar algo del "monstruo" que se venía prometiendo desde el primer trailer promocional, situación que incrementa la tensión en el público pero que arruina cualquier segundo encuentro con el filme, ya que los subproductos de éste no son lo suficientemente interesantes para generar un interés adicional.

No puedo decir que lo haya pasado mal viendo Super 8, pero sin duda esperaba más de usted, señor Abrams.

X-Men: First Class (2011)

2011-08-06T03:49:00.000-07:00

En los últimos cuatro años he desarrollado una fobia a las películas de super héroes, sin embargo esta repulsión adquirida no se debe a un menosprecio de esos humanos que, por causas casi siempre fuera de su control, se transforman en paladines de la justicia. Todo lo contrario, esa fobia tiene su origen en el gran aprecio que tuve por el mundo del cómic durante mi adolescencia y en las constantes decepciones a las que me sometía la incapacidad de muchos realizadores, que en su afán de adaptar las complejas historias que encierran muchos de los super héroes clásicos, terminaban destrozándolas con simplificaciones ridículas y burdas.

Casi contra mi voluntad acepté ver X-Men: First Class, esperando básicamente lo mismo que se había hecho a lo largo de toda esta franquicia fílmica, una historia mediocre acompañada de mucha acción y un breve recuerdo de los cómics que hicieron que nos aficionáramos a la brutalidad de Wolverine, a la sagacidad de Charles Xavier y a la vileza de Magneto. Por fortuna el resultado final me dio más de lo que esperaba.

El proyecto inicial del filme se había asignado a Bryan Singer, director de la segunda parte de la saga, que en colaboración con Sheldon Turner desarrolló una historia que recapitulaba los años mozos del profesor Charles Xavier y su intensa amistad con Erik Lehnsherr, un judío sobreviviente de los campos de concentración alemanes con el poder de manipular cualquier objeto metálico con su mente, que busca vengar el asesinato de su madre a manos de un cruel mutante.

La historia escrita por Singer, quien finalmente abandonó la dirección del proyecto cediéndola a Matthew Vaughn (Kick Ass), retoma el espíritu de los buenos cómics de X-Men y con gran acierto se centra en el camino de sufrimiento que sigue el joven Erik, sin duda el personaje más interesante de la saga, desde su estancia en los campos de concentración durante la segunda guerra mundial, hasta convertirse en Magneto, uno de los villanos más famosos de la historia del cómic.

La táctica de contar el origen de un villano siempre rinde frutos, ya que el espectador se coloca en una posición de absoluto conocedor del desenlace de la historia, pero de completo ignorante respecto al entramado que origina dicho desenlace, lo que le permite mantener intacta la capacidad de asombro y le añade el placer de ir conectando esos eventos que ya conoce con los pequeños detalles que los originan, situación que X-Men: First Class maneja de forma acertada y que Matthew Vaughn aprovecha para filmar su segundo gran éxito consecutivo.

El elenco de la película, compuesto casi en su totalidad por actores que a pesar de no ser novatos se sienten bastante planos en pantalla, se apoya casi completamente en la interpretación de Michael Fassbender, que supera al siempre excelente Ian McKellen y se convierte en el mejor Magneto que ha visto esta larga saga fílmica, al punto de que las mejores escenas de la cinta son sin duda aquellas que exploran el inicio de la búsqueda que emprende el futuro villano para encontrar al asesino de su madre.

X-Men: First Class es una película que entretiene, que no deja al espectador con el sentimiento de haber sido estafado, sensación que por desgracia cada vez se vuelve más frecuente en filmes de este tipo, y que a pesar de contar con un guión bastante lineal que se centra en la cacería de un villano, es capaz de entretener al espectador común y satisfacer las expectativas de los fanáticos de la escuela para alumnos superdotados del profesor Xavier.

Submarine (2010)

2011-08-01T08:35:00.000-07:00

Después de filmar el concierto que los Arctic Monkeys dieron en el 2008 dentro del mítico teatro Apollo, el hasta entonces director y guionista de programas televisivos, Richard Ayoade, encontró la pieza faltante para crear su debut como cineasta independiente al convencer al famosísimo mono-hipster, Alex Turner, para que creara cinco canciones que musicalizaran Submarine, una comedia que tendría todos los ingredientes necesarios para atraer a cualquier quinceañero de gafas de pasta al cine.

A pesar de poseer una vista relativamente buena y no contar con uno de esos maravillosos armazones de lentes sin aumento, me sentí atraído hacia el producto final que Ayoade, con gran inteligencia, publicitó mediante un trailer de excelente manufactura. La alienación juvenil, los colores sepia de la luz en el atardecer, los padres extraños, la inevitable incomodidad del amor pueril, las vibrantes tomas de una cámara Super 8 y la promesa de una excelente banda sonora, características desplegadas en los casi dos minutos de trailer, me hicieron caer en la trampa y Submarine se convirtió en una de las películas que más esperé este año.

Con gran tristeza fui comprobando con el paso de los minutos que Submarine no era la preciosa joya independiente que nos habían prometido, sino uno de esos ejercicios en los que la infancia se transforma en un paisaje idealizado por un narrador adulto, cuya nostalgia transforma la realidad en una caricatura que, a pesar de su afán por destacar como un producto diferente, nunca se aparta de la esencia genérica que caracteriza a una gran parte de los filmes independientes contemporáneos.

Las verdaderamente excelentes canciones compuestas por Alex Turner, intercaladas con gran acierto en la banda sonora compuesta por Andrew Hewitt y el más que correcto manejo fotográfico de Erik Wilson, que utilizando una gran cantidad de formatos y técnicas crea una atmósfera muy disfrutable, se ven opacados por una historia burda y plagada de personajes completamente unidimensionales que revelan sus intenciones tan pronto entran a escena.

Una y otra vez el personaje principal, interpretado por el babyface Craig Roberts, nos recordará su infeliz e inadaptada vida, mientras lucha encarnizadamente por salvar el matrimonio rutinario cliché de sus padres y por conseguir el amor de la igualmente extraña Yasmin Paige, todo desarrollado al más puro estilo de la reciente y también fallida Scott Pilgrim, con la diferencia de que en esta ocasión no hay efectos especiales en los que entretener la mirada y únicamente quedan los clásicos diálogos, siempre escupidos a gran velocidad, de esa adolescencia sarcástica y ácida que únicamente existe en la mente de algunos cineastas y escritores "modernos".

A pesar de su corta duración, la cinta de Ayoade se siente pesada y repetitiva hasta alcanzar su conclusión en una secuencia para el olvido, que es sin duda la puntilla final a una obra a la que le sobra intencionalidad pero que falla rotundamente en su ejecución.

Submarine es un producto monótono, que exhibe durante todo su metraje una serie de pretensiones intelectuales en forma de posters de filmes clásicos y otros utensilios, para de alguna forma autovalidarse como un filme de calidad y conectar con un sector del mercado que está probando ser muy redituable, los hipsters. Sector con el que no tengo ningún problema, pero que siento que debe exigir filmes de muchísima mejor calidad.

Le Samouraï (Le Samurai) (1967)

2011-07-30T03:28:00.000-07:00

Siempre fuera de la Nouvelle Vague, pero al mismo tiempo íntimamente relacionado con los extraordinarios directores que la conformaron, Jean-Pierre Melville decidió mantenerse siempre al margen de cualquier movimiento ideológico, para convertirse en una especie de padre para outsiders como Godard o Truffaut y en el supremo director de cine noir francés.

Alain Delon, el actor que define algunos de los mejores filmes de Melville y que sin duda alguna es uno de los actores más intrigantes y complejos de la historia, encarna en Le Samouraï a un asesino a sueldo que tras ser traicionado por aquellos que lo habían contratado decide cobrar venganza, al mismo tiempo que escapa de los intentos de la policía por adjudicarle el asesinato del dueño de un club nocturno.

La historia, adaptada de la novela The Ronin de Joan McLeod por el propio Melville, cuya trama ha sido reciclada infinidad de veces en los últimos veinte años, y que incluso recibió un sentido y sobresaliente homenaje por parte de Jim Jarmusch en su grandiosa Ghost Dog: The Way of the Samurai, es el perfecto compendio de todo lo que el cine noir pretende transmitir, sumergiendo al espectador en ese microcosmos donde ningún personaje es inocente y cuya supervivencia depende de la capacidad que tienen para disimular sus dobles o triples intenciones.

Delon, el perfecto samurái occidental, que esconde su casi inexistente aprecio por la vida humana bajo una expresión de increíble dureza, que contrasta con sus delicadas facciones de rompecorazones, inaugura el filme con la construcción de una elaborada coartada para justificarse ante la policía, en caso de que ésta llegara a arrestarlo por el asesinato que está a punto de cometer. Imposible es separar la mirada de la pantalla cuando el elaborado ritual se pone a prueba tras la detención del samurái, momento a partir del cual el filme se convertirá en una incesante prueba de tensión para el espectador, que tendrá el deleite de ver las fabulosas dotes de Melville como director y la perfección de un elenco que, mediante escalofriantes duelos de miradas, es capaz de transmitir en un segundo lo que treinta minutos de diálogos no conseguirían.

Por la ciudad salvaje el samurái escapará de la policía, de los ataques de aquellos que lo traicionaron y que al mismo tiempo intentará encontrar, y de dos bellas mujeres, la primera representando al amor dependiente e irónicamente interpretada por Nathalie Delon, esposa de Alain Delon y la segunda el amor motivado por el deseo, que buscará ser la perdición del samurái.

La ambientación de la cinta, construida a partir de la banda sonora de François de Roubaix y de los encuadres de Henri Decaë, responsable de dirigir la fotografía de la legendaria The 400 Blows, es definitivamente la quintaesencia del cine noir.

Melville consiguió con Le Samouraï la filmación de una de sus obras más emblemáticas y un hito en la historia de la cinematografía mundial, creando con Delon uno de los personajes más complejos y exquisitos que hayan sido proyectados en la pantalla grande y una historia, que a pesar de desarrollarse de forma pausada e increíblemente elegante, es capaz de mantener al público moderno en el borde de su asiento hasta la brillante y poética conclusión. Le Samouraï es una obra que definitivamente no puede pasarse por alto.

Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2 (2011)

2011-07-19T02:31:00.000-07:00

Antes de que las pupilas de los espectadores terminaran de contraerse ante la súbita iluminación de la sala, la gente ya había comenzado a aplaudir. No soy un entusiasta de ese tipo de manifestaciones de fanatismo eufórico pero, por un momento, logré hacer a un lado mi misantropía para comprender que los aplausos, gritos y sollozos que aderezaron la proyección de la última entrega de la que es numéricamente la saga fílmica más popular de la historia, eran justificados.

Finalmente, después de más de diecisiete horas sentado frente a una pantalla que me narró las innumerables aventuras de un imberbe mago, cuya suerte, o infortunio, lo convierte en el cáliz donde se vuelcan todas las esperanzas del mundo de la magia, comprendí la trascendencia de este relato que ha marcado el inicio del goce literario para muchos niños y cuyo largo camino fílmico concluye, sorpresiva pero afortunadamente, con una excelente película de cuatro horas dividida en dos partes, que reaviva una saga cinematográfica que había caído en la intrascendencia, en el tedio y en la mediocridad.

Apenas se necesitan unos minutos de la segunda parte de Harry Potter and the Deathly Hallows para afirmar que el David Yates responsable de las terribles quinta y sexta entregas de la serie ha dejado de existir, para dar paso a un realizador homónimo que ahora está dispuesto a desarrollar, de forma evidentemente comprometida, una historia cuyos aciertos son indudables y aprovechar el dramatismo que ésta supone, dándole al espectador una cinta que se vanagloria de su espectacularidad, pero que al mismo tiempo intenta alcanzar algo más que el final épico y visualmente orgiástico que todos esperaban.

El desenfrenado ritmo con el que se desarrolla la acción de esta segunda parte, que después del resultado final se justifica más como una necesidad para concluir la historia de forma adecuada que como una estratagema descarada para recaudar millones, contrasta con ese ritmo pausado y reflexivo que Yates adoptó para la primera parte y que tanto disfruté, sin embargo, entre todo el caos de ejércitos multitudinarios compuestos por magos, gigantes, arañas y demás alimañas mágicas, existen remansos de paz en los que se aclaran los puntos más importantes de la historia y que, aunque escasos, son las válvulas de escape mediante las que Yates explota su más refinada sensibilidad videoclipera para elaborar las secuencias más entrañables de toda la saga.

HPATDH es una de esas cintas en las que por alguna misteriosa razón todo parece salir bien a pesar de los malos augurios. El impresionante renacimiento de Yates se combina con el reencuentro de la inspiración por parte de Rowling, que sorprendentemente concluye la historia con bastante buen juicio, dejando la mejor parte de ésta para el final, convirtiendo los últimos instantes en un torbellino emocional resuelto con alguna que otra trampa narrativa pero con mucha inteligencia.

Esa inspiración también se contagia a los tres protagonistas, otrora infantes, que convertidos ahora en adolescentes fashionistas mantienen la naturalidad que finalmente encontraron en la primera parte de HPATDH, a tal grado que hasta los momentos más cursis, que los hay, terminan siendo perdonados, con excepción tal vez del inevitable pero atroz epílogo.

La música de Alexandre Desplat vuelve a impactar de lleno en la pantalla que Eduardo Serra cubre de negro sobre negro, eliminando los pocos colores brillantes que le quedaban en la paleta de la primera parte, firmando la que es sin duda la película más lúgubre de la saga tanto visual como temáticamente, en la que Potter finalmente debe enfrentar cara a cara al malévolo Voldemort, que desatará un ataque furibundo para encontrar a éste antes de que consiga destruir los objetos en los que el villano colocó pedazos de su alma y por tanto matarlo.

HPATDH, las dos partes, son una verdadera sorpresa y una conclusión inmejorable para la que al día de hoy es sin duda la saga más importante de la historia del cine, posiblemente destronando a la mítica Star Wars.

Debo decir que no he leído ninguno de los libros de la serie y probablemente nunca lo haga, de forma que ignoro lo que se dejó o se quitó de la obra original, sin embargo puedo asegurarles que, sean o no fanáticos de la saga, HPATDH es one hell of a ride.

The Third Man (1949)

2011-07-16T08:28:00.000-07:00

Viena. La posguerra ha convertido a la ciudad en un caótico territorio dividido en cuatro zonas controladas por los aliados. Ingleses, estadounidenses, franceses y rusos conviven en un régimen militarizado que gradualmente trata de restablecer algo de coherencia a una ciudad que, destruida por los constantes bombardeos, se ve inmersa en un mar de carencias que nutre al comercio ilegal, adoptado como modus vivendi por los austriacos ubicados en el escalón más bajo de la pirámide social.

Es en este escenario que Holly Martins, un desempleado escritor de novela ligera interpretado por Joseph Cotten, llega a Viena por una oferta de trabajo que le hace su gran amigo Harry Lime, a quien da vida un ya mitificado pero aún joven Orson Welles, que curiosamente repite en pantalla junto a Cotten esa relación de intensa amistad que, ocho años atrás, los había llevado a la fama con la que para muchos es la mejor película de la historia: Citizen Kane.

El director Carol Reed, quien apenas un año atrás había filmado The Fallen Idol, decide llevar a la pantalla grande otro guión de uno de los reyes del Best-Seller, Graham Green, que en The Third Man refina a tal grado su narrativa, construyendo desde el primer momento un compendio de brillantes diálogos y situaciones, que poco después decidió editar el guión en forma de una pequeña novela que cosechó tantos elogios como dólares.

El personaje de Cotten, que llega a Viena desempleado y buscando un cambio de vida, se entera con horror que su amigo ha muerto arrollado por un vehículo momentos antes de su llegada, con lo que sus esperanzas por encontrar un trabajo decente se ven completamente truncadas. Sin embargo, las circunstancias del accidente y las constantes contradicciones entre los testigos del evento, lo llevan a pensar que el desafortunado incidente tal vez no haya sido un accidente, por lo que decide quedarse un poco más en Viena para desentrañar la maraña de mentiras.

La profunda investigación del protagonista, que mantiene en vilo a los espectadores durante toda la cinta, es acompañada por el impresionante trabajo fotográfico de Robert Krasker, que aprovecha la probada capacidad expresiva del elenco al utilizar el primer plano como arma principal, obteniendo secuencias memorables, que al combinarse con una de las bandas sonoras más extrañas y geniales de la historia del cine, en la que el único instrumento audible es la cítara de Anton Karas, convierten a The Third Man en una grandiosa experiencia cinematográfica.

Comprensiblemente recibida con frialdad en Austria, al retratar la conversión de los austriacos de la posguerra a ciudadanos de segunda categoría dentro de su propia nación, The Third Man fue por el contrario catalogada como obra maestra en Inglaterra y Estados Unidos, situación que se reafirmó con el Oscar a mejor fotografía y el BAFTA a mejor película inglesa, sin embargo, dichos premios parecen francamente insuficientes al observar una obra tan extraordinaria, que sigue completamente vigente y que ha superado con creces la prueba del tiempo.

Después de ver The Third Man queda completamente claro que una y otra vez se proyectará en las pantallas del mundo ese alargado camino al cementerio, donde Joseph Cotten espera a la silueta de Allida Vali, que gradualmente, como si de un espectro se tratara, se materializa frente a la cámara para finalmente pasar de largo frente al galán que la contemplará alejarse, incrédulo pero con el temple de una gárgola, para finalmente encender un cigarro que, mientras exista el cine, jamás se apagará.

Caché (Hidden) (2005)

2011-07-12T08:15:00.001-07:00

La pantalla se ilumina con un plano que parece intencionadamente despojado de toda belleza compositiva. La cámara, completamente fija, enfoca la intersección de dos calles donde se yergue una casa tan ordinaria como la toma con la que Michael Haneke convierte a su público en un voyeur que ignora lo que debe ver, pero que gradualmente se convertirá en parte activa de la brutal historia escondida en Caché.

La familia, ese núcleo social que Haneke disecciona con paciencia y maestría a lo largo de toda su filmografía, vuelve a asumir un papel protagónico en Caché, esta vez con la forma de un letrado matrimonio francés en el que el esposo, brillantemente interpretado por Georges Laurent, es el conductor de un show de crítica literaria que maneja su vida con la pasividad que provoca la rutina y la aceptación del destino, mientras que su esposa, una perfecta Juliette Binoche, pasa el tiempo organizando tertulias literarias para sus bohemias amistades.

La aparición de un paquete con un dibujo infantil en el que se ve una cara escupiendo sangre y una grabación en la que se muestra el exterior de la casa familiar durante horas, desata la paranoia de la pareja que verá, con entendible pavor, cómo surgen una tras otra nuevas cintas que irán guiando al protagonista masculino por un lúgubre proceso de reflexión en el que se enfrentará al resultado de sus acciones.

Haneke, en su papel de filósofo, sociólogo y soberbio cineasta, construye un relato terrible sobre las desastrosas consecuencias de acciones que podrían considerarse inocuas, pero sobre todo acerca del brutal impacto que tiene la educación en el desarrollo integral del ser humano y el inevitable elitismo del sistema de enseñanza occidental tradicional.

Reminiscente en su desarrollo narrativo y visual a The Seventh Continent, película que puso a Haneke en el mapa fílmico y que es una de las obras más deprimentes que he tenido la desgracia de ver, Caché es un magistral relato en el que, al más puro estilo del director alemán, se plantean un sinfín de incógnitas de las cuales algunas se resuelven con una sutileza magistral y otras se dejan al aire para que sea el espectador el que, en su papel de voyeur, dicte la sentencia final y ponga en claro los conceptos de la historia.

La oposición de Haneke a un cine que utilice secuencias de violencia sin sentido o sexo escandaloso para atraer público está más vigente que nunca en Caché, donde la infidelidad es apenas un gesto que depende totalmente de la calidad histriónica del elenco y la violencia un monstruo que se contiene lo más posible hasta que, de forma completamente justificada, estalla en la pantalla como un grotesco Pollock.

Pocos discreparían ante la afirmación de que Michael Haneke es uno de los directores contemporáneos más relevantes. Un descarnado y sobrio poeta que para su desgracia no conoce la risa, pero que es capaz de engendrar personajes que ubican al espectador en una gran casa de espejos, en la que se verá a si mismo de forma distorsionada pero siempre presente, compartiendo las miserias de su cotidiana existencia pero sobre todo gozando de un cine perfecto.

Evil Dead 2 (1987)

2011-07-09T01:11:00.000-07:00

Han pasado cinco minutos del metraje y Ash Williams, el personaje que convirtió a Bruce Campbell en uno de los más grandes ídolos del cine de terror, acaba de decapitar a la hermosa mujer con la que tres minutos atrás pretendía pasar un romántico fin de semana en una cabaña perdida en medio de la nada. El brutal acto no responde a un desorden psíquico del protagonista, sino a la mutación de su inocente y rubia pareja en un salvaje demonio, invocado por los conjuros emitidos por una misteriosa grabación abandonada en la cabaña. Gracias a los primeros segundos del filme, el espectador sabe perfectamente que dichos hechizos vienen nada más y nada menos que del mítico libro lovecraftiano de los muertos, el Necronomicón. Y esto apenas empieza.

Esos cinco minutos iniciales, que en cualquier otra cinta se habrían llenado con imágenes de créditos proyectadas sobre paisajes idílicos, muestran la determinación del director Sam Raimi por superar y eclipsar la primera parte de la serie de Evil Dead, que a pesar de la fuerte censura a la que fue sometida, había conquistado ya a una gran base de fanáticos incondicionales que la habían elevado a estatus de obra de culto.

El desaforado ritmo narrativo de Evil Dead 2 comienza en el máximo nivel de intensidad y se mantiene así hasta la conclusión de la cinta, tarea sumamente complicada al tener en consideración que si se somete al espectador a un estímulo constante éste terminará acostumbrándose a él, sin embargo la maestría de Raimi como creador de secuencias y situaciones extremas, le permite golpear de forma constante la psique del público sin dejar de sorprenderlo un solo instante.

El guión escrito por Raimi, sencillo pero imaginativo y redondo, contradice todo lo planteado en la primera película de la serie, con lo que Evil Dead 2 transcurre en una especie de mundo paralelo en el que no existe una continuidad argumental con lo ocurrido en la cinta anterior, a pesar de que el personaje principal es interpretado también por Bruce Campbell y utiliza el mismo nombre que en la primera parte. Sin embargo esto no es un problema, ya que después de la secuencia introductoria resulta evidente que a Raimi la continuidad con su anterior trabajo lo tiene sin cuidado, y al término del filme a la audiencia también.

Después de una cruenta batalla, con motosierra incluida, contra el descabezado cadáver de su poseído amor, Bruce Campbell deberá aliarse con una pareja de arqueólogos y dos rednecks para sobrevivir una noche en la cabaña, que se encuentra rodeada y habitada por un sinfín de espectros y demonios cuyo propósito es poseer los cuerpos de los nuevos inquilinos para finalmente materializarse en el mundo de los vivos.

Es abrumador el ingenio de Raimi para crear secuencias extraordinarias a lo largo de todo el metraje. Una tras otra se van sucediendo las tomas repletas de ingenio, los efectos especiales bizarros en los que incluso tiene cabida el stop motion y los galones de sangre que brotan sin cesar de cualquier parte, mientras el excelente manejo del sonido aturde al espectador y se materializa como un personaje más, tan tétrico como el peor de los demonios de esta obra en la que el horror y el humor negro se distribuyen a la perfección en partes iguales.

Muy superior a la primera en prácticamente todos los aspectos, la segunda parte de la trilogía de Evil Dead no puede ostentar otro calificativo que el de extraordinaria, ocupando uno de los lugares privilegiados entre las mejores películas de bajo presupuesto de la historia y siendo uno de los objetos de culto definitivos de los fanáticos del terror y el gore.

Noruwei no mori (Norwegian Wood) (2010)

2011-07-04T01:16:00.000-07:00

Haruki Murakami, el referente más inmediato de la cultura pop literaria, está convirtiéndose poco a poco en una gran mina de oro.

No conforme con vender millones de copias de todas sus novelas alrededor del mundo, ahora ha cedido los derechos para llevar al cine una de sus obras más populares, acción con la que recolectará aún más yenes de sus numerosos seguidores y que le servirá para atacar al mercado de los pocos ermitaños que todavía no lo han leído.

La responsabilidad de adaptar esa cadena de amores no correspondidos que es Norwegian Wood, recayó en la figura de Anh Hung Tran, director vietnamita que saltó a la fama con su primera película, The Scent of Green Papaya, que le valió la Caméra d'Or en el festival de Cannes y que lo posicionó como uno de los directores asiáticos a los que había que seguir de cerca.

Siempre he imaginado como nefasta la tarea de adaptar un libro muy popular a la pantalla grande, ya que, aunque suene como un gran sinsentido, la literatura y el cine son artes separados por abismos completamente infranqueables. Ya sé que muchos me dirán que la esencia de ambas manifestaciones artísticas es una historia que justifica tanto lo que se escribe como lo que se ve en pantalla, y aunque en parte tengan razón, también se vuelve evidente que la forma en la que se cuenta esa historia siempre influye en la percepción del espectador o el lector, por lo que la tarea de recrear la sensación que genera la lectura de un libro mediante algo completamente visual y auditivo siempre me ha parecido poco menos que imposible.

La situación se complica aún más cuando el libro que se va a adaptar tiene una extensión como el de Murakami, ya que la tijera hace su aparición y el filme termina siendo un compendio apresurado de los acontecimientos principales de la obra, dejando inevitablemente fuera detalles que seguramente algún lector echará de menos y que lo harán cuestionar el resultado final de la cinta.

Es por esto que también detesto analizar una película (por más que sea una adaptación) relacionándola constantemente con la obra que la originó, de forma que, dicho esto, el libro de Murakami quedará borrado de mi mente a partir de este párrafo.

Norwegian Wood es la primera película verdaderamente comercial que Hung ha dirigido hasta el momento y para ello recurre a dos de los actores juveniles más exitosos de Japón, Ken'ichi Matsuyama y la siempre excelente Rinko Kikuchi, que serán los dos ejes sobre los que girarán una serie de historias con la constante del amor no correspondido.

La historia básicamente versa sobre tres amigos, el primero, prácticamente ausente durante toda la película por su prematuro suicidio, se cierne como una terrible carga sobre los otros dos personajes: su novia, que padece una profunda enfermedad psíquica que le impide amar físicamente a sus parejas y su mejor amigo, completamente enamorado de la esquizofrénica mujer que inconscientemente condicionará todas sus relacionas sentimentales futuras.

Inicialmente la historia se cuenta de forma muy apresurada, haciendo guiños al libro con secuencias de apenas un par de segundos que terminan siendo intrascendentes y que sólo actúan en contra del ritmo narrativo de la cinta, sin embargo, conforme avanza el metraje, las taras se van solucionando para dejar en pantalla la esencia de este relato, que se basa en la descripción de una serie de personajes aparentemente marginales pero de fácil asimilación y que no termina por aportar nada conceptualmente digno de recordar. Esto se debe a que lo verdaderamente sobresaliente de Norwegian Wood no es su historia, sino el tratamiento visual con el que el fotógrafo Ping Bin Lee, quien ya había trabajado en la extraordinaria In the Mood for Love, moldea cada una de las secuencias en las que se desarrolla la historia utilizando un cuidado y un ingenio visual magistrales, que al conjuntarse con la excelente dirección de Anh Hung Tran quien exprime por completo la naturalidad y el talento de su elenco, logran sacar adelante una película que de otra forma estaría destinada al fracaso.

A pesar de que no soy en absoluto defensor de la obra de Murakami, la adaptación que se hace en esta ocasión del que probablemente sea su máximo logro literario, asume con acierto su guión y lo dota de un espectacular vestido que realmente vale la pena admirar.

The Return of the Living Dead (1985)

2011-07-02T00:51:00.000-07:00

El ser humano es un animal adicto a las normas, y por más que intenta asumir el factor de azar involucrado en cada paso que da, su obsesión por dar una explicación a todo lo que ve lo tortura y lo lleva a reglamentar hasta la más pequeña manifestación natural o social. No es de extrañar entonces que el cine sea un arte completamente ajeno a ese vago concepto de libertad que muchas veces se sueña pero nunca se alcanza.

El concepto del zombi, desde su nacimiento relacionado con las religiones del África occidental y más específicamente con el vudú, ha desarrollado normas que con el paso de los años se han vuelto tan intrínsecas a estas máquinas de matar, que se adoptan como fundamentos básicos de un personaje que ha pasado ya a ser parte fundamental de la historia del cine.

Los cimientos que White Zombie colocó en 1932, fueron poco a poco amasados por artistas de entre los cuales destaca el consabido padre del zombi moderno George A. Romero, sin embargo, casi veinte años después del estreno de Night of the Living Dead, Dan O'Bannon, ampliamente conocido por ser el autor de los guiones de la exitosa saga Alien, consiguió añadir con The Return of the Living Dead uno de los clichés más comúnmente asociados con esos grotescos seres sedientos de sangre, su pasión por degustar cerebros.

TROTLD comienza con un largo pero maravilloso preámbulo en el que O'Bannon rinde tributo a la ópera prima de Romero, estableciendo que dicho filme estaba basado en hechos reales. Perfecto es el momento en el que esto es revelado por uno de los personajes, que en su papel de cuidador de una bodega, le cuenta en secreto a su asistente punk que en el sótano yacen una serie de barriles abandonados erróneamente por el ejército, que en su interior tienen la prueba de que Romero estaba en lo cierto respecto a la existencia de los zombis.

Sobra decir que, por un error, uno de los barriles que contienen los cadáveres de los zombis y el gas tóxico que los genera se abrirá para crear el más completo caos en la bodega, convenientemente ubicada junto a un enorme cementerio que por otra serie de desafortunadas coincidencias se reanimará en un gran festival de muertos vivientes, para horror de los dueños de la bodega, del enterrador del cementerio y de un grupo de violentos punks que llegan al lugar equivocado en el momento equivocado.

Los muertos vivientes de O'Bannon destacan por su agilidad física, pero sobre todo porque son capaces de hablar y de hilar pensamientos con tal de emboscar a los humanos, a tal grado que en una de las mejores escenas de la cinta, un zombi, o lo que queda de él, explica el por qué de ese insaciable deseo por comer cerebros mediante un macabro despliegue de elocuencia que contrasta con el tono humorístico de toda la cinta.

TROTLD es una excelente comedia, con un humor ágil que goza de las dosis justas de violencia y que ostenta un desarrollo narrativo impecable dentro de su gran ridiculez conjunta, generando una hora y media del cine más divertido que podrán encontrar, sobre todo si forman parte del enloquecido grupo de fanáticos de los zombis modernos.

Trash Humpers (2009)

2011-06-26T00:47:00.000-07:00

Harmony Korine es un director al que todavía no logro descifrar y que de alguna u otra forma siempre me intriga lo suficiente como para acercarme a ver cada una de sus incursiones fílmicas. Muchas personalidades se esconden en la psique de Korine, un hombre que, si se juzga por la gran mayoría de sus apariciones públicas, podría decirse que sufre de retraso mental o de una especie de autismo relativamente benévolo, sin embargo, la personalidad de este enfant terrible que en 1995 firmó el guión de la imperecedera cinta de Larry Clark, Kids, se muestra completamente distinta en sus filmes, haciéndolo pasar de un simple retraído a un maniático explorador de la provocación y de las complejas interrelaciones entre hombre y sociedad.

Trash Humpers es un proyecto que se coloca inmediatamente como antagonista de Mister Lonely, el preciosista último filme de Korine, para identificarse más con la estética y el nihilismo de Gummo y Julien Donkey Boy, sus dos primeros largometrajes.

El proyecto, según Korine, surge de un juego que tenían él y su hermana, en el que salían de noche por la ciudad a destruir cosas, defecar en la entrada de alguna casa o simplemente causar pánico entre los transeúntes, utilizando siempre máscaras para ocultar sus rostros. La actividad era documentada fotográficamente por Korine, quien después de varias sesiones con excelentes resultados estéticos, decidió construir una línea argumental que permitiera convertir las fotografías en secuencias fílmicas para el goce o el horror del espectador.

El concepto inicial de Trash Humpers era que Korine, al concluir la filmación, colocaría varios ejemplares del filme en buzones al azar, incluyendo algunas estaciones de policía, para que aquellos que tuvieran la mala suerte de encontrar la perturbadora grabación se convirtieran en protagonistas de una especie de performance vérité del que nadie, mas que el propio Korine, estaría enterado, pero cuyo efecto ni siquiera él podría disfrutar. La original idea finalmente no se llevó a cabo, pero la filmación permaneció completamente fiel a los grotescos preceptos que la habían motivado, dando como resultado la película más bizarra que haya firmado el director californiano.

La cinta, que no tiene un desarrollo narrativo como tal, presenta un compendio de viñetas protagonizadas por cuatro personajes con cuerpos jóvenes y caras de anciano que vagan sin rumbo por las calles de Nashville, interactuando esporádicamente con algunos de los decadentes habitantes de la ciudad, pero principalmente dedicándose a destruir y follar todo lo que se encuentran por el camino, inmersos en un frenesí infantil con macabros tintes psicópatas.

La grabación, que supuestamente está hecha por uno de los cuatro espectros que sobrevuelan una ciudad ahogada en el sinsentido de los tiempos modernos, visualmente simula el efecto de un casete VHS que ha sido usado ya varias veces y en el que la calidad lo-fi de la imagen se convierte en un elemento que incrementa el efecto realista y perturbador de las secuencias.

Como en todos los filmes de Korine, una evidente moraleja sobrevuela todo el caos sexual, decadente y asesino de Trash Humpers, moraleja que más bien se convierte en una justificación para el comportamiento de estos seres, que ante los ojos del espectador encarnarán la esencia de la repugnancia, pero que según Korine tienen más sentido común que el autoproclamado ciudadano modelo y más importante aún, saben cómo divertirse.

Trash Humpers está muy lejos de ser una gran película, pero es un experimento digno de analizar y constituye el regreso de Korine a lo que mejor sabe hacer. Whatever that is.

Fingered (1986)

2011-06-25T08:50:00.000-07:00

Durante los años ochenta, Nueva York consolidó su estatus de epicentro del arte de vanguardia y de capital mundial de lo cool. Por las calles de Manhattan se paseaban Warhol, Basquiat, Haring, Nomi y muchos otros creadores de salvajes capacidades artísticas, cuyo único y obsesivo deseo era destrozar por completo los convencionalismos de la creación artística.

Fueron precisamente esos maestros los que impregnaron a la juventud con la obsesión por la innovación, que al mezclarse con la concepción del arte como un todo que engloba a sus 7 ramas de forma indivisible, les permitió a los más aventurados jugar con una gran variedad de disciplinas que muchas veces no dominaban, pero cuyo acercamiento completamente ignorante y entusiasta les permitió llevarlas a fronteras nunca antes vistas.

Es dentro de esta vorágine creativa que surgen Nick Zedd y Richard Kern, dos artistas que acuñarían el término Cinema of Transgression para describir a una serie de filmes de su autoría, que buscaban jugar con la tolerancia del espectador sometiéndolo a experiencias audiovisuales de bajísimo presupuesto y altísima crueldad.

Fingered es la obra magna de Richard Kern, un cortometraje de media hora fuertemente influenciado por la estética punk y por los padres del cine trash de la década de los setenta, en especial por las primeras obras de John Waters, con la gran diferencia de que Kern deja de lado el omnipresente humor del creador de Pink Flamingos y somete al espectador a un viaje absolutamente abyecto en el que no tendrá un solo segundo de tranquilidad.

Con ayuda de la estrella del No Wave ochentero, Lydia Lunch, quien ayudó a escribir el guión de Fingered y a encarnar a la prostituta ninfómana que hará mucho más que cumplir las expectativas del título del filme, Kern logra crear una historia sencilla, absurda e increíblemente perversa, diseñada únicamente para satisfacer, como se establece en la advertencia con la que da inicio la cinta, a una "minoría sexual".

La historia, en la que Lydia Lunch conocerá a un sádico cliente que la conducirá a través de un perverso viaje perfectamente diseñado para ofender a la inmensa mayoría de los espectadores, está plagada de misoginia, violaciones, violencia descarnada y un sinnúmero de fantasías enfermizas que sorprendentemente generan un resultado extraordinario.

No he visto nunca un filme más punk que Fingered, cuya paupérrima propuesta visual irónicamente produce una experiencia visceral absolutamente memorable, que combinada con la intensa actuación de Lydia Lunch, quien es verdaderamente violada de forma extremadamente gráfica a lo largo de toda la cinta, moldea una pieza de cine experimental que veinte años después sigue causando estragos aún en los ojos más insensibles.

Jûsan-nin no shikaku (Thirteen Assassins) (2010)

2011-06-20T11:11:00.000-07:00

Es un hecho que Takashi Miike es uno de mis directores favoritos y sin duda uno de los más prolíficos y versátiles de la historia. Fantástica es la habilidad de este artista japonés para dirigir cualquier cosa que se le venga a la mente, sin importarle en lo más mínimo ese prestigio artístico tan efímero que muchos directores cuidan a capa y espada.

La gran noticia es que Miike, creador tan ridículo en algunas ocasiones como profundo en otras, ha filmado finalmente la obra que muchos estábamos esperando y que lo inscribirá en letras doradas en ese catálogo de artistas, que gracias a una indisoluble combinación de talento y suerte, logran trascender el arte común y conectar con las musas para crear un producto sin parangón.

Preparado un poco por algunos comentarios que habían llegado hasta mis oídos, esperaba grandes cosas de Thirteen Assassins, sin embargo debo decir que nada puede anticiparle al espectador lo que es esta grandísima experiencia audiovisual, en la que Miike decide enfrentarse cara a cara con el Kurosawa más inspirado y con el propio Eiichi Kudo, director del filme homónimo de 1963 de donde se calca prácticamente toda la historia, para crear un relato que se alimenta en su conjunto de los clásicos japoneses, pero al que Takashi conduce a su propio territorio fílmico y creativo.

El creador de Audition y Visitor Q, se aventura esta vez por terrenos infinitamente más clásicos que los que había recorrido en sus previas incursiones cinematográficas, sin embargo esta historia, basada en un hecho real ocurrido durante la era feudal japonesa, se ubica justo en la frontera que le permite a Miike descargar sus consabidos placeres sádicos y sin embargo limitar esa locura creativa que muchas veces termina por perderlo.

Trece samuráis venidos a menos por vivir en una época en la que los guerreros de élite ya no son necesarios, se organizan bajo las órdenes del consejero del Shogun para asesinar al hermano de éste, que se ha convertido en un líder poderoso e increíblemente sádico que se dedica a cometer atrocidades y a buscar la reinstauración de los tiempos de la guerra en Japón.

Apasionante es la forma en la que Miike presenta poco a poco a los personajes que apostarán sus vidas en la casi suicida misión, utilizando un largo prólogo que da las pautas del carácter de muchos de ellos, entre los que reconocemos al gran Kôji Yakusho y a Takayuki Yamada, quien ya había trabajado con Miike en Crows Zero y que junto a todo el elenco sufrirá una transformación extraordinaria desde el pausado desarrollo inicial de la cinta hasta la catártica y espectacular conclusión.

El inquebrantable honor del samurái y la lealtad que debe profesar a su amo sin importar que tan corrupto sea, constituye uno de los cientos de temas con los que Miike juega a placer en esta cinta que se debate incluso entre el mundo de los vivos y el de los muertos, fusionándolos de forma increíblemente lírica y demostrando el talento del que se ha convertido en mi director nipón contemporáneo favorito.

El clasicismo que impregna a la historia no le impide a Miike crear secuencias visualmente memorables e incluso innovadoras junto a Nobuyasu Kita, director de fotografía con el que ya había trabajado anteriormente y que se luce completamente en la segunda mitad del filme, destacando sobre todo una secuencia desde los ojos de un moribundo que debería ser de obligatorio análisis en las escuelas de cine.

Thirteen Assassins será la película del año para los fanáticos de Miike y sin duda impactará a todos aquellos espectadores que consigan ver esta obra indispensable de la cinematografía moderna, plagada de honor, violencia, poesía y por extraño que parezca, sonrisas.

Rango (2011)

2011-06-13T11:36:00.000-07:00

Las modas vienen, van, pero siempre están. El western es un género que de forma más o menos constante siempre ha estado presente en las carteleras cinematográficas y que ha evolucionado mucho desde la famosa diligencia de John Ford hasta nuestros días, con ejemplares tan extraordinarios como The Proposition, que demuestran que, a pesar de ser un género muy trillado, es posible seguir creando grandiosas películas en las que el revólver sea el personaje principal.

La nueva cinta de Gore Verbinski, director millonario gracias a la saga de Pirates of the Caribbean, es precisamente un exponente del western del nuevo milenio, que este año estará muy de moda con el estreno de la bizarra Cowboys and Aliens y con la filmación de la nueva cinta de Tarantino Django Unchained.

Verbinski comete el acierto de actualizar el género del western visualmente, pero conservando la esencia de los consabidos clásicos para crear una historia que re introduce el género a los más pequeños y que, a pesar de ser completamente predecible, logra su cometido de entretener sin caer en las típicas concesiones de una película infantil, creando por tanto un espectáculo sorprendentemente equilibrado.

Basando su guión en la conocida historia del héroe por accidente y combinándola con el detonante por excelencia del western, en el que un misterioso forastero llega a un pueblo perdido para luchar contra el mal, Rango conecta con los niños al convertir a los toscos personajes que podrían esperarse en una historia como esta en animales como serpientes, dragones de Komodo o camaleones, que aunados al innegable talento vocal de Johnny Depp, quien una vez más interpreta su cada vez más común papel de tímido desequilibrado, convierten a Rango en una experiencia muy agradable.

Las emocionantes aventuras de este camaleón que se convierte en sheriff por accidente y que tendrá que luchar para salvar a un pequeño pueblo de la sequía, están ambientadas desde el primer segundo por el trabajo de Hans Zimmer, quien consigue sintetizar el clásico sonido que ha acompañado a esos héroes de barba descuidada y ponchos desde tiempos de Morricone, componiendo una banda sonora que lo mantiene como uno de los mejores musicalizadores fílmicos de nuestros tiempos.

Los animadores de Industrial Light and Magic, encargados de los efectos visuales de la película, generan un universo que, aunque no supera la calidad a la que estamos acostumbrados en los filmes de animación por computadora, sin duda resalta por la gran cantidad de detalles y guiños al género que se ocultan minuciosamente en cada secuencia.

Divertida y emocionante, Rango es probablemente lo mejor que le he visto a Verbinski y constituye un trabajo que, dada la calidad de los filmes que se han estrenado hasta el momento en las carteleras comerciales durante el 2011, no desmerece en absoluto y se convierte en una muy buena opción para pagar una entrada de cine sin los nefastos arrepentimientos posteriores.

Poltergeist (1982)

2011-06-11T04:45:00.000-07:00

Tobe Hooper siempre ha sido catalogado como uno de los directores de terror más icónicos de norteamérica gracias a su mítica segunda película titulada The Texas Chain Saw Massacre. El relato de unos jóvenes que por casualidades del destino caen en las garras de una familia de caníbales, convirtió a Hooper en una auténtica celebridad de culto que a partir de ese momento decidió permanecer en el nicho del cine de terror.

No fue sino hasta después de cinco películas más, en las que Hooper jugó con rednecks asesinos, aliens, vampiros e incluso serpientes, que el director texano logró conectarse con los estudios MGM y con Steven Spielberg, quien finalmente lo contrató para que dirigiera un guión de su autoría titulado Poltergeist. El resultado fue una película que marcó el punto más alto de la carrera de Hooper, convirtiéndose en un clásico absoluto y en una de las mejores cintas de terror de los años ochenta.

Como casi siempre que se habla de casas embrujadas, la clásica familia norteamericana vuelve a ser el núcleo protagónico idóneo para diversificar todas las situaciones de horror posibles, sin embargo, la familia ideada por Hooper y Spielberg presenta sutiles alejamientos de los convencionalismos clásicos en los que normalmente se desenvuelven este tipo de guiones, situación que le da un toque muy peculiar a la cinta y que se disfruta de sobremanera.

El matrimonio protagónico compuesto por Craig Nelson y JoBeth Williams, dos baby boomers de clase media con una vida despreocupada, que disfrutan de vez en cuando algún cigarrillo de marihuana, comienza a percibir situaciones extrañas en su nueva casa. Campos de fuerza que desafían la gravedad, objetos que cambian súbitamente de lugar y otras minucias se transforman de un momento a otro en una pesadilla cuando, en una secuencia de acción extraordinaria, la hija de la pareja es raptada por los espíritus que han tomado posesión de la casa.

Es en ese momento cuando la película comienza su despliegue creativo, entregándole al espectador dos horas de impecable diversión con una historia que se maneja siempre en extremos, ya que cuando no hay gritos, cadáveres saliendo de la tierra o árboles asesinos, el filme adquiere un carácter de inocencia casi infantil, saltando con gran destreza de un extremo a otro en cuestión de segundos.

A pesar de que se comenta que Spielberg ejerció un control bastante intenso en la elaboración de la cinta, Poltergeist tiene la impronta de Hooper durante todo el metraje, principalmente en la forma de presentar las secuencias de acción y terror, así como en la palpable pero disimulada irreverencia con la que se conduce la historia. Sin embargo es muy probable que el resultado tan positivo de la película se deba precisamente a las restricciones que Spielberg, en su papel de productor, impuso al genio de Hooper para impedirle que se fuera por los caminos más extremos pero menos afortunados que sigue en muchas de sus obras.

Crucial y digna de mención es la banda sonora compuesta por Jerry Goldsmith, capaz de remitirnos al Disney más inofensivo para unos compases después, sin previo aviso, abrir de par en par las puertas del infierno.

Poltergeist es una película de la que esperaba muy poco y que me ha sorprendido totalmente, al punto de que comprendo y me adhiero a todos aquellos fanáticos que la ponen como una de las mejores películas de terror de la historia. Todo un clásico.

My Winnipeg (2007)

2011-06-06T11:14:00.000-07:00

Injustamente anónima es la filmografía de Guy Maddin, director canadiense que con sus trabajos ha revivido la estética y el proceso fílmico de las películas de la era silente, creando obras maravillosas que han sido alabadas por la crítica pero que por alguna u otra razón quedan completamente excluidas de los circuitos comerciales.

La nostalgia visual que impregna la obra de Maddin no es esa que se adapta a los tiempos y que se filma con una cámara convencional, para luego explotar el grano del filme y añadir efectos antiguos mediante postprocesos digitales. No. La nostalgia de este artista es dogmática y sus planos se ruedan utilizando lentes de anticuario e instrumentos de hace casi un siglo de antigüedad, con una obsesión y una meticulosidad casi enfermizas que producen un resultado simplemente impactante.

My Winnipeg es el más reciente largometraje de Maddin, a quien le propusieron la idea de hacer un documental sobre su ciudad natal, transformando el proyecto en un exorcismo personal, que se cuenta como un relato que mezcla la ficción de la vida de Maddin con los mitos que encierra la ciudad de Winnipeg, elaborando una desenfrenada fantasía en la que los hechos históricos se funden completamente con las licencias narrativas de un artista que nunca deja de sorprenderme.

La extraordinaria Ann Savage, quien pasó a la historia por su papel en Detour, uno de los grandes clásicos del cine noir, da vida a la madre del protagonista de este falso documental, un hombre que nos cuenta su historia desde el tren que espera lo ayude a escapar para siempre de Winnipeg, ciudad a la que desprecia pero cuya poderosa influencia le impide alejarse de ella.

En esta ocasión el estilo visual del filme mezcla grabaciones modernas esporádicas con una base de secuencias filmadas con el típico estilo silente de su autor, que son capaces de llevar al espectador a un goce visual hipnótico pocas veces experimentado en el cine contemporáneo y de generarle una confusión aún mayor acerca de los planos que son reales y los que son ficción. Independientemente de esto la sucesión de todas las situaciones es magnífica, y el dramatismo de las escenas en las que la supuesta madre de Maddin ejerce su papel de absoluto control contrastan con historias que, en caso de ser falsas, son producto de una imaginación desbordante.

Narrada por el propio Maddin, quien guiará con su voz en off al espectador a través de sus traumas maternos, su despertar sexual y por innumerables anécdotas que dan forma a la ciudad con la mayor tasa de sonambulismo del mundo, My Winnipeg es una experiencia completamente fuera de lo común, que representa un hito en la filmografía de este cineasta y que por desgracia no ha tenido, como tantas otras obras, la difusión y el reconocimiento que merece.

La règle du jeu (The Rules of the Game) (1939)

2011-06-04T08:23:00.000-07:00

-Corazones sensibles, corazones fieles, que censuráis el amor ligero, dejad vuestras quejas crueles. ¿Acaso es un crimen cambiar? Si el amor posee alas, ¿no son para revolotear?-

El devastador prólogo con el que da inicio La règle du jeu, una de las obras magnas del director parisino Jean Renoir, hijo del célebre pintor impresionista Pierre-Auguste Renoir, pone en claro el punto de vista bajo el que se va a desarrollar el contexto de una de las cintas más lúcidas acerca de la utopía del estático amor eterno, así como de los conflictos relacionados con la infidelidad y la eterna insatisfacción sentimental del ser humano.

Imposible es olvidar la secuencia inaugural de esta película, en donde una masa enorme de reporteros intenta acceder al lugar donde, después de veintitrés horas de vuelo, aterrizaba un heroico piloto que había conseguido atravesar el océano Atlántico en su pequeña avioneta. El hombre desciende del avión entre vítores y gritos de la prensa, solo para darse cuenta de que su gran amor, la esposa de un aristócrata francés, no ha ido a recibirlo. Con los micrófonos de la radio ávidos por captar la primera declaración del piloto, el joven irrumpe en reclamos contra la mujer que según él había propiciado la descabellada proeza y que ahora lo ignoraba completamente. Los momentos de lucidez poética de Renoir apenas comienzan.

Días después, con motivo de una fiesta en la casa de campo del aristócrata, el piloto volverá a ver a su amada y La règle du jeu comenzará su verdadero desarrollo narrativo, que navega entre una perene tonalidad de comedia ligera y una segunda capa de intensa melancolía, en la que los múltiples protagonistas se enfrentan al desvanecimiento de sus relaciones, mientras sucumben ante sus deseos y ante las vanas esperanzas de alcanzar el amor idealizado. Fracasan una y otra vez en océanos de sensualidad y engaños amorosos que todo el mundo percibe, pero que toleran en silencio con asombrosa tranquilidad.

La capacidad de Renoir para transmitirle a la audiencia los conceptos filosóficos que fundamentan su teoría del amor y su crítica a la estratificación social es admirable, pero el dominio de la cámara y de la composición estética que demuestra a lo largo de cada secuencia, por corta que ésta sea, es simplemente abrumador. Renoir utiliza encuadres dinámicos completamente adelantados a su época, en los que una multitud de planos de acción ocurren de forma simultánea gracias a la gran profundidad de campo, dando como resultado secuencias de gran complejidad que después de más de medio siglo siguen asombrando e impactando.

Reflejo de la sociedad aristocrática francesa justo antes del inicio de la segunda guerra mundial, La règle du jeu fue censurada por el gobierno francés debido a que se consideró una película desmoralizante y moralmente cuestionable, con lo que el filme de Renoir fue un absoluto fracaso de taquilla y poco después fue destruido durante la guerra en una serie de bombardeos. Milagrosamente en 1959 se encontraron todos los negativos, con excepción de una pequeña escena que de acuerdo al propio Renoir no era determinante para la historia. La restauración permitió que la película se estrenara nuevamente bajo un contexto social diferente, situación que provocó una gran acogida crítica y una revaloración del filme.

Al final de La règle du jeu una neblina de repugnancia envuelve a todos los personajes, que a lo largo de la cinta se revelan como autómatas sin un propósito mayor que vivir por vivir, adictos a sentir, a desear y a amar, mientras pululan erráticamente por la tierra del mismo modo que el espectador que, una vez concluida la película, se levantará de su asiento y volverá a casa, sin darse cuenta de que tiene mucho más en común con esos personajes de lo que está dispuesto a reconocer.

Water for Elephants (2011)

2011-05-30T11:36:00.000-07:00

Absolutamente nada hacía pensar que Francis Lawrence pudiera hacer una película que tuviera algo de interés. Su corta filmografía, integrada por Constantine, I Am Legend y una serie de videos para Britney Spears y Jennifer Lopez lo planteaban como la antítesis de cualquier cine que intentara algo más que proporcionar entretenimiento en su forma más barata.

Water For Elephants no contradice del todo mi percepción respecto a Lawrence, ya que la película no tiene más pretenciones que entretener a la audiencia con una historia sacada del imaginario clásico de los relatos circenses, en donde la bella acróbata femenina que es propiedad del dueño del circo, enamora al joven protagonista, que dadas las circunstancias puede ser otro acróbata, un payaso o en este caso un veterinario con un trágico pasado.

Este relato, que deja poco a la imaginación y que se conduce por los derroteros clásicos que cualquier persona de la audiencia puede esperar, generaría un filme completamente intrascendente de no ser por el extraordinario manejo de la imagen que hace Lawrence junto al premiado fotógrafo mexicano Rodrigo Prieto, colaborador asiduo de Alejandro González Iñárritu, quien a lo largo de la cinta hace verdaderas maravillas con la cámara.

Hace unos días escuchaba que la importancia del cine radica en la forma en la que se cuentan las películas, declaración fundamentada en que todas las historias ya han sido contadas y que por ende la forma lo es todo. A pesar de que personalmente no comparto esta opinión, debo admitir que encaja perfectamente con lo que se ve durante las casi dos horas de Water for Elephants, ya que las vicisitudes que tiene que sortear Robert Pattinson para conseguir el amor de la desabrida por naturaleza Reese Witherspoon, son solo una excusa para mostrarnos composiciones francamente espectaculares, de las que destacan un par de secuencias capaces de quitarle el aliento al espectador.

La luz, el excelente tratamiento de postproducción de las imágenes, así como los sutiles efectos generados por computadora, se conjuntan para maravillar a la audiencia con la danza de la protagonista y un imponente caballo blanco, o con la magnificencia de un elefante que se levanta imponente en medio de la pequeña carpa del circo pueblerino, o con el bamboleo sugerente de unos pechos que nunca llegamos a ver, pero que suben y bajan al compás de una mujer que, desnuda en una pequeña carpa, baila para un grupo de eufóricos hombres.

Mucho se ha criticado a la pareja protagonista de la cinta, sin embargo desde mi punto de vista hacen lo que tienen que hacer, y aunque Pattinson sigue sin dar el nivel que creo puede alcanzar, al menos Witherspoon parece algo más que la rubia sosa que siempre ha sido. Por sorpresivo que parezca, el verdadero problema histriónico que percibo es el de Christoph Waltz, un hombre que se ganó a propios y extraños con su interpretación del coronel Hans Landa en Inglorious Basterds, pero que poco a poco se ha visto encasillado en ese papel de villano excéntrico y violento, repitiendo incluso los gestos de la interpretación que le dió el Oscar, cuando es evidente que puede dar una actuación muchísimo más compleja.

El resultado de la cinta es por todas las razones mencionadas contradictorio. Por un lado queda el sentimiento de haber visto algo visualmente sobresaliente, mientras que en el otro extremo de la balanza tenemos una historia que le da poco al espectador y que por desgracia termina con una última media hora apresurada y plagada de inconsistencias narrativas. Poniendo un poco de peso a su favor puedo decir que el filme no es tan malo como imaginaba en un principio y de hecho puede disfrutarse, pero la inclinación de la balanza tendrán que decidirla ustedes mismos.

Fando y Lis (1968)

2011-05-28T14:57:00.000-07:00

El retrato que Fernando Arrabal, uno de los dramaturgos más importantes de España y fundador del desenfrenado movimiento pánico junto a Alejandro Jodorowsky y Roland Topor, hizo sobre la España convulsa que lo vio nacer y a la que analiza desde los ojos de una pareja que termina siendo la pareja primigenia, es sencillamente insuperable y se ha convertido con el paso del tiempo en una de las obras teatrales más extraordinarias que nos haya dejado el siglo pasado.

Arrabal presenta como centro de su obra a Fando y Lis, una pareja que va en busca de la mítica ciudad Tar, a la que nadie ha llegado nunca pero a la que todos quieren llegar. A lo largo de la obra Tar puede interpretarse como la felicidad individual, como la felicidad en pareja, como el éxito personal, como el éxito social, como el sentido de la vida. Sin embargo el camino no es sencillo y Fando y Lis se mueven en círculos, desorientados y perdidos.

Fando, el arquetipo del hombre, fuerte, violento, visceral y con un corazón de niño que lo ama todo pero al mismo tiempo no sabe que hacer con ese todo, lleva a Lis, su amante paralítica en un carrito que arrastra por caminos polvorientos que le prometen un destino inexistente. Lis, el arquetipo de la mujer, físicamente débil al punto de la parálisis pero cerebral y calculadora, es la contraparte de esta pareja que fundamenta su convivencia en la culpa, el odio y la violencia que solo puede engendrar el más puro amor.

Alejandro Jodorowsky presentaba Fando y Lis, su primera incursión fílmica, en el festival de Acapulco en 1968, trece años después del estreno de la obra de Arrabal. El público quedó completamente horrorizado. Las imágenes con las que Jodorowsky adaptaba la célebre obra de teatro emanaban un deseo por golpear directamente al espectador con imágenes impactantes, cargadas tanto de simbolismos y poesía como de una implacable violencia, deseo que este polémico director mantuvo durante toda su carrera fílmica.

Existen miles de anécdotas relacionadas con el estreno de la cinta, como la destrucción del cine donde se exhibió o la cacería que Emilio "el indio" Fernández, actor y director mexicano de la época, emprendió para encontrar a Jodorowsky y matarlo. La controversia estaba servida.

Si la relación que planteaba Arrabal entre Fando y Lis ya era intensamente cruel y violenta, Jodorowsky, ayudado por su innata comprensión de la imagen y por la invaluable ayuda de su inseparable fotógrafo Rafael Corkidi, creó un viaje al que adornó con sus propios demonios, construyendo personajes que no aparecían en la obra de Arrabal pero que dan como resultado una película completamente adelantada a su tiempo, que incluso ahora no resulta fácil de asimilar pero que tiene un valor artístico incalculable.

Las tres máximas del movimiento pánico: el terror, el humor y la simultaneidad, son representadas de forma brillante por Jodorowsky, quien decide apostarlo todo en esta cinta y no dar una sola concesión al espectador, el cual sufrirá inicialmente la serie de imágenes perturbadoras y aparentemente inconexas que, acompañadas de una banda sonora compuesta por chillidos, rasguños y ruidos tremendamente exagerados, lo invitarán a abandonar la sala de cine. Aquellos que superen la prueba y permanezcan en sus asientos descubrirán un filme extraordinario.

Sergio Kleiner y Diana Mariscal, Fando y Lis respectivamente, se comprometen de forma absoluta con sus personajes y lo dan absolutamente todo por un proyecto que a todas luces parecía no tener la más mínima posibilidad de éxito. Sin embargo, la pasión creativa de todo el equipo que Jodorowsky reunió y filmó durante varios fines de semana en deshuesaderos de automóviles y parajes pedregosos remotos, logró compensar la falta de presupuesto con una imaginación desbordante capaz de crear un mundo salido de la cabeza de Arrabal, de la de Jodorowsky, de Dante y su Divina comedia, de Hieronymus Bosch y de un grupo de hombres que querían hacer un nuevo cine. Los pánicos.

Fando y Lis es una obra clave en la historia del cine mexicano, cine que a lo largo de toda su historia siempre ha tenido una fuerte vertiente surrealista en sus películas más emblemáticas y que ahora, gracias a la re-edición de estos filmes en DVD vuelve a revalorar a Arrabal y a Jodorowsky como los genios que son.

Inside Job (2010)

2011-05-23T11:49:00.000-07:00

No es noticia que el mundo lleva más de dos años sufriendo una crisis de la que todavía no se recupera y para la que todavía no se ve una salida clara. Las enormes ventajas de la globalización se conviertieron en horrendas desventajas al contagiarse la crisis norteamericana a prácticamente todo el mundo, destrozando los mercados, engendrando millones de desempleados y acrecentando de forma todavía más dramática la división de clases.

El grueso de la población, clasificación en la que me incluyo, fue alertado de un día para otro de que la crisis había llegado, sin embargo el proceso había comenzado a gestarse muchos años atrás, a sabiendas de unos cuantos y con el penoso desconocimiento de nosotros, los ingenuos trabajadores.

Inside Job, documental que merecidamente fue galardonado con el Oscar, es un retrato descarnado de las causas que poco a poco fueron cimentando la crisis que ha hecho que muchos se cuestionen la viabilidad del capitalismo, pero sobre todo es un horrendo relato sobre la maldad. Una maldad premeditada, con alevosía y ventaja, que no solo queda impune sino que se escabulle con un sinfín de premios. El mundo sigue siendo una jungla y la selección natural es más salvaje que nunca.

El director Charles Ferguson, quien ya había hurgado con meticulosidad en las entrañas del gobierno de los Estados Unidos con su primer documental titulado No end in sight, cuenta con una elogiable claridad los complejos mecanismos y los sucios tratos que permitieron que el mercado fuera regulado por una bestia insaciable y despiadada, la codicia humana.

Los cuatro capítulos en los que se divide Inside Job se suceden, tal como lo indica el trailer, como una película de horror de la que ya conocemos el final. Paulatinamente vemos como se forma el funesto rompecabezas y por más que le gritamos a los protagonistas, estos terminan cayendo en la trampa para ser descuartizados por el asesino maniático con la máscara de hockey. La enorme diferencia es que este terror es completamente real.

Narrada por la melodiosa voz de Matt Damon, el documental de Ferguson es terriblemente deprimente, situación que se agrava cuando escuchamos que los participantes del que probablemente sea el fraude más grande de la historia, están disfrutando la enorme riqueza que les dejó, mientras que otros tantos ocupan cargos en la administración del que hace un par de años fuera proclamado salvador del mundo, Barack Obama.

Obligados quedan todos ustedes a ver esta pieza de cine no apta para corazones débiles, que constituye un documento esencial para comprender nuestro presente, nuestro cada vez más negro futuro y la apabullante ignorancia en la que estamos sumidos, yo, ustedes y nuestros gobernantes. God bless America.

Les yeux sans visage (Eyes Without a Face) (1960)

2011-05-21T04:18:00.000-07:00

Muchas veces el elogio de una obra de arte ocurre de forma inexplicable años o décadas después de su creación. Incontables son los casos de artistas que después de ser menospreciados por el núcleo crítico de la época en la que desarrollan sus carreras, ven con gusto la revalorización de sus obras por parte de una nueva generación de entusiastas del arte que los convierte en objetos de culto.

Éste es precisamente el caso de Les yeux sans visage, el segundo largometraje del director francés Georges Franju, que en el momento de su estreno fue tratado como una obra menor y que tuvo que esperar veinticinco años para que, en un reestreno del filme en la mítica Cinémathèque Française, los gurús del cine moderno comandados por el director de la revista Cahiers du Cinéma, decidieran ascender el estatus de la película de intrascendente a obra maestra.

Después de haber presenciado con calma el magnífico espectáculo que arma Franju a lo largo de todo el metraje, me queda claro que el filme puede catalogarse de todo menos de intrascendente, sin embargo también es evidente que sufre de algunas carencias que lo alejan del pretencioso estatus de obra maestra.

Les yeux sans visage retrata la eterna batalla interna que surge cuando se antepone el bien personal al colectivo, ejemplificada en los horrores que debe cometer un brillante cirujano que, tras ser la causa de un accidente automovilístico en el que su hija queda literalmente sin cara, se obsesiona con perfeccionar una técnica para realizar el trasplante de cara perfecto, el cual le regresará a su hija la posibilidad de reintegrarse a la sociedad. Sobra decir que los métodos que el médico utilizará para sus propósitos experimentales no serán en absoluto ortodoxos.

La historia, que utiliza con gran acierto los elementos del cine de horror, triunfa gracias al estilo reflexivo, pausado y poético con el que Franju decide abordar el desarrollo de la cinta, apoyándose en todo momento en la fotografía de Eugen Schüfftan, quien con sus encuadres es capaz de dotar a los personajes de una extrema fragilidad para acto seguido convertirlos en imponentes tótems de carácter.

Completamente desquiciada es la banda sonora que Maurice Jarre compone para el filme, la cual se adjudica un papel principal desde el inicio de la cinta al ser la protagonista de la genial secuencia inicial, en donde el ritmo sonoro emana una locura infantil tan aterradora como los asesinatos que el publico presenciará en pantalla.

Les yeux sans visage ha influenciado a incontables cineastas de forma más que evidente, entre los que destacan Jesús Franco con su Faceless, Jodorowsky con la estética que maneja en la segunda mitad de Santa Sangre o incluso el cineasta manchego Pedro Almodóvar, quien ha declarado recientemente que La piel que habito está fuertemente influenciada por el filme de Franju.

Pocas veces se logra compatibilizar con éxito el horror y el gore con un cine que pretenda algo más que un impacto directo en el espectador, con un cine que busque emocionar y provocar un goce artístico en la audiencia. Les yeux sans visage lo logra y ahí radica su gran importancia.

Happythankyoumoreplease (2010)

2011-05-16T11:36:00.000-07:00

Dirigida, escrita y actuada por Josh Radnor, mejor conocido como el insufrible y sentimental arquitecto Ted Mosby de la popular serie How I Met Your Mother, nos llega Happythankyoumoreplease (todo juntito para que vean que hay un concepto detrás), otra película del popular género que hace a las chicas indie suspirar y a los chicos oportunistas follar, al que llamaré comedia romántica independiente de molde (CRIM).

Sorprendente es la similitud que existe entre la carrera de Radnor y la de Zach Braff, actor principal de la serie Scrubs quien también se dio a la megalomaníaca tarea de dirigir, escribir y protagonizar Garden State, su propia CRIM junto a Natalie Portman. Sin embargo, a pesar de dichas similitudes, el producto de Braff resulta ser mucho más valioso que el de Radnor, en primer lugar porque en ese entonces no había tantas CRIM y en segundo lugar porque sencillamente es mejor narrativa, histriónica y visualmente.

Los ingredientes para hacer una CRIM son muy sencillos. Primero que nada deben conseguir actores desconocidos o de bajo perfil, que tengan una imagen formada por trabajos previos de chicos hipsters, interesantes, depresivos o graciosos (en el sentido patético de la palabra). Una vez formado el reparto es tiempo de definir a los personajes. En el papel principal tiene que estar obviamente el chico más indie e interesante de todos, aunado a un rol social que sea igualmente interesante, lo que nos deja con las opciones de: músico, desempleado, escritor o arquitecto. Sin embargo, ese personaje principal no puede ser exitoso de ninguna manera, porque pasará toda la película intentando superar su miedo al éxito, su depresión crónica o su writers block, situación con la que incidentalmente enamorará a la chica de sus sueños.

El segundo ingrediente como podrán haber adivinado es la chica. No olviden que la chica no puede ser ni más inteligente, ni más preparada, ni más exitosa que nuestro personaje principal, porque somos muy indies pero seguimos con los mismos estereotipos sociales de toda la vida. Sin embargo, lo que si debe tener esa mujer de belleza misteriosa es el suficiente carácter para hacerse la difícil y conflictiva durante la hora y media que durará la CRIM.

Si ya han conseguido estos dos elementos principales lo demás es todavía más sencillo. Primero deben diseñar algo que junte a la mencionada pareja, preferentemente algún malentendido ridículo, que a pesar de desafiar la lógica de los espectadores, sea lo suficientemente creíble para no causar demasiadas risas que le quiten impacto al "mensaje" que desea transmitir el artista. En el caso de la película de Radnor este evento será el furtivo encuentro de Ted Mosby con un infante extraviado, que por una u otra razón no puede llevar a la policía y termina viviendo con él, dándole una necesaria "lección de vida".

Felicidades, si han elaborado todo esto ya tienen el hilo conductor de su CRIM, ahora lo único que necesitan es llenarla con algunos personajes extra, con problemas secundarios de amor y personalidades que se salgan un poco de lo común, sin olvidarse de rociar todas estas historias con un poco de polvo hipster para mejores resultados.

El broche de oro de la CRIM viene con la banda sonora, así que deberán consultar al amigo que les hizo ese CD con canciones de Cornelius y Dinosaur Jr. para que los asesore respecto a música que acompañe bien las tomas de flores, coches en movimiento, caras melancólicas y lluvia que deben incorporar al relato.

Como siempre el final lo tienen abierto, ya que en las CRIM se permiten las conclusiones no del todo felices, de forma que pueden volverse locos con la libertad creativa que les da este punto. Una vez cumplido este último paso ya han creado su primera CRIM, solo no esperen que yo pague un boleto de cine para verla.

Persona (1966)

2011-05-14T08:06:00.000-07:00

"Today I feel that in Persona, and later in Cries and Whispers, I had gone as far as I could go. And that in these two instances when working in total freedom, I touched wordless secrets that only the cinema can discover." -Ingmar Bergman.

No hay duda que Ingmar Bergman figurará siempre en las listas de los mejores directores de la historia, sin embargo Persona es un hito sobresaliente incluso para este venerado realizador sueco, cuyo profundo conocimiento de los oscuros resquicios de la mente le permitió jugar con temáticas tan variadas como extraordinarias.

La secuencia inicial de Persona inmediatamente le indica al espectador que no se encuentra en presencia del Bergman clásico de The Seventh Seal o The Virgin Spring, sino que experimentará la obra de un director de vanguardia, obsesionado con destrozar las fronteras impuestas por los convencionalismos del cine, con crear un nuevo lenguaje cinematográfico y con abarcar de forma profunda e incisiva un conjunto de temas trascendentales de la psique humana.

El guión, que Bergman arma desde el aislamiento que le provoca su dura recuperación de una pulmonía fulminante, da como resultado una cinta intensamente minimalista, donde todo el desarrollo se centra en la relación de amor, odio y dependencia que se desarrolla entre Liv Ullmann, una actriz que pierde el habla como producto de un colapso nervioso durante la interpretación de una obra de teatro y Bibi Andersson, la cándida enfermera a la que le asignan el cuidado de la diva en una cabaña completamente aislada.

A pesar del machismo que siempre se atribuyó a la personalidad de Bergman, el profundo estudio sobre la psique femenina desplegado en Persona es absolutamente increíble y se desarrolla con una abrumadora brillantez, sumergiendo paulatinamente al espectador en el deterioro que sufre la relación entre los dos personajes principales, cuya dinámica comunicativa de emisor-receptor las convierte en una grotesca unidad indivisible.

Tanto Ullmann como Andersson se dejan el alma en la interpretación de sus roles, exponiendo una crudeza histriónica que afecta de forma inevitable al espectador, de la que se puede destacar uno de los monólogos más eróticos de la historia del cine, que Andersson declama sin pudor ante una cámara que la desnuda voyeurísticamente sobre un sofa, mientras que Ullmann, con su salvaje expresividad facial, logra perturbar sin decir mas que catorce palabras durante toda la película.

Con una carrera ya consagrada en ese momento, Bergman decide liberarse de los convencionalismos, olvidando por completo al público y creando junto a su director de fotografía, Sven Nykvist, una película absolutamente innovadora, en donde además de contar con una producción reducida a su mínima expresión, se da el lujo de interrumpir el flujo narrativo con secuencias plagadas de símbolos o repetir secuencias enteras para percibirlas desde distintos puntos de vista, en un juego experimental que resulta tan asombroso como impactante.

Ignorada por los premios fílmicos de la época, supongo que por su radical nivel de experimentación e innovación, pero considerada actualmente casi de forma unánime como uno de los mejores filmes de la historia, Persona es una de las cintas más perfectas que he tenido la suerte de ver.

Kuroneko (Black Cat) (1968)

2011-05-09T11:30:00.000-07:00

Tal vez sea muy pronto para asegurar esto, ya que apenas han pasado 24 horas desde que vi Yabu no naka no kuroneko, pero me arriesgaré a decir que muy probablemente ésta sea la mejor película de terror que haya visto en mi cada vez menos corta vida.

Pocas son las películas que logran desentrañar la esencia del horror y mostrársela al público sin engaños, sin trucos baratos de cámara y sin brutales golpes sonoros, dejándolo desnudo ante la pantalla para que los ojos de los espectadores se recreen en algo verdaderamente horripilante. Kuroneko no solo hace eso de forma ejemplar, sino que además se atreve a presentar una historia de amor tan hermosa y tan desgraciada que pareciera haber sido extraída de la mente de Sófocles.

Kaneto Shindô, el prolífico director japonés autor de la clásica Onibaba, es el encargado de escribir y comandar la realización de esta obra de arte, que narra la desgraciada historia de dos mujeres que son violadas por todo un regimiento de guerreros samurai que encuentran por casualidad su casa al regresar de una batalla. Las dos mujeres asesinadas, unidas por el vínculo de suegra y nuera, hacen un trato con los espíritus oscuros, que les permitirán establecerse como espíritus demoníacos en la tierra con el objeto de que puedan vengarse asesinando a todos los samurai que pasen por la región.

La historia se narra a través de una fantástica serie de secuencias ideadas por Shindô en colaboración con su director de fotografía Kiyomi Kuroda, en las que un omnipresente erotismo, desplegado con asombrosa delicadeza, es la motivación y perdición del cúmulo de desgraciados personajes que pueblan los alrededores del bosque de bambú, en donde las dos mujeres dan rienda suelta a su misantropía.

No puedo describirles el extraordinario nivel de las actuaciones desplegadas en Kuroneko, cuyo elenco cuenta con Nobuko Otowa, una de las más grandes actrices que ha dado Japón, en el papel de la suegra que anhela el reencuentro con su hijo perdido en combate, al que da vida Kichiemon Nakamura, un actor que cuando se lleva al extremo es capaz de desplegar una fuerza escénica digna de un completo animal y momentos después convertirse en el más sensible de los amantes.

Koruda, quien también fue el director de fotografía de Onibaba, se revela como un auténtico maestro de la imagen, conocedor de los ángulos y enfoques necesarios para impactar a la audiencia, con la que se divierte llevándola al borde del asiento durante todo el metraje hasta finalmente darlo todo en la macabra conclusión del filme, que quedará guardada como una de las mejores secuencias de la historia del cine.

Fuertemente influenciada por el teatro kabuki, del que extrae una gran parte de su inspiración estética y narrativa, Kuroneko formó parte de la selección oficial del festival de Cannes de 1968, que no se llevó a cabo por el conocido levantamiento social que vivió Francia bajo el mandato de Charles de Gaulle, sin embargo la película generó gradualmente un sólido culto a pesar de su mala distribución internacional.

Repaso en mi cabeza una y otra vez algunas de las intensas secuencias del filme y me sorprende el relativo anonimato de esta joya extraordinaria de la cinematografía japonesa. Sería un pecado imperdonable que cuando alguna vez encuentren una copia de esta película la dejen pasar de largo.

Balada Triste de Trompeta (2010)

2011-05-08T05:58:00.000-07:00

La guerra civil que sufrió España en los años treinta es un tópico que sigue a flor de piel en muchas de las manifestaciones artísticas de dicho país y que ha experimentado un nuevo auge cinematográfico en la última década. Sin embargo, las bajas pasiones que despierta la lucha que definió a la España moderna, usualmente desembocan en la representación de relatos poco equilibrados que radicalizan las posturas sobre el conflicto y abandonan cualquier intento de objetividad narrativa.

Penoso es el resultado de Balada triste de trompeta, el nuevo filme del afamado director español Álex de la Iglesia, quien a pesar de su tremenda experiencia en la industria cinematográfica se las ingenió para crear una cinta a la que es casi imposible hacerle un solo halago.

El filme pretende funcionar como una gran metáfora, que encarna los conflictos de la España de la posguerra en un ménage à troi compuesto por dos payasos y una atractiva acróbata, la cual tendrá que escoger entre el alcohólico payaso estrella del circo, con el que mantiene una relación extremadamente destructiva, y el payaso triste con el que se siente segura pero hacia el que no siente ningún tipo de atracción sexual.

Poco puede hacer el experimentado elenco de Balada triste de trompeta, que reúne a buenos actores como Santiago Segura o Antonio de la Torre, responsables ambos de los dos momentos medianamente rescatables de la cinta, con los exageradamente forzados y anti naturales diálogos que Álex de la Iglesia plasma en un guión que adolece de un evidente deseo por adoctrinar a la audiencia y por resultar forzadamente poético.

Como si de un estudiante de cine se tratase, de la Iglesia experimenta con una gran variedad de estilos visuales, unos peor logrados que otros, pero conservando siempre el sentimiento de falsedad que provoca el mal uso de los escenarios animados por computadora y el exagerado estilizamiento de las secuencias mediante post procesos digitales.

Por si fuera poco, las ridículas situaciones que es capaz de imaginar el director vasco carecen por completo de la gracia y frescura que podían apreciarse en cintas como El día de la bestia, para darnos un humor que pretende ser irónico pero termina siendo tan absurdo y evidente como el peor cine cómico hollywoodense, con la desventaja de que Ashton Kutcher no se toma en serio sus estupideces mientras Álex de la Iglesia cree que nos está dando un cine digno de competir con lo mejor que se hizo en el 2010.

Las metafóricas patrañas sentimentaloides de Balada triste de trompeta se suceden una tras otra sin descanso, dándole al espectador momentos tan entrañables como el de ver al payaso triste trayéndole en la boca, cual perro de caza, perdices al Generalísimo Franco después de haberse convertido en una especie de animal debido a la locura que le causó su amor no correspondido, o la pésima lucha final de ambos payasos en la enorme cruz del Valle de los Caídos, que inexplicablemente se transforma en un almacén para los animales del circo.

No diré más. Triste es el resultado de una película que había creado muchas expectativas y que no solo no las cumplió sino que además es definitivamente una de las peores cintas que vi en el 2010.

Au Revoir les Enfants (1987)

2011-05-02T05:50:00.000-07:00

Ocho años antes de su muerte, el director francés Louis Malle presentó al mundo una película que, según sus propias palabras, había deseado hacer durante toda su vida pero que hasta ese momento no había tenido la fuerza para filmar.

Muchas veces se ha dicho que para crear una obra maestra es necesario escribir acerca de lo que se conoce, y aunque esto no es necesariamente una norma ineludible, Malle la comprueba a la perfección con el guión de Au Revoir les Enfants, una historia autobiográfica que toma el sobre explotado tema de la segunda guerra mundial y lo enfoca desde un punto de vista que abandona los simples tópicos extremistas y sentimentaloides, para entregar uno de los relatos más equilibrados que haya visto sobre este funesto tema.

Una bellísima secuencia inicial en la que Gaspard Manesse se despide de su madre entre breves diálogos de reproche, odio y profundo amor, es la encargada de abrir este maravilloso relato que se funda en la amistad que surge entre dos niños estudiantes en un internado, lugar que funciona como una isla de conocimiento y paz entre el trasfondo de la ocupación alemana en Francia.

Fascinante es el retrato que Malle hace del colegio, en el que guía al espectador por las rutinas de estudio, juego e incluso de limpieza de los pequeños estudiantes. Rutinas que envuelven al filme en un hipnotizador halo de nostalgia relacionado tanto con la inocencia de los pequeños estudiantes, como con las formas de un sistema educativo que ha cambiado radicalmente con el paso de los años.

Mediante sutiles hechos puntuales el filme contextualiza la ubicación geográfica e histórica del internado, en el que los sacerdotes han decidido acoger en secreto a algunos niños judíos para evitar su traslado a los campos de concentración. Es precisamente la relación de uno de esos pequeños judíos con un brillante chico francés la que asumirá el centro del relato, relación que debido al fuerte interés intelectual de los chicos comienza como una competencia, pero que gracias al amor de ambos por la literatura se transforma en una profunda amistad.

El nivel de lirismo con el que se exponen todas y cada una de las escenas de Au Revoir les Enfants es asombroso y la capacidad de Louis Malle para dirigir al maravilloso elenco infantil es ejemplar, obteniendo de ellos un nivel de profundidad y profesionalidad que rara vez se observa en los filmes protagonizados por actores tan jóvenes. Por si fuera poco todas las secuencias presentan una cantidad abrumadora de sutiles detalles histriónicos que determinan la personalidad de los personajes. Una mirada fugaz en el baño de los chicos, un leve toque entre amigos, nada es fortuito.

La película tuvo una excelente acogida crítica y fue un completo éxito de taquilla, conquistando además el león de oro del festival de Venecia y convirtiéndose en un clásico muy apropiado para los tiempos de intolerancia que continuamos viviendo hasta el día de hoy. Aparentemente la historia no nos ha enseñado nada.

Insidious (2010)

2011-04-30T08:58:00.000-07:00

A pesar de mi evidente obsesión por cultivarme en los géneros más grotescos del cine, nunca he sido muy aficionado al terror en su vertiente moderna, ya que a lo largo de los años he desarrollado un rechazo hacia este género, que normalmente se transmite a través de malas historias recicladas, inevitablemente acompañadas de súbitos y fortísimos ruidos. Por fortuna, incluso dentro del mainstream fílmico, existen algunos realizadores que siguen interesados en aterrorizar con una buena historia.

La primera parte de Saw convirtió al malayo James Wan en uno de los directores de terror más solicitados y en el creador de una de las sagas de horror más exitosas de la historia, sin embargo, el cerebralismo mostrado en dicha obra se perdió en sus posteriores incursiones fílmicas.

Insidious es el regreso de Wan al camino del éxito y a la recuperación de ese terror clásico, en donde la historia retoma su papel primordial y el horror se transmite a la audiencia mediante excelentes manejos de cámara, que descubren a Wan como un verdadero conocedor de los cánones de dicho género.

Una vez más se utiliza a una familia de clase media norteamericana como el foco de una serie de desgracias, que tienen su origen en el misterioso y súbito coma en el que entra uno de sus pequeños hijos, que vendrá acompañado de sucesos paranormales y apariciones que harán suponer que la casa en la que viven se encuentra embrujada, suposición que poco a poco irá transformándose en algo mucho peor.

Desde la absolutamente perfecta secuencia inicial del filme, en donde la lentitud de una cámara que fluye sin detenerse demuestra ser más terrorífica que cualquier salto súbito, el espectador se da cuenta que Insidious pretende ser una cinta diferente y hasta cierto punto lo logra, balanceando con gran habilidad todos los elementos que desembocarán en la frenética media hora final y dándose incluso el lujo de introducir unas cuantas situaciones humorísticas tan excelentes como sutiles.

A pesar de algunos pequeños errores lógicos en el planteamiento de la historia y de las, en ocasiones, flojas actuaciones de Patrick Wilson y Rose Byrne, que terminan siendo el único defecto evidente de la película, Insidious es altamente disfrutable. El uso de un guión que se esfuerza por ser interesante y que es capaz de atemorizar sin derramar una sola gota de sangre, se combina con secuencias visualmente extraordinarias en las que se puede palpar la influencia que han tenido en Wan maestros del género como Dario Argento.

En definitiva, James Wan nos ha regalado una cinta refrescante e inteligente en el repetitivo mundo del terror cinematográfico, que lo coloca nuevamente como un cineasta que hay que vigilar de cerca.

Source Code (2011)

2011-04-25T10:18:00.000-07:00

El camino de un director que triunfa con su primera película no es nada fácil, ya que normalmente es el segundo ejercicio fílmico el que consolidará su carrera o el que la colocará en la vitrina de los solitarios one hit wonders. Como podrán imaginar la presión es enorme.

Esa es precisamente la situación en la que se encontraba Duncan Jones, que con Moon, su minimalista y extraordinaria ópera prima, fue alabado por críticos y público al presentar una película de ciencia ficción que respetaba la inteligencia del espectador, logrando un relato redondo de principio a fin. El primer paso estaba dado y las expectativas sobre su segunda incursión cinematográfica comenzaron a crecer desde el momento en que se anunció que, como era de esperarse, Jones permanecería en el rango de la ciencia ficción para su segunda cinta.

Mucho me intrigaba saber el camino que tomaría Duncan Jones en Source Code, una película que dejaba ver imágenes espectaculares en los avances y que al mismo tiempo planteaba una trama plagada de vueltas de tuerca y giros inesperados, que por si fuera poco aparentemente jugaba con el viaje temporal, tema que desde mi punto de vista es el tópico de ciencia ficción más complicado de llevar con éxito a la pantalla grande.

Con toda la tristeza del mundo debo decir que muy poco queda en Source Code del Duncan Jones que nos maravilló con Moon. Ese infinito cuidado con el que creó su primer guión, ahora queda totalmente olvidado en una historia que mantiene el interés del espectador tan solo en el pequeño lapso de tiempo en el que éste no sabe las causas que motivan los eventos, ya que cuando éstos comienzan a explicarse los errores de continuidad y de lógica comienzan a apilarse en un desarrollo que termina siendo burdo, penoso y absurdo.

La trama se reduce a que un soldado norteamericano, interpretado por Jake Gyllenhaal, tiene la misión de encontrar al terrorista que hizo estallar un tren, para que la policía pueda detenerlo antes de que complete un atentado mayor que había anunciado previamente. El método para encontrar al villano radica en que el soldado debe viajar mentalmente a una recreación de los 8 minutos previos al estallido de la bomba, e interactuar con los pasajeros para detectar al terrorista. No revelaré más detalles de la historia para que los que lleguen a ver esta tomadura de pelo disfruten armando la trama poco a poco, pero luego no digan que no se los advertí.

El ejército de fans de Duncan Jones, del que yo formaba parte hasta el pasado fin de semana, defienden que es exagerado preocuparse por las justificaciones científicas del filme, ya que lo importante, dicen, es el mensaje que se oculta detrás de estos detalles. Nada más alejado de la realidad, ya que si obviamos la parte sci-fi del guión, lo que queda es una ridícula historia de amor y un juego de búsqueda del culpable, al que intencionadamente, o no, se le descubre al espectador en los primeros quince minutos del filme.

Duncan Jones ni siquiera tiene esta vez entre sus colaboradores a Clint Mansell para que con sus magníficos soundtracks rescate la cinta, con lo que el espectador solo se queda con el intento que hace el músico Chris Bacon para meter tensión a algunas de las escenas.

Lo único rescatable del desastre que es Source Code es la fotografía de Don Burgess, a quien recordamos del impecable trabajo que hizo en Forrest Gump y que logra crear algunas escenas de impacto muy disfrutables. Por desgracia no hay nada más y Source Code aparentemente será una de las decepciones más grandes que tendré este año. Curiosamente el filme tiene una calificación de 7.8 en IMDB. Definitivamente no lo entiendo.

They Live (1988)

2011-04-24T02:04:00.000-07:00

La escoria, los desposeídos y todos aquellos pobladores de ese inframundo que ha construido la lucha de clases instaurada desde los albores de la humanidad, se convierten en los encargados de despertar a la sociedad moderna en They Live, película indispensable en la filmografía del legendario John Carpenter, quien junto a David Cronenberg y Wes Craven fue pilar fundador de la escuela americana de terror moderno.

No es precisamente terror lo que se transmite en este filme, en el que Carpenter opta por sustituir los gritos, los asesinatos y el gore, por vibrantes secuencias de acción, un humor ágil y una constante e inteligente crítica social que se desprende del cuento corto Eight O'Clock in the Morning, escrito por Ray Nelson y que Carpenter adapta en un sencillo pero impecable guión.

La premisa de la historia nos plantea las casualidades que llevan a un obrero de la construcción, cubierto de músculos pero sin preparación alguna, a descubrir que el mundo está en realidad controlado por unos horrendos extraterrestres, a los que vemos como seres humanos normales gracias a que éstos controlan nuestras mentes con una serie de ondas que emanan de los aparatos de televisión.

No es la primera vez que se coloca a la televisión como un malévolo medio de control social en un guión, de hecho unos años antes Cronenberg había planteado teorías similares con su Videodrome, sin embargo el guión de They Live no se queda en el aspecto televisivo, sino que ataca directamente todos los convencionalismos sociales a los que estamos voluntariamente sometidos, ya que es mediante los superficiales anhelos de los ciudadanos que los horrendos invasores controlan a su ganado humano.

El personaje principal, interpretado por el luchador profesional Roddy Piper con sus evidentes carencias histriónicas, descubre una caja llena de unos lentes que le permiten observar el mundo real sin las ondas que bloquean su cerebro, pudiendo con esto detectar a los malvados extraterrestres y descubriendo una pequeña guerrilla humana que ha diseñado los lentes y que pretende despertar a la humanidad.

Muchas cintas de acción de los últimos años envidiarían profundamente el extraordinario ritmo del filme de Carpenter, que con sus enormes limitaciones presupuestales logra una ambientación inmejorable, dota a la historia de una fluidez ejemplar y construye escenas absolutamente perfectas, como la interminable pelea en el callejón o la secuencia en la que comienza a revelarse el mundo en todo su manipulador esplendor a través de los lentes de sol.

Ambientada con una excelente banda sonora compuesta por el propio Carpenter, They Live es un filme del que no esperaba mucho y que me ha sorprendido completamente por su frescura y por el simple pero acertado trasfondo filosófico, que la coloca junto a clásicos de este estilo de cine aleccionador pero hábil como el Dawn of the Dead de George A. Romero.

How to Train Your Dragon (2010)

2011-04-22T12:26:00.000-07:00

Después de haber dirigido un filme sobre la banda islandesa Sigur Rós, que será recordado como uno de los mejores documentales de la historia, Dean DeBlois regresa a la pantalla grande junto a su inseparable Chris Sanders, con el que codirigió el éxito de Disney Lilo & Stitch, para presentar una película producida por los disidentes de Disney, los cada vez más exitosos Dreamworks.

Nominada al Oscar a mejor cinta de animación, How to Train Your Dragon fue sin duda una digna competidora de la ganadora Toy Story 3 y de la ignorada pero soberbia The Illusionist, cintas que colocan a la animación como uno de los géneros fílmicos contemporáneos más sobresalientes.

Ubicada en una mítica tierra colonizada por los vikingos, el filme relata la lucha de un pequeño pueblo que se ve asolado constantemente por una plaga de dragones, a los que han declarado la guerra y contra los que se defienden en cruentas batallas para evitar el robo de su ganado.

La historia de la cinta nos lleva a lugares comunes y plantea una serie de personajes que hemos visto en repetidas ocasiones, sin embargo el previsible desarrollo de la película se convierte en una experiencia entrañable, gracias al correcto manejo de situaciones y a la utilización de esos desarrollos sentimentales, que aunque veamos cientos de veces nos seguirán causando un cierto placer emocional.

El casi siempre simplón Jay Baruchel presta su voz al personaje principal de How to Train Your Dragon, un joven que no tiene las capacidades físicas para ser un despiadado vikingo, pero que al mismo tiempo busca desesperadamente la aprobación de su padre, quien es también el temido jefe de la tribu (Gerard Butler). El temor y el odio que sienten los vikingos por las míticas criaturas voladoras, se pone en tela de duda cuando el pequeño protagonista entabla una profunda amistad con un temible dragón herido en uno de los combates. Es este hecho el que motiva el conflicto principal de la cinta y que pone a prueba el amor entre padre e hijo y la supervivencia del pueblo.

Divertida, directa y sin pretenciones, How to Train Your Dragon es una buena película, cuyo rango de disfrute alcanza todas las edades, que maravilla con sus avanzadas técnicas visuales y que dentro de su evidente simplicidad satisface completamente el objetivo para el que fue filmada.

Hunger (2008)

2011-04-18T10:58:00.000-07:00

El idealismo es un fenómeno que se observa cada vez con menos frecuencia. La proliferación de esos hombres y mujeres que perseguían con fervor un cambio social en la segunda mitad del siglo pasado, se enfrentó con la decepción del socialismo y el ascenso del salvaje capitalismo, sistema que acabó por absorber a los otrora idealistas.

A pesar de todo, en algunas ocasiones vuelven a surgir hombres dispuestos a sacrificar sus vidas por una causa que consideran justa, pero que al dejarse arrastrar por la pasión desmedida de sus ideas abandonan el idealismo para adoptar el terrorismo.

Steve McQueen, artista londinense que gracias a sus video-instalaciones consiguió el prestigioso premio Turner, ha creado con Hunger una cinta ejemplar en muchos sentidos, que aborda sin miedo el complejo tema del terrorismo y en la que se percibe el deseo por contar un hecho histórico desde la más completa objetividad.

La película narra la lucha de un grupo de miembros del IRA (Irish Republican Army), que bajo las órdenes del idealista/terrorista Bobby Sands, luchan desde prisión para conservar el estatus de prisioneros políticos que la primera ministra de Inglaterra, Margaret Thatcher, decide retirarles por considerarlos tan criminales como el resto de los prisioneros.

Extraordinaria es la forma en la que McQueen da cohesión a este relato, que se divide en dos partes principales carentes casi por completo de diálogo, unidas entre si por medio de un puente que se compone de una impactante secuencia, en donde el papel principal que tiene la forma durante todo el metraje se deja de lado, para lanzar al espectador un diálogo en una sola toma, que lo deja completamente anonadado por su complejidad histriónica y que lo prepara para la intensa conclusión del filme.

El pasado artístico de McQueen le sirve para crear junto a Sean Bobbitt secuencias que se regodean en el uso del cuerpo humano como un lienzo que se rasga, se deforma y se transforma en mierda, orina y llagas, hasta llegar a niveles de crudeza plástica que bien podrían haber salido de la mente de Francis Bacon o Lucien Freud.

Hunger también descubre el talento de Michael Fassbender, que sin duda se convertirá en uno de los grandes actores de su generación y al que ya había tenido la oportunidad de notar en la posterior Fish Tank (2009), pero cuyo retrato de Bobby Sands es una verdadera clase magistral de interpretación, que muestra los retos físicos y mentales a los que puede someterse un actor verdaderamente comprometido con su papel.

Ganadora de la cámara de oro en el festival de Cannes, Hunger es una película que coloca a Steve McQueen como uno de los directores más prometedores de Inglaterra y que pinta un fiel retrato de los sinsentidos o sentidos a los que nos orilla la pasión por una idea.

Howl (2010)

2011-04-16T01:16:00.000-07:00

La palabra es el arma más poderosa que tiene el ser humano. Es gracias a esa habilidad, que permite transmitir con sonidos o manchas de tinta placeres gloriosos o aberrantes infiernos, que el hombre ha conseguido su evolución intelectual y social. Sin embargo, a pesar de que todos los seres humanos son capaces de utilizar la palabra, muy pocos poseen la capacidad de esgrimirla para transmitir algo verdaderamente trascendente.

Howl es la biografía de uno de los poemas más importantes del siglo pasado, obra que se convertiría en la bandera de una generación de escritores norteamericanos conocida como la generación beat y que transformaría a su autor, Allen Ginsberg, en uno de los poetas más connotados del siglo XX.

Perceptible es el amor y la admiración que los documentalistas Rob Epstein y Jeffrey Friedman, directores del filme, sienten por Ginsberg y por la que es considerada su obra cumbre, que como muchas veces ocurre dentro del mundo de la poesía es también su primer trabajo publicado.

El hilo conductor principal de la película relata el juicio que se hizo al dueño de la editorial que publicó el poema, quien por la fuerte carga erótica y altisonante del libro fue acusado por el estado bajo el cargo de distribuir material obsceno. De forma simultánea a la querella, se intercalan dos niveles narrativos secundarios compuestos por reconstrucciones de entrevistas hechas a Ginsberg, que contextualizan y pintan un fascinante retrato del artista, y por una declamación del poema que se ilustra mediante secuencias de animación creadas por John Hays.

Howl es de esos filmes que gradualmente toman fuerza y que a lo largo del metraje compensan sus errores iniciales, que en el caso de esta cinta no son pocos, ya que la personificación que hace James Franco de Ginsberg inicialmente se percibe completamente fuera de lugar, e incluso la primera declamación, que es acompañada también por los peores segmentos animados, podría generar que algunos decidan abandonar la sala. Sin embargo, por alguna misteriosa razón, llega un punto en el que todo comienza a encajar a la perfección y Franco toma las riendas del papel, entregando una interpretación poderosa del poeta, cuya obra termina declamando como si la hubiera estudiado durante toda su vida.

Fuera del anecdotario del juicio, que resulta interesante a pesar de la caricaturización que se hace de los acusadores, Howl merece ser vista por el trabajo de James Franco y por el énfasis que hacen los directores en la poesía de Ginsberg, enfoque que evidentemente resulta arriesgado porque el espectador promedio no va al cine para que le reciten poesía, pero que permite contextualizar muchos de los pasajes de la obra, así como sucumbir ante el talento de esas mentes brillantes que fueron destruidas por la locura.

Naisu no mori (Funky Forest: The First Contact) (2005)

2011-04-11T11:37:00.000-07:00

Poco sabemos los integrantes del mundo occidental acerca del humor japonés, género al que tenemos acceso principalmente por extractos que se obtienen de algunos shows televisivos de ese remoto lugar, en los que normalmente se pueden observar grupos de participantes que se someten a situaciones extremas a las que somos incapaces de encontrar sentido dado nuestro origen cultural.

Toda la extrañeza y el glorioso sinsentido de esa rara avis que es el humor japonés, es llevado al extremo en Funky Forest, una película sin pies ni cabeza que probablemente se convierta en la experiencia más bizarra que muchos de ustedes hayan visto en la pantalla grande.

El monumental filme de dos horas y media es un esfuerzo de tres directores japoneses, Hajime Ishimine, Shunichiro Miki y Katsuhito Ishii, siendo este último el que aparentemente comanda la triada que también se encargó de escribir el guión de este moderno teatro del absurdo.

Conectadas entre sí por delgadísimos filamentos narrativos que carecen de justificación racional, las secuencias de Funky Forest dividen al filme en varias partes que exponen historias ancladas en la realidad, pero que en segundos se transforman en situaciones que más que risas causan incredulidad y ese particular sentimiento que aflora cuando no se comprende en absoluto lo que se está observando, pero por alguna inexplicable razón se vuelve imposible apartar la mirada.

Ya sea con las historias que mantienen al espectador en vilo y que no llegan a ningún lado, con las estupendas secuencias que involucran pequeños humanoides deformes que después son utilizados como instrumentos, o con el hombre que expulsa leche por sus pezones gigantes cuando le masajean una gran bola que le sale del ano, Funky Forest es una película muy disfrutable, que será atesorada por todos aquellos fanáticos del humor asiático y que a pesar de su larga duración logra mantener al espectador en su asiento, incluso atreviéndose a jugar con un final relativamente poético que cierra con broche de oro el desconcertante viaje.

Un aspecto clave es la excelente banda sonora electrónica producida por Toru Midorikawa, que asume un rol de vital importancia en muchas ocasiones y que se convierte en principal protagonista de la que para mi gusto es la mejor secuencia de la cinta.

Protagonizada por un soberbio elenco que incluye a Tadanobu Asano (Ichi the Killer), Rinko Kikuchi (Babel) y Ryo Kase (Letters From Iwo Jima), el curioso esfuerzo fílmico fue recompensado con el premio a la película más innovadora del Toronto After Dark Film Festival y sigue cosechando adeptos que la han posicionado como todo una obra de culto que sin duda vale la pena ver.

Faust (1926)

2011-04-08T11:35:00.000-07:00

Behold!

El cartel negro escrito con blancas letras góticas brilla apenas tres segundos en la pantalla, sin embargo, su significado magnificente y contemplativo resume a la perfección el carácter de la interpretación que Friedrich Wilhelm Murnau hace de la conocida historia de Fausto.

Imposible es imaginar la reacción del público que a mediados de los años veinte tuvo el privilegio de ver un filme plagado de imágenes tan impactantes como Faust, en el que Murnau se esfuerza más allá de los límites para crear secuencias de un poderío visual grandilocuente, que puede apreciarse desde el cuadro inaugural del filme donde los jinetes del apocalipsis cabalgan sobre un cada vez más corrupto planeta tierra.

Al igual que en la cruel historia bíblica de Job, en Faust Satanás hace una apuesta con el cielo para probar o negar la valía del principio de libertad de elección del hombre y la existencia del amor, con lo que una vez más el cielo toma el papel de observador en una serie de catástrofes que Mefistófeles desata con el objetivo de manipular el corazón de Fausto.

En una de las escenas más impresionantes que se hayan concebido en el expresionismo alemán, Satanás esparce la peste sobre la ciudad en la que Fausto trabaja como médico. La desesperación de éste por no poder curar la epidemia lo lleva a renegar de todo, a prender fuego a sus libros y a invocar al demonio, que a partir de ese momento comenzará a jugar con el destino de Fausto para destruirlo moralmente.

Al igual que en Sunrise, Murnau utiliza el recurso de dividir la cinta en tercios, donde el primero y el último presentan un dramatismo devastador, mientras que el segundo funciona como un interludio humorístico diseñado para disminuir un poco la presión emocional a la que se somete el espectador. A diferencia del presentado en Sunrise, en Faust el segundo tercio de la cinta puede resultar repetitivo y un poco largo, situación que constituye el único error palpable de una cinta que de otra forma rayaría en la perfección.

Al estar basada en la visión del Fausto de Goethe y no en el relato original del siglo XVI, la redención es un aspecto clave en la cinta de Murnau, que lleva a buen término los conceptos y situaciones descritos por Goethe y que incluso maximiza el dramatismo con el que se concluye la historia.

Faust es una cinta que siempre será recordada por sus impresionantes efectos especiales y los brillantes manejos de cámara del fotógrafo estrella de la época Carl Hoffman, sin embargo el filme cuenta también con las estupendas actuaciones de Gösta Ekman como Fausto, Camila Horn como Gretchen y como Mefistófeles el siempre estupendo Emil Jannings, quien cuatro años después se consagraría en Der Blau Engel.

El trabajo de Murnau en esta cinta quedará como uno de los hitos más grandes de la historia del cine, una obra de suprema dedicación en la que el talento innovador de este genio se desborda por completo, asombrando, conmoviendo y perdurando hasta nuestros días.

J'ai tué ma mère (I Killed my Mother) (2009)

2011-04-04T10:57:00.000-07:00

Xavier Dolan es de lo más emocionante que le ha pasado al cine en años. La historia de este joven director, que a sus 22 años ya ha sido alabado por propios y extraños en festivales de la talla de Cannes, no es nada común e inmediatamente nos remite a esos atormentados artistas que como Rimbaud deslumbraron al mundo con su precoz talento y el ejercicio absoluto de la libertad creativa que permite la juventud.

El aspecto más increíble radica en que, a diferencia del poeta maldito francés, Dolan decidió expresarse a través del que probablemente sea el arte más caro de generar, consiguiendo con un grandísimo esfuerzo el dinero para filmar J'ai tué ma mère, un guión que escribió cuando tenía 16 años de edad y que se convirtió en su primera incursión cinematográfica.

Ocho minutos de ovación y tres premios en el festival de Cannes fue lo que obtuvo este relato, que narra la tormentosa relación que mantiene un adolescente homosexual con su madre y su constante devenir entre el amor más profundo y el odio más desaforado.

Dolan, como buen realizador joven, intenta darle a su público algo nuevo tanto visual como narrativamente, situación que lo lleva a utilizar un discurso visual que se obsesiona con la creación de planos que dejen de lado lo ordinario, jugando constantemente con la simetría y las proporciones de la pantalla e imprimiendo una frescura visual que brilla por su ausencia en el cine clásico contemporáneo.

Todo ese cuidado preciosismo visual que se exhibe hasta en el último detalle de los escenarios, se complementa con las actuaciones de Anne Dorval, como la abnegada madre que intenta comprender a su cada vez más lejano hijo, y el propio Xavier Dolan, que se apodera del papel principal de una forma tan personal que inmediatamente podemos suponer la fuerte carga autobiográfica que motiva la historia.

Las desgarradoras escenas que aprovechan hasta el extremo el conflicto madre/hijo se deslizan entre interminables secuencias de insultos y diálogos maravillosamente poéticos, que curiosamente llegan a su clímax justo en la mitad de la cinta, con un plano que atesoraré como uno de mis favoritos del año.

Destacable es la hermosa y minimalista música de Nicholas Savard-L'Herbier, que eleva maravillosamente la intensidad del filme, hasta que éste finalmente estalla con las canciones que Crystal Castles y Vive la Fête cedieron a Dolan para ambientar las secuencias más frenéticas de la película.

Terminé de ver J'ai tué ma mère con el corazón encogido, recordando a mi madre y con un increíble deseo por filmar lo que fuera con una cámara. Francamente dudo que se le pueda pedir más que eso a una cinta.